Le ShamRock

Le Shamrock N°Avril 2011

2011-03-29T17:15:00.003+02:00

Le Shamrock d'avril 2011 est sorti! La distribution de la version papier continue vendredi 8 avril à l'Edhec.

Open publication - Free publishing - More ad lib

Anna Calvi : Believe the Hype

2011-03-23T20:55:00.006+01:00

Anna Calvi, c’est rien de dire que la presse musicale en a énormément parlé. Complète inconnue il y a encore peu, les choses se sont précipitées vertigineusement pour elle ces dernières semaines : Sortie d’un LP avec reprise habitée de « Jezebel » (en écoute sur Deezer), signature chez le label Domino (celui des Monkeys), premières parties de Nick Cave, et donc aujourd’hui ce premier album intitulé « Anna Calvi » (pourquoi s’emmerder ?) qui lui vaut les couvertures de tout ce qui existe en canards musicals des deux côtés de la Manche. Le vieux Brian Eno allait même jusqu’à dire qu’il n’avait pas vu ça depuis Patti Smith (en même temps l’avis de Brian Eno…). On évoque également à son sujet PJ Harvey (suis en train de réécouter « come on billy », un sacré morceau), Siouxsie…Y a plus qu’à citer Janis et Grace Slick et on aura tout le monde. Alors bien sûr sous prétexte que tout le monde lui tresse des lauriers, pointent déjà à l’horizon quelques idiots qui vous annoncent, tout fiers, qu’ils ne sont pas dupes de ce qu’« on essaie de nous refiler ». Qui ça, « on » ? Ben Laden ? Les Suisses ? Le KGB ?

C’est assez drôle de voir l’arbitraire de cette fiction auto-alimentée qu’est la Hype, qui après avoir élu de jeunes geeks fans de psychédélisme anglais (MGMT), des croquemorts (the XX), des roux (les nullards de Two Door Cinema Club), des faux bardes (l’affreux Anthony la pleureuse and the Johnson) a choisi cette fois de jeter son dévolu sur cette jeune anglaise de 22 ans, dont chacun salue l’incandescence sur scène : Comme les gars d’Arcade Fire, elle joue sérieuse comme un pape, coiffée d’un strict chignon de rat d’opéra, sourcils froncés, mine contrite, pas encore tout à fait assurée probablement. On voit ce qui est derrière, ce qu’elle vise : l’attraction distante, la séduction glacée, comme Bowie pendant sa période « young americans ». Toute cette unanimité derrière elle, cette Hype, mot puant dénué de sens (Qu’est ce que la Hype sinon l’enthousiasme synchrone pour un gars qui a priori sort du lot) va offrir à quelque uns, on le sait déjà, le prétexte de jugements à l’emporte-pièce alors qu’on devrait aborder toute première œuvre avec une bienveillance relativement dépassionnée , et faire cet effort surhumain de parler en connaissance de cause. La méfiance suscitée par la hype est d’autant plus injuste, qu’il est plus dur de créer de l’inédit aujourd’hui. De quoi partait les Beatles lorsqu’ils jouaient « she loves you » ? Pas grand-chose, tout était à inventer. Faut quand même bien voir que tout jeune artiste qui commence aujourd’hui a 60 ans de rock derrière lui, qu’il doit se coltiner, et à l’aune desquels il va être jugé . Et contrairement à l‘aspirant écrivain qui lui peut attendre (et qui devrait attendre, ça éviterait que tant de nullards soient publiés. Ca sert à ça la lecture des génies : inspirer les futurs génies et et inhiber les autres : malheureusement les mauvais écrivains sont trop inconscients et ont trop peu d’ambition pour avoir des doutes sur ce qu’ils écrivent ; il n’y a que les génies qui doutent), il doit le faire à 25 ans, le rock ne pouvant se concevoir que dans la fulgurance : Pete Townshend eût-il écrit « Hope i die before i get old » à 45 ans, il aurait eu l’air bien bête, c’est sûr.

Pour en revenir à Anna Calvi, la comparaison avec Buckley saute aux oreilles (oui je le sais bien que c’est réducteur d’étiqueter les gens, si je sors quelques références, c’est pour donner quelques jalons, quitte à rendre le truc un peu trop identifiable. Parce qu’on vient tous de quelque part, ne serait-ce que pour s’en éloigner). On retrouve effectivement le son de guitare, liquide et fantomatique, plein d’écho caractéristique de chez Buckley fils, sauf qu’heureusement Anna Calvi, elle, n’est pas une chouineuse (regardez là en interview : elle ne dit RIEN de vaguement personnel. Je trouve ça admirable). Juste en passant, je suis retombé en écrivant sur une interview assez édifiante du sieur Buckley. Attention c’est du lourd : « Moi, je dois bien l'admettre, je suis religieux. Mais je n'arrive pas à croire à l'organisation terrestre faite au nom de Dieu. Les prêtres, tous ces prétendus représentants, ce sont des trucs pour malades mentaux. Alors, comme ça, Dieu serait là pour punir, encore et toujours, mais jamais pour récompenser ? Un père, mais pas de mère. Aucune femme dans la sainte Trinité... Quelle erreur monumentale ! C'est effroyable de constater que la seule femme sans reproches dans la Bible soit Marie, qui n'a jamais baisé de sa vie. Elle a fait un bébé avec son oreille. Non mais franchement, quelle connerie ! Je ne suivrai jamais de ma vie le moindre conseil important émanant de quelqu'un qui n'a jamais baisé et qui, en plus, en est fier. Le pape, quelle insulte au sexe, quelle insulte aux femmes ! Toutes nos religions sont en faveur des hommes, elles me dégoûtent. Pas étonnant qu'on traite la terre avec le même mépris : on la viole, on la détruit, on ne tient pas compte de son avis. Tout cela est très perturbant. Je suis un garçon très perturbé…» 2000 ans de théologie récusée PAF !! Non mais c’est vrai quels cons ces chrétiens !! Jaspers, Pascal, Erasme, Bernanos ? Des trous du cul !! la transcendance quelle blague !! Ah et Marie a fait un bébé avec son OREILLE !!?? HEU JE NE PENSE PAS NON TROU DUC !! Une bêtise pareille ça tient du prodige. L’imbécile aura aussi réussi cette performance notable de mourir plus jeune que son père (il s’est suicidé parce qu’il était mal dans sa peau le pauvre chéri). J’en reste là, tout le monde aura compris à quel point le pauvre garçon était bien bête.

Le risque numéro un lorsqu’on veut donner dans le lyrique, c’est l’emphase, l’ampoule, la pompe, en un mot le rock-kougloff (type les idiots de Muse). Une telle musique encourt plus surement le piège du ridicule mais c’est noble de s’exposer ainsi à vif, de ne pas avoir peur de ne pas faire dans le demi-mesure. Et en l’occurrence Calvi le fait bien. La production est peut être un poil lissée et clinquante à mon goût mais ça va, on s’en accomode. Aux moins deux grandes chansons ressortent : d’abord ce « First we kiss », bizarre et tendre, et surtout « love won’t be leaving », un classique d’ores et déjà. L’intro en cavalcades de guitares, les couplets sussurrés, Le refrain (« cause loooove won’t be leaving !!!) le final, tout est grandiose. Les chœurs du Bolchoi à trois, rien de moins. Qu’on trouve le reste trop vélléitaire je peux le comprendre, mais ces deux chansons là, il fallait les écrire. Suis-je totalement conquis ? Non pas tout à fait, je suis resté relativement hermétique à certaines chansons (« morning light »), malgré le fait qu’elle se donne sans réserve. Peut être ce « lyrisme cérébral » de sa musique vitrifie un peu l’émotion, je ne sais pas trop. En tout cas, l’album reste très impressionnant, et on peut affirmer en étant quasi sûr de ne pas se tromper que cette fille n’est pas un feu de paille. Un peu moins de manières, plus de hargne et de méchanceté pour la suite et ça va devenir une tueuse.

Vianney G.

N° de mars 2011

2011-03-03T14:31:00.005+01:00

Le Shamrock du mois de mars 2011 enfin en PDF!

Vous n'étiez pas là le jour de la distribution? On vous l'a volé avant même de l'avoir lu en entier? Vous l'avez perdu et rêvez de vous tordre de rire à nouveau sur les articles de Vianney G., d'admirer la mise en page de Diane H. ou de découvrir la plume des nouvelles recrues?

La version Webzine se trouve juste ci-dessous!

Bonne balade, cher lecteur!

Très modestement,

Diane H.

Le "Revival" : hommage ou solution de facilité?

2011-03-01T18:02:00.008+01:00

BLACK LIPS

Groupe formé en 2000 à Atlanta, les Black Lips se définissent eux-mêmes et non sans une certaine modestie comme les uniques représentants d’un genre de leur propre création : le Flower Punk. Comprenez que les Black Lips produisent une musique mariant étrangement un chant violent et fortement marqué garage voire punk à des airs et accompagnements souvent plutôt influencés par le rock et la pop psyché des années 60 et du flower power. Difficile alors, me direz vous, de croire qu’un tel groupe ait pu voir le jour si tardivement, surtout si on tient compte de la qualité de l’enregistrement qui semble (volontairement on l’imagine) tout juste digne d’un groupe lambda des sixties. Toujours en conservant cette qualité sonore intentionnellement infecte et antique dans sa manière de sonner, les blacks lips nous proposent plusieurs types de morceaux tenant toutes de la revisitation fidèle des grands classiques du genre de 1960 au début des années soixante-dix. Un instrumental très Beatles/Byrds/Kinks/Animals comme sur I’ll Be With You ou Dirty Hands (qui sont d’ailleurs assez scandaleusement basées sur les mêmes trois accords) accompagne un chanteur à la voix de voyou londonien qui n’est pas sans rappeler celle du Mick Jaegger des London Years. D’autres titres comme Hippie Hippie Hoorah feront référence à une période un peu plus tardive à l’aide de sonorités qui nous feront plus penser à Woodstock qu’au Cavern Club). D’autres emprunteront aux Keith Richards (sur everybody's doin it ou encore take me home back to boone) et autres Jimmy Page (écouter Body Combat) des guitares saturées, on encore une voix très narrative et dérangée comparable à un celle d’un Jim Morrison sur Trapped In a Basement par exemple (en mois déprimant peut être). Le groupe a écrit trois albums, mélangeant tous mes trois punk, garage et psyché sans qu’on puisse vraiment dire lequel est plus rock, plus punk ou plus psyché que les autres. La seule différence notable est sans doute la qualité de l’enregistrement qui s’améliore légèrement au fil des albums, de Let It Bloom (déjà avec on peut pas faire plus revival, en référence aux légendaires Let It Be et Let It Bleed du couple ennemi Beatles/Stones) à 200 Million Thousands, peut être s’ancrer plus profondément dans cette époque pourtant révolue où la qualité de l’enregistrement s’améliora si rapidement. Peut être se sont-ils aussi rendus compte que cette volonté, compréhensible et intéressante au fond, de sonner « vintage » poussait parfois leur musique sur certains titres jusqu’à la limite du franchement dégeulasse.

Un constat s’impose : contrairement à ce qu’ils prétendent, les Black Lips n’ont absolument rien inventé au niveau musical. S’ils se sont en effet contentés de reprendre ce qui s’était fait de mieux lors de l’une des périodes les plus fastueuses pour la musique et le rock, si ce n’est la plus fastueuse, on doit leur reconnaître le mérite de l’avoir réellement bien fait. Il n’y a rien de révolutionnaire, mais cela reste de bon goût agressif et puissant, dérangeant, (peut être même dérangé) et il faut admettre que ce choix d’un enregistre archaïque confère au tout un certain charme et une certaine nostalgie de cette époque qu’ils tentent et réussissent à imiter. On pourrait trouver une telle entreprise quelque peu vaine, voire même agaçante, même sans pour autant vouloir à tout prix « le progrès pour le progrès » faire de l’actuel pour faire de l’actuel. Personnellement, cela ne me dérange pas si, comme dans le cas des Black Lips, c’est de bonne facture avec d’excellents titres et très peu de déchet (surtout sur les premiers et troisièmes albums qui sont les seuls que j’ai écouté, le second étant malencontreusement passé à la trappe), tout aussi authentiques que s’ils avaient quarante ou cinquante ans de plus. De plus, je dois ajouter que je préfère largement découvrir et écouter un tel groupe à un des représentants du pullulement anarchique de groupes électro-pop-rocks souvent semblables en tout points les uns aux autres essayant péniblement de surnager dans le bouillon divers et bigarré du rock indépendant depuis le début des années 2000. A noter que ce groupe aux performances scéniques paraît il pour le moins houleuses et riches sort un quatrième album cette année. Ne pas s’attendre donc à une révolution ni à un disque absolument indispensable, mais au moins à un album bien fait, résolument rock et authentique.

RODEO MASSACRE : If You Can’t Smoke’em Sell’em

Originaires pour leur part de Suède, les Rodeo Massacre participent également de cette volonté de raviver les feux anciens, de rendre un hommage aux plus grands de cette moitié de siècle. Avec cette fois une femme à la voix chaude et puissante (et qui soit dit en passant ne viendra sûrement pas briser la représentation traditionnelle que nous avons de ce côté de la Baltique de nos amies Suédoises et plus largement Scandinaves), des rythmes appuyés, des guitares tantôt rageuses, tantôt envoûtantes et des refrains efficaces et percutants, la référence à Jefferson Airplane crève les yeux. Et là encore, le résultat est plutôt agréable. Si l’influence de est à JA est en effet évidente, on ne peut honnêtement pas dire que la musique de ce groupe au nom d’un goût malheureusement pas aussi sûr que sa musique, se limite à une pâle imitation, un vulgaire plagiat de ces derniers. Il y a bien de nombreux apports, recompositions et autres reconstitutions de la part des Suédois. On pourra par exemple apprécier la présence inhabituelle dans ce registre de solos de flute, d’harmonica (écouter par exemple Zombies of Life) ou de trompette (Desert Man) qui enrichissent l’ambiance d’une forme d’euphorie, de folie peut être, parfois de démence comme à la fin de la chanson Desert Man et, au rythme du galop des tambours et des guitares, nous font traverser les grandes plaines vers l’Ouest du nouveau Monde. On verra également apparaître des structures directement venues du Blues originel (I’ve Got A Big Foot Now) Sur leur premier album intitulé If You Can’t Smoke’em Sell’em, sorti au début du mois de février 2011, on a ainsi le droit à un récital de rock et de pop psychédélique dasn les règles de l’art, parfois même à des intros se rapprochant sensiblement de celles des Doors (notamment sur Turning Wheel). Le balayage des influences entrepris par Rodeo Massacre est donc large mais reste cohérent sans tomber dans l’accumulation, avec un album qui, au vu de l’atmosphère dans laquelle il nous plonge, constituer la bande originale d’un Tarantino (en particulier la chanson Desert Man). On est forcé de reconnaître la qualité de cet album et du groupe qui l’a fait naitre, que l’on soit un réactionnaire nostalgique des seventies ou un jeunot naïf et un peu ignare (ou encore entre les deux).

Voici donc un autre exemple de grand classique revisité avec brio, de groupe ostensiblement revival sans être vain, qui ne pourra donner lieu ni à la critique des anciens et puristes du genre, ni à l’indifférence ou au dédain des plus progressistes.

C’est donc dans un pari risqué que se sont lancés les Black Lips et Rodeo Massacre, comme d’autres l’ont fait et le feront après eux, en choisissant cette voie de la revisitation des classiques. Si l’entreprise peut souvent paraitre dénuée d’un grand intérêt, cette inquiétude est vite dissipée dans le cas de ces deux groupes de ce début de siècle dont la personnalité sonore, la qualité technique et de création ne peut que séduire.

Lucas M.

Funeral Party, The Golden Age of Knowhere (2011 )

2011-02-27T16:59:00.007+01:00

On les présente comme les « Strokes californiens » ou encore comme « la next big thing du moment ». Nul doute que de nombreux groupes avant eux ont eu droit à ces qualificatifs élogieux. Et c’est bien le problème : à force de crier au loup, on ne sait plus trop à quoi on a affaire. Derrière ces sobriquets flatteurs, qu’en est-il des Funeral Party : opération marketing ou vraie révélation musicale ?

Formé autour de Chad Elliott, le groupe californien signe d’abord chez Fearless Records, une filiale de Warner. Mais des dissensions éclatent quand le label essaie d’orienter leur musique vers du pop/punk, plus tendance et plus profitable. Bien mal leur en prit, puisque c’est finalement Sony qui rafle la mise en signant le groupe pour un premier album en 2011 : « The Golden Age of Knowhere ». Loin des clichés à la Blink 182, Funeral Party nous livre un album de rock hargneux et sans fioritures. Leur rage se ressent aussi bien dans les guitares frénétiques que dans la voix déchainée de Chad, qui n’hésite pas à cracher ses tripes pour faire détoner les morceaux, à la manière de At The Drive-In (ironie de la chose, ces derniers avaient justement signé chez Fearless Records).

Avec « New York City Moves To The Sound of L.A. » la formation attaque avec un déferlement de sonorités abruptes et on se prend d’entrée une grosse claque. Des basses entêtantes et une mélodie accrocheuse donnent de l’allure à « Cars Wars », tandis que le côté brut et viscéral de « Finale » en font sans doute le morceau le plus réussi de l’album. Si « Where Did It Go Wrong » est moins bon, ce n’est que pour mieux repartir avec l’agressif « Just Because » et le dansant « Postcards of Persuasion ». Parmi les titres les plus aboutis, notons aussi le féroce « Youth And Poverty ».

Funeral Party produit donc un rock débridé dans la lignée de celui des New-Yorkais de The Rapture. Mais leur potentiel a beau être flagrant et manifeste sur des chansons comme « Finale », l’album n’est tout de même pas exempt de certains défauts. Le principal est un sentiment de répétition, particulièrement perceptible sur « Giant Song » ou « City In Silhouettes ». A vrai dire, passée la 3ème piste, peu de morceaux ont la carrure du début de l’album (3 potentiels tubes). Il est aussi dommage que le titre final (et éponyme) manque de panache, pour assurer une sortie digne de ce nom aux Funeral Party.
On reste donc sur un sentiment d’inachevé : à peu de choses près, « The Golden Age of Knowhere » aurait pu être très bon. Pas d’inquiétude cependant, car devant l’énergie qui anime ce premier opus, on ne doute pas que les Funeral Party en ont encore sous le pied. A charge de revanche.

Franck A.

Beady Eye, Different Gear, Still Speeding (2011 )

2011-02-20T16:11:00.008+01:00

Pour ceux qui ne seraient pas encore familiers de ce nom, attelons-nous à un bref rappel des faits. Le 28 août 2009, quelques minutes avant de jouer pour le festival Rock en Seine, Noël Gallagher quitte Oasis suite à une violente altercation avec son frère Liam. Les prières et le désespoir des fans n’y font rien, la décision est irrévocable et les Mancuniens annoncent officiellement leur séparation.

Si Noël se fait discret dans la presse , Liam multiplie quant à lui les déclarations fracassantes. Provocateur, hargneux, mégalomane, il n’hésite pas à blâmer son frère, à lui reprocher de voler des chansons d’Oasis pour un hypothétique projet solo, et il fait le bonheur de la presse en expliquant qu’il va former un nouveau groupe qui sera « bien meilleur qu’Oasis ». Il s’agira de « Beady Eye », qui comprend tous les ex-Oasis excepté Noël. Il se lance alors dans un sprint pour devancer son frère, allant même jusqu’à offrir un extrait de 20 secondes de l’album pour le prendre de vitesse. Soit dit en passant, il s’avéra qu’il était le seul à courir, Noël ayant récemment démenti les rumeurs d’un album solo.

La course s’achève en février 2011, avec la sortie de « Different Gear, Still Speeding ». Une certaine appréhension règne : Liam sans son frère, c’est presque une hérésie. Car la complémentarité entre sa voix et les paroles de Noël était une des clés du succès d’Oasis. Lors d’une de ses innombrables déclarations à la presse, il le reconnaîtra lui-même : « Je ne suis pas fort avec les mots. J’écris simplement les premières choses qui me passent par la tête ».

Première impression sur l’album : satisfaisant, sans plus. L’influence des Fab Four est toujours aussi présente, par exemple sur des morceaux comme « Millionnaire » ou « Wind Up Dream ». De mauvaises langues diraient d’ailleurs que le nom du groupe n’a pas été choisi innocemment : Beady Eye se classe juste à côté des Beatles dans les bacs des disquaires …
Quoi qu’il en soit, avec ou sans Noël, ça ressemble beaucoup à Oasis : « Four Letter Word » tient par exemple beaucoup d’un titre comme « Supersonic ». C’est logique et les fans n’en attendaient sans doute pas plus, mais on aurait aimé voir Liam prendre quelques risques pour apporter une touche personnelle à cette première réalisation.
Réchauffée ou pas, la recette prend encore et les chansons sont plutôt réussies, comme l’endiablée « Bring The Light » aux influences rockabilly ou la très rythmée « Three Ring Circus ». Deux compositions se distinguent particulièrement : « The Roller » et « The Beat Goes On », qui sonnent toutes deux très Lennon, et donnent un certain brio à l’album. A l’inverse, on se serait passé de « Beatles and Stones » et de ses paroles insipides, ou de l’ennuyeux « Kill For a Dream ».
Le reste est tout ce qu’il y a de plus classique, ni décevant ni transcendant, et l’album se conclut avec « The Morning Son », morceau calme et nostalgique, et au demeurant assez bon.

Avec « Different Gear, Still Speeding », Beady Eye ne joue donc pas la carte de la nouveauté. Malgré tout, l’album reste relativement convaincant, et les fans s’y retrouveront sans doute. Pour les autres, vous pouvez vous contenter des titres précédemment cités, à savoir « The Roller », « The Beat Goes On », Bring The Light », avant de retourner écouter « (What's the Story) Morning Glory? ».

Pour l’autre frère Gallagher, la suite demeure incertaine : à ce jour, on ne sait toujours pas s’il poursuivra une carrière solo. Ni si on le lui souhaite d’ailleurs. Car si on doutait du succès de Beady Eye, on peut à plus forte raison s’interroger sur la capacité de Noël à briller seul. Dans l’histoire, c’est sans doute Liam qui a emporté l’élément le plus précieux : sa voix, que Noël aura bien du mal à imiter.

Franck A.

Tromboniste (fém. singulier)

2011-02-07T21:39:00.007+01:00

Elle est jeune, elle est belle, elle est séduisante, elle est musicienne. Non, ce n’est pas une de ces jeunes pousses qui, poussée par les travers de l’industrie musicale (car il s’agit d’une véritable industrie avec tout ce que ce mot comporte de graisseux et de sale), se serait transformée en pouf péroxydée.

Peut-être parce que son talent pour la musique, elle le met au service d’un instrument qui n’a rien de très féminin, le trombone. Ou peut-être grâce à Ray Charles qui l’a soutenue et encouragé de sa connaissance et de sa passion de véritable Jazzman, bien loin de l’image du producteur/manager qui couve et étouffe ses jeunes ouailles inconscientes dans un carcan qu’il impose.

Sarah Morrow, c’est une blanche, c’est une tromboniste de jazz, et la première femme instrumentaliste de l’orchestre de Ray Charles.

Femme aux multiples visages, elle reste très moderne en jouant avec le hip hop sur ses bases de jazz type «negro music» comme l’appelait Duke Ellington, ou de jazz jamaïcain et surtout de funk. De très beaux solos, des montées en crescendo, une délicatesse dans son art du trombone (est-ce dû à cette fameuse sensibilité féminine?) et dans ses compositions incluant de très belles parties d’alto et de basse qui savent très bien la mettre en valeur. Car elle e se contente pas des reprises de ray Charles ou d’intégrer des orchestres ou groupes de renommée ( tournée en Europeavec Foley, ancien lead bass de Miles Davis; le Duke Ellington Orchestra en 1998, puis les Squirrel Nut Zippers); elle assure aussi les premières partie de Chick Corea et de Bireli Lagréne avec ses propores compos où

elle fait la aprt belle à son instrument, parfois relevé d’un ou deux autres instruments, selon son gré.

Son premier disque, «Green Light» (2000) est u tel succès en Europe qu’elle enchaîne avec le second dès 2002. «Standards and other Stories» est lui aussi très bien accueilli par Jazz Man et Jazz Hot, des mensuels de références pour les amateurs de jazz.

En 2007, elle confirme sa modernité avec le groupe Elektrik Air, qu’elle forme avec Sam Barsh/Rober Glasper au piano, Fender Rhodes à la basse, Nate Robinson/Chris Dave à la batterie et Jahi Sundance aux platines. Renouement avec des tendances HIp hop aux couleurs jazzies et retour à ses premières amours en version électrique.

[Interview réalisée avant le premier concert de Sarah Morrow, sur la scène Matisse, au Nice Jazz Festival 2000]

Pourquoi avez-vous chosi le trombone, comme instrument?

Sarah Morrow: "Vous savez, je ne sais vraiment pas pourquoi j'ai chosi le trombone..

En fait, j'ai commencé par jouer de la clarinette, mais pour je ne sais quelles raisons, j'ai toujours voulu jouer du trombone..

comme mes parents ne voulaient pas que j'arrête la clarinette, j'ai du mentir et leur dire que le dentiste me conseillait de changer d'instrument car la clarinette m'abimait les dents..

Je ne sais pas si ils m'ont cru ou si ils ont réalisé que je voulais vraiment jouer du trombone, mais ils m'ont laissé me mettre au trombone."

Quelle a été votre première rencontre avec le jazz?

Sarah Morrow: "La première fois que j'ai écouté du jazz, je devais avoir 17 ans, et j'étais au lycée. Il y a un big band à Columbus, la ville

d'où je viens, dans l'Ohio, et j'ai commencé à aller écouter leurs concerts..

et c'était la première fois que j'entendais un big band de jazz

J'ai adoré, et j'ai su tout de suite que c'était la musique que je voulais faire

Mais ce n'est que quelques années plus tard, que j'ai commencé à en jouer..

quand j'ai entendu jouer du jazz en petite formation, et que j'ai vraiment eu le déclic"

Quels sont les trombonistes qui vous influencent le plus?

Sarah Morrow: "Et bien, je serais obligée de dire JJ Johnson, Curtis Fuller, Slide Hampton et Steve Turre. Ce sont mes trombonistes préférés."

Vous avez été "découverte" par Ray Charles, comment s'est passé votre rencontre?

Sarah Morrow: "Et bien, il était l'artiste invité d'un orchestre local, le "Dayton Symphony Orchestra", et ils m'ont appelé pour jouer du trombone jazz avec lui, pour les deux concerts qu'il devait faire..

et il s'est trouvé qu'il avait besoin d'un tromboniste et qu'il a aimé ce qu'il a entendu

Voilà comment nous nous sommes rencontrés

Deux semaines plus tard, j'étais en tournée avec son groupe!"

A votre avis, est-il plus difficile pour une femme, que pour un homme, d'être musicien de jazz?

Sarah Morrow: "Probablement, de la même manière que pour toutes les professions qui sont à l'origine principalement masculines

Je pense que c'est un challenge, et qu'il ne faut pas laisser ce genre de chose vous empêcher d'essayer ou vous décourager

Il faut faire les choses les unes après les autres, et continuer à avancer, et, je crois que les opportunités se présenteront, éventuellement."

Et pour quelles raisons, selon vous, les femmes musiciennes sont elles si rares dans le jazz, bien que cela soit en train de changer?

Sarah Morrow: "Oui, c'est en train de changer, il y a de plus en plus de femmes..

Je crois que cela est dû à notre société, à notre éducation..

Moi-même, j'ai commencé à jouer du jazz assez tard, simplement parce que je ne pensais pas que je pouvais, parce que j'étais une femme..

je me rappelle penser: ma mère ne serait jamais musicienne de jazz..

Je pense que nous sommes élevés avec certaines idées sur ce qu'est notre rôle dans la société, mais c'est à l'évidence en train de changer, partout et dans toutes les professions, ce qui est une bonne chose."

Diane H.

Micah P. Hinson : Gospel, Orchestre et Saboteurs

2011-02-03T03:06:00.005+01:00

L’habit ne fait pas le moine, c’est bien connu. Et Micah P. Hinson ne déroge pas à la règle : en écoutant sa musique, on s’attendrait presque à voir débouler sur scène un ex-tolard aviné, au corps massif et au visage abimé par cinquante ans de vie pénible. Au lieu de cela, c’est un maigrichon à lunettes d’à peine 30 ans, chemise à carreau, jean et baskets, qui vient, armé de sa guitare, présenter une musique chargée d’une émotion poignante, et d’une profondeur digne de Johnny Cash.

Un rapide retour sur son passé permet de comprendre d’où vient la surprenante puissance que dégage ce type : la vie pénible, Micah l’a bel et bien vécu. Porte monnaie vide, passage par la case SDF, toxicomanie notoire, prison, tout est là pour donner naissance à un esprit torturé à souhait et apte à composer autre chose que la daube superficielle à la mode en ce 21^ème siècle. Parce qu’on l’oublie aisément, tant sa musique rappelle de grands noms défunts du blues et de la folk, mais Micah P. Hinson est bien un artiste des années 2000.

Tout commence ainsi en 2004 avec la sortie de son premier album, « Micah P. Hinson And The Gospel Of Progress », véritable promesse d’un talent prêt à s’exprimer. Dès les premières notes (« Yourself Asleep Again »), on sent le génie qui sommeille. Pas d’artifice particulier, juste un constat : incroyable l’émotion qui peut émaner de ce gringalet ! S’il s’agit la plupart du temps de morceaux sombres et relativement calmes, il montre qu’il sait aussi « s’énerver », comme dans « On My Way », où une fois n’est pas coutume, il est accompagné d’une batterie très énergique. La guitare est simplissime, un piano et quelques cordes viennent donner un peu densité à l’ensemble. C’est à la voix que revient le mérite d’élever ce premier album au rang de prouesse. Hinson n’a pas une voix particulièrement magnifique, mais la quantité d’émotions qu’il véhicule dès qu’il ouvre la bouche est juste bluffante. Le dernier morceau de l’album en est d’ailleurs l’exemple parfait (« The Day Texas Sank To The Bottom Of The Sea »). Finir un premier album là-dessus, c’est s’assurer le succès du deuxième, tellement on est avide de replonger dans un univers comme celui de Micah ! C’est d’ailleurs en partie grâce à ce morceau qu’il s’est immédiatement attiré les faveurs de critiques comme les Inrocks, entre autres.

Le deuxième album (traditionnellement considéré comme celui de la confirmation), arrive donc en 2006, et s’intitule « Micah P. Hinson And The Opera Circuit ». Le doute se dissipe : les ingrédients sont les mêmes, toujours aussi efficaces, et une fois de plus on se trouve transporté dès les premières notes (« Seems Almost Impossible »). Micah se fend même d’un titre plus festif qu’à l’accoutumée, tout à fait réussi (« Diggin A Grave », notez que le titre, lui, reste dans le thème habituel).

Sortiront ensuite « Micah P. Hinson And The Red Empire Orchestra » en 2008, et « All Dressed Up And Smelling Of Strangers » en 2009 : le premier est dans la continuité de ce que Hinson fait de mieux (je vous recommande « When We Embraced », « You Will Find Me », ou encore « Dyin’ Alone »), tandis que le 2ème est un recueil de reprises, qui permet de découvrir ses diverses influences. On peut y trouver, en toute logique, du Bob Dylan (« The Times They Are A Changin’ »), le « My Way » de Franck Sinatra (qui, rappelons le, n’est qu’une adaptation de « Comme D’habitude » de Claude François), le fameux « While My Guitar Gently Weeps » de Georges Harrison, ou encore du Leonard Cohen (« Suzanne ») et du Elvis Presley (« Are You Lonesome Tonight ? »).

Tout est donc là pour planter le décor de l’univers de Micah P. Hinson, et c’est donc après nous avoir permis de faire sa connaissance au fil des albums qu’il nous pond en 2010 « Micah P. Hinson And The Pioneer Saboteurs », un opus tout frais mais sans surprise. En effet, si la forme varie aléatoirement au gré de l’avancement de sa jeune carrière, le fond reste inlassablement le même. Mais c’est justement ce qui constitue l’identité même de sa musique : la gravité et la noirceur de ses compositions lui correspondent parfaitement, et on ne peut que saluer sa volonté à garder celles-ci intactes. Remarquez que dans sa démarche de recherche d’authenticité, Hinson change de musiciens à chaque nouvel album (comme en témoignent les titres de ceux-ci), s’assurant ainsi un contrôle total de sa musique. On obtient donc des titres toujours aussi poignants, du mélancolique et instrumental « A Call To Arms » à l’angoissant « The Returning » en passant par le chamanique « The Striking Before The Storm ».

En bref, un artiste envoutant qui constitue un véritable anachronisme, tant on a perdu l’habitude des artistes authentiques capables d’électriser une salle en ouvrant simplement la bouche. A ne pas rater dès qu’il sera de passage en France !

Vincent M.

Miles Davis Sketches of Spain

2011-02-02T18:04:00.006+01:00

Il est probable que si on veuille s’initier au jazz , on devrait pas commencer par écouter ça ou ça ou ça , faute de quoi on risque assez rapidement de s’en dégoûter tout à fait. Je suis moi-même un complet novice en la matière. Je connais peau de zob aux structures, et c’est sans doute mieux. Le jazz, je viens récemment de m’y mettre et je sais pas comment faire pour en parler correctement ; Je suis tout nu pour ainsi dire (comme généralement en fin de soirée). Mais là je suis tombé sur un truc, qui me parle , et qui devrait parler à n’importe quel personne muni d'oreilles (j’inclue même les fans de Jason Mraz et de James Blunt ; c’est dire si j’ai foi en l’être humain) et qui me permet d'inaugurer ainsi de belle manière notre première incursion dans le sujet : « Sketches of Spain » de Miles Davis. Déjà le titre : « Esquisses d’Espagne ». C’est plus poétique que « j’irai chier dans ton vomi » pour sûr.

Outre qu’il est considéré comme un des albums les plus accessibles du maitre, qu’en dire si ce n’est que c’est vraiment très très beau ? Le disque s’amorce directement avec le plat de résistance, une relecture hyper-dramatique du Concerto d’Aranjuez, toute de violence retenue et douloureuse jusqu’au malaise. Je suis en train de l’écouter à l’instant, putain merdre c’est quelque chose. S’ensuit l’indolent « will of the wisp » ; Si lent, si lourd, si triste comme dirait l’autre. Pour « the pan piper », la vérité mon frère on dirait quelque fantasmagorique procession macabre, la vérité ! Le reste n’est pas tout à fait à l’avenant mais demeure excellent.
On pense à Ravel (surtout sur « will of the wisp » et son motif tourbillonnant), inévitablement : faut dire que les thèmes classiques hispanisants un peu connu sont pas vraiment légions , le Boléro, et l’Asturias d’Albeniz, (pour les fans des Doors, c’est de là que Krieger a tiré l’intro de « Spanish Caravan ») et je crois bien que c’est tout. Donc oui vous penserez à Ravel, Morricone…ces climats là. Climats dont le pouvoir évocateur doit énormément aux arrangements de Gil Evans.

Mais on entend aussi et surtout ce qui fait l’originalité de Miles Davis, cette noirceur suffisamment malléable pour qu’à son contact se multiplient les possibilités d’écoute. Cette ambiguité insinuante de sa musique, certains y voient l’expression d’un « chagrin distillé » (Nick Kent), moi j’entends surtout sourdre une menace diffuse, ou un lourd regret , ou un mal métaphysique, en tout cas, quelque chose chose d’impossiblement accablant. Il ya toujours un moment où la musique dérive vers quelque chose d’autre, il y a toujours un truc qui fait dérailler le bordel (ainsi à 4: 45 pendant le concerto, la trompette, feutrée jusque là, vient trouer le calme relatif qui précédait et se met à agoniser).On l'aura compris, on n’écoute pas « Sketches of Pain » en s’enfilant son Ricoré matinal.

Maintenant si vous voulez bien m’excuser, je vais me reclure pendant 72 heures pour me passer cet album en boucle.

Vianney G.

Cold War Kowards

2011-01-31T09:58:00.011+01:00

COLD WAR KIDS : Mine Is Yours

Cold War Kids fait partie à mon sens des groupes actuels ayant l'une des plus fortes personnalités sonores. Quasiment irréprochables sur deux premiers albums aggressifs, purs, inspirés et originaux, oscillant au niveau des influences entre un blues revisité à la Jack White et le rock puissant des Kings of Leon à leurs glorieux débuts, si loin à présent. Après Robbers&Cowards (2006) et Loyalty to Loyalty, je dois dire que le troisième album des Californiens faisait donc selon moi tout naturellement partie des sorties rock attendues en 2011. C'est donc avec en enthousiasme non mesuré que je me suis lancé dans l'écoute de ce troisième album intitulé Mine is Yours. Et c'est là que le cauchemar commence... Dès les premières notes de la première chanson donnant son titre à l'album, ca pue le tube pour stade introduit avec des langoureux woooOOOoohhwOOOooohhh. Voilà qui n'annonce rien de bon... certes, souvent cela supportable, mais la voix de Nathan Willet a perdu sa force, sa rage, ses tripes, ses cou..... au profit d'une voix pop gentillette qui multiplie les envolées lyriques dans les aigus, dépourvue d'agressivité (comparez par exemple Bulldozer sur cet album à We Used To Vacation ou Hang Me Up To Dry sur leur premier album) et maquillée de textes niais (« I can feel your arms around me, hold me closer, hold me tightly », merci les mecs...). Il n'y a plus grand chose de nouveau, de recherché, on nous sert comme amuse bouche de cet album d'un groupe habituellement modèle d'inspiration un morceau facile, prévisible. On a presque envie d'introduire la chanson avec un « écoooute, c'est sur NRJ », comme on le ferait pour le dernier Maroon 5, comme on l'a fait pour Use Somebody des Kings of Leon, autrefois si brillants eux aussi...

Je ne crois pas si bien dire en utilisant cette comparaison puisqu'en lisant les premières critiques de cet album, j'apprends que les CWK ont engagé pour cet album le producteur de ces mêmes Kings of Leon, avec la même volonté que ces derniers depuis maintenant quelques années de devenir plus « grand public ». Une telle clarté dans les termes se passe de commentaires et me dissuaderait presque d'écouter le reste de l'album. Même intention, même résultat (j'aimerais pouvoir dire même punition). Chaque morceau est une nouvelle déception quand on se rappelle des morceaux bruts, authentiques et puissants comme l'énorme We Used To Vacation, le rageur Hang Me Up To Dry, le percutant Something Is Not Right With Me, Hair Down, Passing The Hat, et j'en passe. Tant de talent, de personnalité, d'âme sacrifiés sur l'autel de la notoriété et du « grand public ». À trop vouloir plaire, les Cold War Kids se sont sur cet album rendus coupable d'avoir atténué leur caractère, d'avoir lissé leur traits, donnant même l'impression d'avoir refusé de chercher, d'avoir activé le pilotage automatique. Ils ont avec cet album voulu pouvoir remplir des stades, personnellement j'aurais préféré qu'ils gardent et enrichissent leur style si particulier, quitte à en rester aux bonnes vieilles salles bien glauques mais remplies d'un public averti et connaisseur, plutôt que de donner dans la bonne vieille formule guitares+voix bourrées d'échos/refrains pop pisseux entêtants, sympathiques certes mais sans intérêt réel, sans génie... Là encore l'analogie avec le dernier KoL est frappante.

Essayons tout de même de dénicher dans cette boue informe un ou deux morceaux de bravoure qui sauveraient le tout. Il faut admettre que la sombre daube d'introduction ne met pas dans de bonnes disposition pour écouter objectivement le reste... Mon indulgence se dirigera particulièrement vers le morceau (j'ai mis un certain temps à remplir le blanc qu'était cette partie de l'article) Cold Toes On The Cold Floor qui présente les reliques, les restes encore fumants du talent de ces Californiens. On pourrait également citer Sensitive Kid dans le moins mauvais... en fait on se rend compte que bien souvent l'intro est accrocheuse et plutôt réussie (Sauf sur Mine Is Yours où pour le coup la couleur est vraiment annoncée dès le début), et ce n'est qu'ensuite qu'on a presque le droit à du ColdPlay bien propre...

Que penser alors des Californiens de Cold War Kids après cet album? Si on en reste là, il s'agit d'un groupe sans grand intérêt musical autre que celui de vous mettre des refrains tout faits dans la tête, remplir les stades et faire allumer les briquets (en témoignent l'insupportable Skip The Charades)... personnellement, je préfère fuir la douleur, me dire qu'après tout malgré son lot d'étrons tout n'est pas si mauvais dans ce disque et me rappeler surtout, par souci d'hygiène intellectuelle, de ce qu'ils on pu produire de grand auparavant. Je ne peux que vous inviter à en faire de même...

Lucas M.

Les Pixies, lutins rockeurs de Boston

2011-01-23T18:29:00.032+01:00

Rendus célèbres par la chanson « Where Is My Mind? » dans la BO de Fight Club (la fameuse scène finale où tout explose alors que Edward Norton et Helena Bonham Carter sont côte à côte), c’est malheureusement souvent tout ce que le néophyte connait de ce groupe génial. Rendons donc à César ce qui lui appartient et replaçons les choses dans leur contexte.

Les Pixies peuvent se targuer de faire office de figure de proue du rock alternatif. Leur formation en 1986, dans des années souvent considérées comme stériles, avec un rock qui se cherche après la fin du punk, semble relever d’une erreur temporelle. Certes, la décennie contient son lot d’artistes qui en valent le détour (INXS, Sonic Youth, REM, Violent Femmes, Gang of Four, Mudhoney, The Fall, Orange Juice…). Mais combien peuvent prétendre à une influence comparable à celle des Pixies ?

Cette fascination n’a peut-être d’égale que l’invraisemblance de leur rencontre, enchevêtrement improbable des fils du destin. Charles Thompson IV, alias Black Francis (chanteur principal) rencontre d’abord Joey Santiago (futur guitariste) avec qui il partage une chambre à l’université. Une amitié se développe entre ces deux passionnés de musique, qui décident un peu plus tard de former un groupe de rock. Ils passent alors une annonce dans un journal pour trouver une bassiste, et Kim Deal se présente à leur porte. La demoiselle en question ne sait pas jouer de la basse : tant pis, on ne s’arrêtera pas à ce petit détail. Peut-être parce que sa fougue est visible, et son caractère bien trempé. Ou alors parce qu’elle est la seule à avoir donné suite à leur annonce (il faut dire aussi qu’ « une bassiste qui aimait à la fois le trio de folk Peter, Paul and Mary et le groupe Hüsker Dü », ça ne court pas forcément les rues). Ne manque alors plus qu’un batteur et un nom. Pour le premier, coup de chance, Kim se souvient avoir croisé quelqu’un à un mariage : ce sera David Lovering. Pour le second, la consultation d’un dictionnaire fera l’affaire.

Après quelques répétitions dans le garage de David, la nouvelle formation sort un bon premier EP, Come On Pilgrim, en 1987. « Caribou » érige Francis Black comme maître dans sa discipline, capable aussi bien d’une voix apaisée de fausset que d’un timbre rageur et mordant. « Nimrod’s Son » illustre son obsession jamais démentie pour les thèmes bibliques, tandis que « The Holiday Song » aborde l’onanisme.

En 1988, une bombe rock détonne dans un paysage désolé. C’est Surfer Rosa, le premier album des Pixies, qui leur conférera une reconnaissance éternelle. Non content de bénéficier du rare talent de son chanteur, il doit aussi une grande partie de son succès à sa synergie avec Kim, pas tant pour son jeu de basse (par ailleurs en nette amélioration), que pour sa voix utilisée en complément de Black, établissant une atmosphère électrisante, comme sur « River Euphrates ». C’est aussi elle qui écrit et chante « Gigantic », morceau plébiscité par les foules, une sorte d’alter-ego à « Where Is My Mind? », écrite et chantée par Black. Evoquons encore « Something Against You », pleine d’une rage autant instrumentale que vocale dans un style assez hardcore, « Oh My Golly! », qui illustre la fougue indomptable du batteur, ou encore le joyeux « Vamos » chanté en espagnol.
Ce qui ressort surtout de Surfer Rosa, c’est l’alternance entre des couplets calmes et des refrains débridés, style peu ou pas exploité à l’époque dont on leur reconnait la paternité, et qui va devenir la marque de fabrique du groupe.

Mais la bande de lutins ne s’arrête pas là, et sort l’année suivante Doolittle, qui, aux côtés de Surfer Rosa, se dispute généralement la première place dans le cœur des fans des Pixies. Alors qu’avec le premier, on était dans un style assez sale et brut, le second est beaucoup plus propre, conséquence d’un changement de producteur, et d’une hausse de budget. Bien qu’adepte du lo-fi, ma préférence va quand même à Doolittle, qui regorge de merveilles insoupçonnées.
« Debaser » introduit l’album en opposant la hargne de Black à la douceur des contre-chants de Kim. « Wave of Mutilation » est pleine d’un charme insaisissable, et véhicule une émotion presque palpable. Ce thème de la souffrance, souvent exploitée par Black, se retrouve aussi dans « I Bleed ». Pépite pop très dansante au refrain prenant, « Here Comes Your Man » en est aux antipodes. « Dead » joue sur de brusques changement de rythme, et « Monkey Gone To Heaven », autre morceau très connu des Pixies, parle de la destruction du monde par l’homme. Encore plus que dans Surfer Rosa, tout est bien fait et bien construit dans cet album, et des morceaux comme « There Goes My Gun » l’attestent. Il se conclut avec « Silver », émouvant duo entre Black et Kim, et « Gouge Away », bel exemple du génie rebelle du groupe.

Tout semble aller pour le mieux, mais des tensions apparaissent entre Francis et Kim. Le premier est assez méthodique et sérieux, tandis que la seconde est en proie à des problèmes de drogue et d’alcool. Pour certains concerts, elle arrive en retard, pour d’autres, elle ne tient plus debout. Les Pixies annoncent logiquement une pause, au cours de laquelle chacun va vaquer à ses occupations. Kim renouera alors avec son groupe d’enfance, les Breeders (qui comprend notamment une membre des Throwing Muses), pour sortir un premier album, Pod.

Après ce break, le groupe se retrouve pour un nouvel opus en 1990, Bossanova. Conséquence des frasques de Kim, il mettra cette fois-ci bien plus en avant la personne de Black, auteur et chanteur principal de toutes les chansons. Si sa présence en contrepoint de celle de Kim se fait parfois regretter, cela ne suffit pas à nuire à la qualité de l’ensemble, qui, malgré toutes ces tensions, reste d’excellente facture.
Evolution principale : les chansons bestiales qui caractérisaient Surfer Rosa et Doolittle sont ici quasi absentes, sauf pour « Rock Music » et ses paroles incompréhensibles (« Your Mouth's A Mile Away »). Mais le groupe en profite pour concocter des mélodies et des riffs géniaux, comme sur « Ana » et sa ligne de guitare ensorcelante. La basse fait un travail formidable sur « Is She Weird », et la batterie donne tout son panache à « Down to the Well ». « The Happening » est soufflante : la tension aérienne semble ne jamais vouloir s’arrêter, mais elle est soudain rompue lorsque Black change de ton (mais comment fait-il ?) pour prononcer « … beneath the sky ». Evoquons encore « Hang Wire », alternance réussie entre rage et accalmie dans le chant de Black et « Havalina », qui conclut Bossanova de façon très mélodieuse.

Avec la tournée qui s’ensuit, les tensions entre Kim et Black subsistent. On parle même d’une séparation prochaine du groupe. C’était sans compter la production, qui, pour le meilleur ou pour le pire, parvint à les convaincre de travailler une dernière fois ensemble. On aurait pu craindre qu’il s’agisse là du fameux album de trop, qui confirme la mort de l’inspiration d’un groupe. Et pourtant, sous leur chapeaux pointus, nos lutins dissimulaient encore quelques surprises. Des rumeurs soutenaient que le style musical des Pixies avait évolué vers du heavy metal. Si elles furent vite infirmées à la sortie de Trompe Le Monde en 1991, certains titres n’en demeurent pas moins marqués par un son violent. La rage présente dans Surfer Rosa refait surface, comme dans « Planet of Sound ». Le titre éponyme de l’album explore un peu toutes les directions, et mise sur des effets d’éloignement des guitares et de réverb pour opérer une séduction efficace. « Alec Eiffel » est un hommage réussi à la fameuse tour parisienne, qui a toujours fasciné Black, tandis que « Head On » est une reprise dynamique de The Jesus and Mary Chain. « Letter to Memphis » est une des rares chansons d’amour (avec « La La Love You ») composées par les Pixies. Le festival continue avec « Bird Dream of the Olympus Mons », qui se distingue par des sonorités inquiétantes presque imperceptibles en arrière plan. « Motorway to Roswell » constitue une belle chanson pop et « The Navajo Know » se nappe d’une atmosphère riche et décomplexée, qui sonne tristement la fin de l’album…

L’influence des Pixies trouvera un écho chez de nombreux musiciens, au premier rang desquels on trouve Kurt Cobain, grand admirateur de Surfer Rosa et qui reconnait volontiers que son « Smells Like Teen Spirit » n’aurait jamais vu le jour sans eux. A ce propos David Bowie dira d’ailleurs : « J’ai été très déçu le jour où j’ai appris que les Pixies se séparaient. Quel gâchis… Je les imaginais déjà conquerir le monde. Quand j’ai entendu Nevermind de Nirvana pour la première fois, j’ai été très en colère. Les dynamiques des morceaux, c’était une razzia totale des Pixies. J’aurais tellement aimé voir les Pixies et Sonic Youth au sommet. » S’il faut encore donner un nom, citons par exemple Damon Albarn, qui reconnaît qu’il voulait sonner comme les Pixies aux débuts de Blur.

Avec la séparation des Pixies, c’est donc la fin d’une légende. Enfin, presque. D’une part, parce que les membres vont se reformer pour des concerts de temps en temps. D’autre part parce qu’ils continuent à exprimer leur talent dans des projets solos.
Black Francis entame une carrière réussie sous le pseudonyme de Frank Black, écoutez par exemple « You Ain’t Me » ou « Headache ». Kim Deal continuera quant à elle l’aventure qu’elle avait entamée avec les Breeders, et sortira notamment en 1993 l’album à succès Last Splash, qui contient les morceaux « Cannonball » et « Divine Hammer ». A ce jour, elle y officie encore.

La perspective d’un nouvel album des Pixies n’est aujourd’hui pas à l’ordre du jour. Pourtant, Kim et Charles n’ont jamais perdu l’envie de faire de la musique. Les Pixies ont fait beaucoup de belles choses, et elles ne l’ont jamais été autant que quand ces deux-là parvenaient à s’entendre. On aurait aimé voir cette synergie œuvrer à nouveau, pour une dernière merveille...

Franck A.

Sharon Jones, "soul sister number one"

2011-01-20T12:38:00.009+01:00

Elle, je sais pas pourquoi j’en ai pas parlé avant, et encore moins pourquoi je l’ait étourdiment oublié au moment d’établir mon best of des années 2000. Je suis vraiment une méchante fille. C’était d’autant plus regrettable que je l’avais vu en live au Nancy Jazz Pulsations il y a trois ou quatre ans et que je m’étais pris une claque monumentale. Réparons l’outrage.

Le titre de son dernier album, « i learned the hard way », sonne comme un aveu ; Sharon Jones en a chié. Durant toutes ces années de purgatoire à attendre son heure, à s’entendre dire par des directeurs de label qu’elle était « trop petite, trop grosse, trop noire et trop vieille », elle s’est essayé aux plus improbables boulots alimentaires: gardienne de prison à Rikers Island, convoyeuse de fonds pour la Wells Fargo (" Je portais un 38. J'étais une bonne tireuse"). En 1996, Gabriel Roth, jeune producteur de soul new-yorkais, aujourd’hui patron du label Daptone Records (Retenez bien ce nom: ça va devenir une formule magique dans les années à venir), cherche trois choristes pour une séance d’enregistrement avec Lee Fields (vétéran soul lui aussi chez Daptone Records). Sharon Jones décide alors de nous faire une Keith Moon. Elle lui annonce, bravache, qu'il peut en virer deux: "Je peux faire les trois voix moi-même. Tu feras des économies et je gagnerai plus ! ». Roth est sous le charme et décide de monter un projet autour d’elle, Sharon Jones and the Dap Kings, où il tiendra la basse. Tout ceci confirme une chose évidente; si on veut chanter la souffrance, il faut avoir souffert .

Sharon Jones et les Dap Kings se font la main sur un premier album brut (« dap dippin with the Dap Kings ») mais qui ne s’éloigne qu’insuffisamment des canons de l’orthodoxie funk pour pouvoir être vraiment totalement aimable. Les choses s’améliorent nettement avec le deuxième album, traversés par un funk encore très brownien par moments (« your thing is a drag », « my man is a mean man »,), mais aussi de merveilles plus surprenantes, notamment une version pas croyable du «this land is your land» de Woody Guthrie (attestant une fois de plus des passerelles entre musique noire, folk et country), un duo hilarant avec Lee Fields, son désormais collègue de Daptone records («stranded in your love») et en règle générale, du groove en veux-tu-en voilà ( « how long do I have to wait for you », «all over again », «how do I let a good man down »). Mais c’est véritablement avec «100 days, 100 nights» qu’ils explosent. Il faut dire qu’avec des bombes (toutes composées ou quasi par Roth) comme «keep on looking », « tell me », « answer me », « 100 days, 100 nights», qu’ils aient persisté dans la confidentialité êut été un putain de joli scandale. Ils en écouleront 150 000 exemplaires, ce qui est un score excellent pour un label indé (pour donner un ordre d’idées, le premier Mgmt s’est vendu à 2 millions d’exemplaires, ce qui était risible il y a encore 10 ans).

Avec « i learned the hard way » Ils poursuivent leur petit bonhomme de chemin, avec une maitrise totale, qu’ils piochent dans le son girls group (« give it back »), dans la soul ultra orchestrée (voire même un peu pompière sur «the game gets old ») ou qu’ils donnent dans un des motifs favoris du genre, la cheatin soul, (« i learned the hard way »), à chaque fois, c’est idéal. Jamais rien de superfétatoire. C’est concis, tendu, sophistiqué, et ça botte le cul ( «she ain’t a child no more »). Quand à Jones, elle est souveraine. On parle volontiers d’elle comme d’une « female james brown ». Certains l’appellent aussi « soul sister number one ». Il faut dire qu’étant né comme le gros James à Augusta en Géorgie, la comparaison s’impose d’elle même. Mais à l’heure où certains essaient de nous faire passer Colin Bailey Rae pour une nouvelle Minnie Ripperton, ces compliments pourraient paraitre exagérément flatteuses. Et bien en fait absolument pas.

Une james brown au féminin donc. Ce n’est pas faux. On retrouve chez elle ces manières autoritaires de demander un break, ces « wait a minute » impatients , cette incandescence spectaculaire sur scène commune au Godfather of Soul. Elle possède aussi sa férocité. On retrouve également chez elle la gouaille drolatique d’une Millie Jackson (« money »). Les dap kings, je n’ai pas grand chose à en dire, sinon qu’il s’agit probablement du meilleur orchestre soul-funk depuis les grandes heures des JB’s et des Meters. Ils ont le son. C’est à eux que la Winehouse doit son « back to black » (interrogé en 2007 sur cette dernière, Jones sortait les crocs: « they jumped on our wagon !». Rappelons qu’ Amy Winehouse, entre deux cures de désintox voués à l’échec a quand même écrit 2,3 immenses chansons. Si c’était une simple faussaire, ça se saurait)

Soyons clairs : Il n’y a aucune servilité chez eux, juste un goût amoureux pour la musique noire de la grande époque. Et qu’on ne vienne pas me parler de « vintage », rien que le mot m’évoque ces meubles anciens Ikea qu’achète Dieu sait qui. Confondre l’authenticité avec le pittoresque facile, c’est ne voir dans le genre que son exotisme, c'est-à-dire être un touriste . Il ne s’agit pas de savoir si c’est « old school », la question n’est pas là. Roth le dit très bien : “We don’t have a retro approach. We are not referencing old music. We don’t fetish-ize vintage equipment or afro-wigs or bell-bottoms. Our music sounds authentic because it is authentic. It's real people making real music. From the depths of our souls. From our heart of hearts. When it’s real, you don’t have to worry about any of that "retro revival genre" kind of shit.” Autant pour le vintage. D’ailleurs même lorqu’on loue « l’authenticité » d’un soulman, ça me parait suspect : C’est quoi un soulman « authentique » ? Un noir d’Atlanta ou de La Nouvelle-Orléans? C’est pas l’extraction qui compte, c’est le degré de foi, de hargne avec lequel on embrasse le truc. Sharon jones ne bouscule pas la tradition ; Elle la bat à son propre jeu. Elle l’écrase avec son gros cul noir.

La chose la plus vraie sur Sharon Jones a été dite par le magazine Refresh "Dans la lignée des grandes diva soul, l'immense Sharon Jones est de celle qui laisse à penser que des légendes se créent encore". C’est exactement ça ; Elle n’est pas l’émule de qui que ce soit. Elle se pose elle-même comme une nouvelle référence , du niveau des Mavis Staples, des Aretha Frankin, des Etta James, de toutes ces brillantes devancières. Et c’est aujourd’hui que ça se passe ; on ne se rend pas compte du miracle qu’est cette fille, on ne se rend pas compte qu’on est tous des sacrés veinards.

Sharon Jones : Une des meilleures raisons de vivre en 2010 qui se puisse trouver. Avec les films de James Gray, Philip Roth, Richard Hawley, Jiro Taniguchi, Léa Seydoux et Mahmoud Ahmadinejad.

Vianney G.

the Smiths

2011-01-12T21:17:00.010+01:00

Bien que souvent méconnu ou connu uniquement « de nom » (autant dire pas du tout), The Smiths constitue un groupe extrêmement intéressant car il se situe, musicalement et du point de vue strictement chronologique à la charnière entre deux périodes, deux branches fondamentales du rock, à savoir le punk des années 70 (celui des Clash entre autres) et la britpop des années 90 (Oasis, Supergrass...).

Fondé en 1982 par la paire Steven Patrick Morrissey / Johnny Marr et séparé en 1987, The Smiths sera tout de même parvenu a sortir quatre albums complets ayant tous rencontré un succès incontestable (le premier album simplement intitulé The Smiths se classera à la deuxième position des charts en Angleterre avec 300000 exemplaires vendus) et à devenir en l'espace de cinq petites années un groupe référence pour de nombreux artistes britanniques qui allaient éclore dans les deux décennies suivantes.

Les Smiths ont toujours tenu à conserver une forme d'authenticité et à se détacher radicalement des courants et styles musicaux d'un goût douteux qui voyaient le jour et devenaient vite populaire dans les années 80 (dance, disco), en tenant les synthétiseurs à l'écart de leur musique et en choisissant un nom simple, alors même que la plupart des groupes de la même époque adoptaient des appellations aussi ridicules qu'interminables, pompeuses et lourdingues (Orchestral Manoeuvres In The Dark, Electric Light Orchestra...). C'est d'ailleurs paradoxalement pour cette raison (cette volonté de rester fidèles à leurs racines) que le groupe se séparera en 1987, le duo Morrissey&Marr se sentant comme enfermé dans le style musical des Smiths, trop imperméable aux influences extérieures. Il n'est pas faux qu'après quatre albums réussis dans un son relativement identique, on a un peu fait le tour de la question, et un cinquième aurait pu décevoir paraître superflu, voire répétitif. C'est donc assez habilement que les Smiths se sont séparés avant le déclin et la bouse funeste.

Le chant de Morrissey, par ailleurs remarquable car autodidacte, se caractérise par une voix élégante (certainement plus que la coiffure de l'intéressé) et plaintive, presque mélancolique, d'une monotonie volontaire et mesurée, et personnifie à lui seul le son du groupe, indéniablement rock mais sans l'agressivité rageuse caractéristique de la période punk qui les a précédé puis accompagné. L'instrumental présente étonnamment quant à lui des mélodies très seventies, voire fin des sixties (avec un jeu et un son de guitare très Byrds du à l'utilisation de guitares Rickenbacker), mais jouées avec des arrangements nouveaux, plus caractéristiques des années 80, voire annonciateurs des années 90, variant les apports et mêlant ainsi les influences de trois voire quatre décennies.

Le premier single du groupe dans l'ordre chronologique, avant le premier album éponyme, fut Hand In Glove, un titre percutant, convaincant et représentatif de l'oeuvre globale du groupe, présentant un équilibre harmonieux entre basse marquée sans excès (plus n'aurait pas convenu à un tel son, moins aurait semblé fade), guitares entêtantes et voix sombre et beat rudimentaire et efficace, le tout agrémenté d'un léger écho et d'une subtile réverbération. Des quatres albums, The Smiths, Meat is Murder, The Queen is Dead, et Strangeways, Here We Come, aucun n'est à distinguer particulièrement. Sur chacun d'eux le duo fondateur et créatif du groupe Morrissey/Marr offre une performance égale et régulière, exploitant les mêmes ingrédients au maximum et non sans un certain brio. Si, le couteau sous la gorge et au pied du mur, je devais néanmoins mettre en avant certains disques plutôt que d'autres, ma préférence, bien que ténue, irait sans doute pour les premier et derniers albums du groupe, The Smiths (avec l'excellent Hand in Glove cité plus haut, This Charming Man et What Difference Does It Makes) et Strangeways, Here We Come (écouter en particulier les titres Girlfriend in a Coma, et Stop me if You Think That You've Heard This One Before) car ils permettent de mesurer la constance de la qualité du groupe de leurs début jusqu'à leur séparation ainsi que sa fidélité envers son style originel.

Si on écoute plus en détail les quatre albums cités ci-dessus, on ne peut être réellement étonné en apprenant que, bien que cela n'ayant rien d'évident à la première écoute, les Smiths on fortement inspiré et ouvert la voie à des groupes comme Blur, Oasis, Pulp ou encore Supergrass (qui participera d'ailleurs à l'enregistrement de l'album The Smiths Is Dead, hommage rendu aux Smiths et formé de reprises de ces derniers par plusieurs groupes des années 90), et même un peu plus loin aux débuts de l'Indie Rock, puisqu'un certain Pete Doherty considère les Smiths et plus particulièrement Morrissey comme une de ses références musicales majeures, que cela soit au sein des Libertines ou des Babyshambles.

Lucas

Yeasayer : All Hour Cymbals / Odd Blood

2011-01-12T20:24:00.009+01:00

Groupe difficilement classable sans l'utilisation risquée d'expressions aussi obscures qu'interminables parmi lesquelles, ma préférée, New Eastern-psych-rock-snap-folk-gospel (???), comprendre folk-rock expérimental pour faire simple (mais toujours peu évocateur), cette formation originaire de Brooklyn fait depuis 2007 son bout de chemin, apparaissant sur le net par
le biais des vidéos « Take Away Show » et à l'occasion de festivals au Outre atlantique et en Angleterre aux côtés de MGMT notamment. L'anecdote n'est pas sans utilité ici, puisque le cheminement musical de Yeasayer à travers ses deux albums (le même nombre que MGMT) semble diamétralement opposé à celui du duo New Yorkais. En effet, après le succès planétaire du très pop Oracular Spectacular (qui mérite, ce me semble, d'être écouté un peu plus loin que les surutilisés et désormais tristement banals Kids et Time to Pretend, notamment avec Weekend Wars et The Youth), MGMT livrait un deuxième album (Congratulations) beaucoup plus expérimental, plus intéressant je trouve d'ailleurs (écouter Flash Delirium, It's Working, I Found A Whistle) et ayant donc nécessairement moins de succès auprès du plébéien de base. Dans le même temps, Yeasayer passait d'un premier album (All Hour Cymbals) sorti en 2007 et que j'affublerais, en plus des quelques sobriquets cités plus haut, du qualificatif génial, fondamentalement nouveau, parfois étonnant même, à un deuxième (Old Blood, 2010) aux sonorités beaucoup plus electropop faisant un usage récurrent d'effets sonores trahissant l'influence du succès du duo New Yorkais sur les « petits Yeasayer ». Comment interpréter cet étrange changement de direction ? Prise de conscience d'un talent et volonté de se faire connaître au plus grand nombre avec un album plus accessible? Opportunisme occasionné par l'actuelle vague életro-rock?

Rassurons nous cependant, on ne passe pas du chef d'oeuvre à l'étron. En effet, si les mélodies sont plus pop, l'accompagnement instrumental plus électronique et moins épuré d'effets, on retrouve bien la patte et la personnalité sonore forte du groupe sur chaque morceau de Old Blood. On a toujours le droit à une pop déroutante, baroque sans être rococo (aux frontières du kitsch, mais du bon côté), aérienne voire stratosphérique, notamment sur ONE, autre réussite du groupe dans cet album. Gros coup de coeur également pour les chansons Madder red pour ses vocalises envoûtantes et son ambiance très (c'est du moins mon ressenti) « danse apache autour du feu », et Ambling Alp pour son énergie débordante. Certes, c'est très pop, avec des sons parfois, liquides, l'éclatement de bulles sonores, surtout sur Ambling Alp (ils ont du écouter Time to Pretend et plus particulièrement son intro un certain nombre de fois), mais là dessus rien à dire, ca reste frais, neuf, riche, ça fait du bien et cela ne ressemble pas à l'album torché en une semaine, celui qui s'écoute distraitement sur un ordi pendant la vaisselle pour passer le temps. On sent une vraie recherche derrière, et le tout reste cohérent et très agréable à l'écoute.

En fin de compte, bien que d'abord nécessairement surpris par la transition pas évidente et le virage à angle droit pris entre les deux albums, on finit par les trouver complémentaires de la part d'un groupe qui ne semble pas vouloir s'enfermer dans un style mais explorer, chercher la nouveauté, le progrès (l'avenir nous le dira) tout au long de son cheminement. On est un peu forcé le préférer All Hour Cymbals, plus simple, plus épuré, moins électronique, et qui marque surtout la personnalité de Yeasayer avec plus de force, qui la noie moins dans les effets électroniques, mais tout n'est pas à jeter dans Old Blood, bien au contraire. Pour comprendre ce changement musical, écouter notamment le très aérien 2080, leur meilleure chanson à mon avis : les arpèges de guitare, les choeurs, la basse, la batterie, tout semble voler somptueusement en tous sens lorsque débute le refrain, après un premier couplet retenant et maîtrisant plus son énergie. J'en profite pour évoquer un morceau de leurs débuts qui ne figure sur aucun de leurs albums mais qui vaut également le détour, Tightrope, avec un rythme de batterie très tribal (n'y voir aucune des connotations de mauvais goût que ce mot revêtit aujourd'hui dans l'imaginaire collectif, on aurait pu utiliser le mot chamanique, peut être un peu fort pour la circonstance...), des harmonies et doubles voix très soignées.

C'en est donc terminé de cet article qui finalement visait plus à faire découvrir ce groupe au nom résolument imprononçable qu'à commenter le dernier album de Yeasayer, que je recommande donc fortement et qui figure tout de même à la 15ème place du classement NME des meilleurs albums de l'année et au 22ème rang pour le classement des Inrockuptibles, ce qui offre un début de garantie quant à sa qualité et celle de ses compositeurs.

Lucas M.

Bienvenue au Gun Club

2011-01-10T18:39:00.004+01:00

Dans un article de 1982, Lester Bangs crucifiait lapidairement le Gun Club : « A dull attempt to punk robert johnson blues ». Ben là, une fois n’est pas coutume, il avait tout faux. Parce que s’il y avait un tant soit peu de logique, le Gun Club serait aussi reconnu que, au hasard, les Stooges ou les Clash.

Il ya toujours eu des rénovateurs du blues : tout ce qu’on a appelé le british blues boom à partir de 63, Captain beefheart, Canned heat, les frères Allman, ensuite dans les années 80 le Gun club, Stevie Ray Vaughan, Nick Cave, plus tard les Spencer Blues, et finalement les White Stripes. Mais il existe différentes manières de le concevoir; musique suggestive au départ, spartiate, toute de tension, le blues en est venu par l’intermédiaire des Clapton, Allman Brothers et d’autres à n’être qu’une excuse à des démonstrations de bravoure guitaristique ; Cream, par exemple, groupe génial lorsqu’il s’en éloignait (« White room », «Tales of brave Ulysses») était le plus souvent calamiteux lorsqu’il donnait dans le blues « authentique » (ainsi cette version châtrée du "Spoonful" du grand Howlin Wolf dans "Fresh cream"). Rien de tout ça chez le Gun club.

Lorsqu’il sort en 1981, "Fire of love" a du arriver comme un miracle. Car à l’époque, c’est vraiment pas la joie; Dylan fait son rock chrétien, Neil Young fait de la techno (…), la musique noire est à peu près morte (à l’exception notable de Prince et de Chic) et on voit arriver ces sons de batterie bouffie (batterie, c’est beaucoup dire en fait puisqu’on n’entend plus que la caisse claire), ces basses débiles et ces claviers dégueulasses partout. Ah et puis des solos de saxo qui aujourd’hui font rire. De toutes ces icônes des années précédentes, Il n’y a guère que le bon Bruce et Tom Waits qui n’aient pas l’air à côté de leurs pompes. On imagine le soulagement de tous les gens éprouvés par cette débandade générale lorsque débarque le Gun Club, qui tout bien considéré, est LE grand groupe de l’époque (Qui d’autre sinon ?).

Au moment où les Cramps, à qui Jeffrey Lee Pierce dédicacera « For the love of ivy », dégainent une version dégénérée du rockabilly (même si j’ai toujours trouvé les Cramps au mieux amusants et ça s’arrêtait là), le Gun Club revient au blues ancestral, qu’il mêle à l’urgence violente du punk, inventant quelque chose de totalement nouveau.

Les deux premiers albums ( « Fire of love », et « Miami »), sont vraiment infernaux, plein de blues désaxé, sexy, furieux, excessif, le tout dominé par la voix de Pierce, incroyable, pas belle pour un sou, criarde, vitupérante, géniale. On dirait un Tom Verlaine méchant. Même les pochettes sont mythiques. La production, qui ruinait les trois quarts des albums de l’époque, est ici impeccable. Le son est ludique, les slides de guitare ultra chiches, la section rythmique, rectiligne et tendue. Et les titres d’anthologie s’enchainent les uns aux autres, que ce soit les reprises judicieuses de Tommy Johnson, de Leadbelly ("John hardy"), de Robert Johnson (« Preachin the blues »), de Creedence dont le rock swampy a manifestement traumatisé Pierce, ou les propres compos de ce dernier, naviguant entre l’obscénité réjouissante de « Jack on fire » et les incantations envapées de « She’s like heroin to me » ou de « Watermelon man », n’oubliant pas au passage de récurer la mythologie blues (« Ghost on the highway », « Devil in the woods »).

Et lorsqu’il se livre à quelques morrisonneries (c’est de moi. C’est mauvais mais c’est de moi), c’est grandiose (« Fire of love », la gigantesque « Mother of earth » et ces hululements de guitare slide, « Brother and sister »). D’ailleurs Jeffrey Lee Pierce partageait également avec Morisson un goût pour les « comportements erratiques », euphémisme un peu bigot, voulant dire qu’il arrivait ivre sur scène. Et que comme Morisson dans ses meilleurs jours (c'est-à-dire lorsqu’il était très saoul et très drôle), il se laissait aller à d’interminables soliloques d’ivrogne, dans lesquels le plus souvent il injuriait le public. J’aurais aimé voir ça.

Arrive ensuite « The Las Vegas story» dont certains préfèrent la production plus étoffée et plus propre que sur les deux précédents. Au final, ça n’importe pas tellement, les compositions sont toujours aussi renversantes (le stoogien "stranger in our town", l’acoustique "secret fires", "my dreams", "give up the sun"…) et les reprises (une version hanté du « My man’s gone now » de Gershwin, « The masterplan » du jazzman free Pharoah Sanders) traduisent toujours une connaissance de la musique assez monumentale. A partir de là, la vie de Pierce devient un grand n’importe quoi, entre changements de personnel, hépatites, et addictions diverses, ce qui gangrènera sa …« carrière ».

Je n’ai pas encore écouté les albums suivants mais ce sont parait-il les trois premiers qu’il faut avoir (Je viens de choper "Miami" et "Las vegas story" ; ça faisait longtemps que j’avais pas été aussi content d’acheter un cd). J’écouterais les autres et j’en parlerai si ça vaut le coup. Plus tard, les Jon Spencer Blues (dont plusieurs albums ont été réédités il y a peu) et les Whites Stripes n’oublieront pas de rendre hommage à ces prédécesseurs auxquels ils doivent tant. Même si Jack White parait bien sain en regard du fou qu’était Jeffrey Lee Pierce.

Vianney G.

The Magnetic Fields

2011-01-04T15:25:00.003+01:00

De Stephen Merritt, le leader des Magnetic Fields (rien à voir avec Jean Michel Jarre on vous rassure), on peut légitimement se demander: A t-il 8 ans ? Est il autiste ? Friand de concepts douteux comme autant de blagues de potaches ("Cap ou pas cap de faire un album qui commence par la lettre "I" ?" "Cap !*"), Merritt est assurément une anomalie dans le paysage indé yankee.

Les albums des Magnetic Fields sont rarement grandioses, remplis de choses à jeter mais c'est presque un détail eu égard au fait que Merritt a écrit certaines très très grandes chansons ; le "69 love songs" aurait même pu être un excellent album s'il avait été amputé de la bagatelle d'une petite cinquantaine de chansons (là je mettrai bien un smiley mais j'ai ma dignité); sorti en 99, on y trouvait déjà de bien belles choses: "epitaph of my heart", "the book of love" (Evitez comme la peste la reprise lénifiante qu'en a donné Peter Gabriel), "i don't want get over you", " all my little words", "the cactus where your heart should be", ou ce "blue you" crépusculaire, qui sonne comme la bande son d'un cauchemar d'enfant. Ou comme du Danny Helfman chanté par Nick Cave. Ce qui revient au même.

Leur dernier album sorti début 2010, "Realism", est le pendant de son prédécesseur "Distorsion", hommage aux Jesus et Mary Chain, donc plein de larsen vaporeux, mais qui sonnait surtout comme du Beach Boys électrocuté (formidable "california girls"). Au final, c'était un peu raté (comme toujours en fait avec eux). "Realism" se voulait conçu exactement à l'inverse, même si au vrai, rien ne changeait, à ceci près qu'au larsen s'étaient substitué plein d'instruments exotiques (mandoline, glockenspiel, ukulélé...). Toujours une grande sécheresse, malgré la profusion d'instruments, toujours pas mal de choses dont on se demande ce qu'elle foutent là, toujours le baryton de Merritt, laconique au possible et pourtant parfois incroyablement émouvant. Mais surtout, s'y trouve disons une de mes 20 chansons préférées des années 2000, "you must be out of your mind", un enchantement de 3 minutes, digne du "chelsea girl" de Nico (pas n'importe quoi donc).

On attend encore le grand oeuvre (qui ne viendra peut être jamais) mais peu importe, un gars capable de parler de Brill Building dans ses chansons ou d'écrire des trucs aussi inspirés que "you can't go 'round just saying stuff/because it's pretty/and i no longer drink enough to think you're witty" ou "i could listen to all my friends and go out again and pretend it's enough or i could make a career of being blue, i could dress in black and read Camus, smoke clove cigarettes and drink vermouth, like i was 17" mérite amplement qu'on lui tire notre chapeau.

Vianney G.

* Il l'a fait, l'album s'appelle "I"...

"L'Odyssée de la soul" : entretien avec Florent Mazzoleni

2010-12-30T16:00:00.012+01:00

On en attendait un, le voici : le « sweet soul music » français, ça s’appelle « l’odyssée de la soul » et c’est signé Florent Mazzoleni. Ce livre, qu’il a pensé comme un almanach de la Soul, retrace donc l’histoire de ce mouvement des premiers instigateurs du genre (Sam Cooke, Ray Charles) à nos jours. Sans pouvoir prétendre à l’exhaustivité (parce que là il faudrait une encyclopédie en 10 volumes), ce livre pédagogique est très complet, et passe en revue tous les genres et toutes les écoles. Nul besoin d’être un spécialiste pour y trouver son bonheur, il requiert juste une bonne dose de curiosité et d’appétit musical. De quoi dépenser intelligemment ses étrennes.

Journaliste émérite entre autres aux Inrocks, à Tecknikart, ou à Géo, photographe, ami d’Alex Chilton, bordelais de cœur, grand voyageur, Florent Mazzoleni est l’un des tout meilleurs connaisseurs français du genre, déjà auteur d’un « Motown, soul et Glamour », et de « James Brown, l’Amérique noire, la soul et le funk ». Rencontre.

NB : ayant eu les questions avant, il répond parfois à plusieurs en une seule réponse.

Ce dont on se rend compte en lisant ce livre, c’est l’influence souterraine mais cruciale des Ragovoy, des Whitfield, des Holland-Dozier-Holland etc, c'est-à-dire tous les producteurs de ces albums des années 60-70 (et qui souvent même composaient les titres) . Ne sont ils pas plus responsables du son de la soul de ces années là que les artistes eux-mêmes ?

Vous isolez plusieurs « écoles » de soul dans ce livre. Tout le monde connait celle de Detroit (Motown), Memphis (Stax et Hi) et Philadelphie (Philly sound). Pouvez vous nous parler plus spécifiquement des deux écoles les moins connues, celle de Chicago (une ville plus connue pour ses artistes blues) et celle de La Nouvelle-Orléans ?

Il y a une chose qu’il ne faut pas oublier. D’accord, on parle de producteur en matière de musique, mais la soul sans les artistes, ça n’existe pas. La soul, c’est une histoire de voix avant tout ; c’est le chant de l’âme. C’est que répondait Solomon Burke à son producteur Jerry Wexler lorsque celui-ci lui demandait ce qu’il voulait chanter : « je veux chanter avec mon âme ». On est vraiment dans l’idée d’affirmation de soi, dans la recherche d’une expression personnelle. Ensuite, les producteurs vont donner un écrin à cette voix. Ainsi Norman Whitfield chez Motown à la fin des années 1960 va fabriquer des tubes au kilomètre et lancer bien des carrières. Mais effectivement si un chanteur n’a pas une conception solide, ça ne donne pas grand-chose. Il faut des fondements solides. Il faut une vision artistique derrière. Il faut aussi pouvoir vendre, c’est ce que faisaient des gens comme Jerry Wexler chez Atlantic. Ce n’était pas vraiment un producteur à proprement parler. Chez certains labels, il y avait un pôle entier consacré aux producteurs. Par exemple, chez Stax, certains disques étaient produits par le duo Hayes/Porter, d’autres par Booker T. Jones, d’autres par Jim Stewart. Après, il restait à promouvoir et à vendre la musique.

C’est tout le problème d’un Ragovoy qui a produit certains disques comptant parmi les plus beaux du genre. Ses disques n’avaient pas le même succès que ceux d’Atlantic ou de Motown, parce qu’il n’y avait pas la même puissance marketing derrière. Pourtant, les enregistrements d’Howard Tate ou ceux de Garnett Mimms, produits par Ragovoy, comptent parmi les plus belles chansons soul jamais enregistrées. Et le "Stay With Me" de Lorraine Ellison, marque un sommet de soul orchestrée.

Même chose pour un producteur comme Allen Toussaint qui définit tout au long des sixties le son de La Nouvelle-Orléans. Il écrivait les morceaux, jouait lui-même du piano…Il était indispensable. Il n’y a pas un artiste soul de La Nouvelle-Orléans qui n’ait pas enregistré avec lui, que ce soit The Meters, Lee Dorsey ou Irma Thomas… Il est derrière Betty Harris également. C’est vraiment lui qui a défini le son de cette ville.

Lorsqu’on pense à la soul de Chicago, il est impossible de ne pas parler de Curtis Mayfield. Il y avait quatre labels principaux de soul à Chicago (Okeh, Vee Jay, Chess, Brunswick…) mais il n’était pas rare qu’on le retrouve à la production de tous ces labels. Ainsi on retrouve la griffe caractéristique des productions Mayfield (en collaboration avec Johnny Pate) sur les premiers Major Lance, ou derrière Gene Chandler. Ce qu’a notamment introduit Mayfield, c’est le son latin avec l’introduction de percussions afro-cubaines. Au même moment, Chess, illustre label de blues, s’est aussi offert quelques digressions soul, suivant la volonté des frères Chess, par exemple en envoyant Etta James enregistrer à Muscle Shoals, en produisant Jackie Ross, Johnny « Guitar » Watson, Fontella Bass ou Laura Lee…Mais à mon sens, la plus grande chanteuse soul de Chicago s’appelle Mitty Collier. Elle possède une voix prodigieuse. Elle a sorti un album remarquable qui définit le son de Chicago à merveille.

Vous avez fait la préface du livre de Philippe Robert, « Great black Music ». Vous y définissiez la grande musique noire comme « un poing levé », comme « un relais de diffusion vindicatif de vibrations inédites », en écho à des artistes comme James Brown («Say It Loud»), Sly Stone («Don’t Call Me Nigger Whitey »), Curtis Mayfield, Gil Scott Heron... Que le contexte aujourd’hui pour les noirs d’Amérique soit plus clément explique-t-il une certaine déliquescence de la soul et du funk pendant les années 80-90?

Ces années sont des années de transition , au cours desquelles on a laissé disparaitre les grands orchestres de soul. Il s’est passé la même chose avec le jazz dans les années 1940, avec l’arrivée de l’amplification. Les grands orchestres type Duke Ellington laissaient la place à des combos plus restreints, plus explosifs. Ainsi en soul, ces grands orchestres (Parliament, Kool & The Gang, Earth Wind & Fire) ont fini par décliner car on n’avait tout simplement plus les moyens économiques d d’entretenir dix, quinze ou vingt musiciens ! Dans les années 1970, il faut savoir que James Brown tournait avec trois batteurs sur scène ! Qui dans les années 80 pouvait se payer ce luxe ? Seul Prince a parfaitement compris l’usage des studios et compris qu’il pouvait réaliser ses albums quasiment seul. On peut aussi déplorer malheureusement dans ces années une panne de vision artistique de la part des producteurs. On peut facilement orienter le goût du public et il est devenu probablement moins exigeant au cours des années.

Mais depuis une dizaine d’année, il y a effectivement un renouveau dont la figure de proue pourrait être Erykah Badu, la grande diva soul moderne. Avec elle, on a redécouvert les vertus de l’orgue Hammond et une certaine patine, ce genre de choses. Mais également en hip-hop, des artistes comme The Roots renoue avec l’esprit des productions années 60-70 après deux décennies où, pour des raisons économiques, cet esprit avait disparu. Beaucoup d’artistes ont compris la valeur du jeu «à l’ancienne » avec des riffs de cuivres, des choristes, et ce jeu d’appels et de réponse hérité du gospel. Il ne faut pas oublier que la soul vient du rhythm’n’blues mais plus encore du gospel . A mon avis cette dégénérescence de la soul provient d’un déclin de cette pratique du gospel. Dans les années 60-70 tout le monde avait commencé par apprendre à chanter des spirituals à l’Eglise. A l’inverse, les vedette des années 80-90 n’ont pas eu cette expérience gospel (exception faite de Whitney Houston, qui a connu cet apprentissage qui fait la différence justement, même si ce n’est pas ma tasse de thé).

Au niveau des artiste soul récents, que pensez-vous de Daptone Records ?

Daptone est un label assez astucieux qui a compris les vertus du retour à l’organique… A mon avis, il n’est pas étonnant que Sharon Jones, ou Lee Fields percent aujourd’hui car ils ont l’expérience des années de l’âge d’or, ils ont croisé des artistes importants, ça leur a donné une identité particulière. A mon avis Daptone Records est le label de musique noire le plus important de ces 10,12 dernières années.

Plus généralement, où est la soul aujourd’hui ? Dans le R’N’B ? Dans le revival ? C’est assez dur à définir en fait. A mon sens, Janelle Monae va beaucoup faire dans les années à venir pour le milieu de la soul. Son énergie est assez proche d’un groupe comme Outkast. Tous ces artistes essaient de retrouver des vertus d’authenticité. Ils font tout pour jouer avec de vrais musiciens sur scène, de vrais instruments dans un studio, bref des éléments organiques. Même le hip hop, lorsqu’il s’est essoufflé a fini par redécouvrir les vertus de la soul. Ils ont compris que cette manière de pratiquer conférait une patine différente à leurs enregistrements. Une sorte de « vérité naturelle », pour reprendre les mots de Ray Charles.

Mais vous parliez de Seal. On le voit, la musique soul peut être aussi consumériste qu’une autre. Même si pour Phil Collins, je suis tout à fait clément à son égard. Ce qu’il a fait dans les années 70 avec Brian Eno, notamment ses parties de batterie sur « Another Green World », c’est sérieux. Il reste un vrai musicien. En revanche, ses reprises des standards Motown, c’est une catastrophe. Il ne fait que vendre de la bouillie indigeste à ses consommateurs : c’est de la musique au kilomètre. Les gens achètent ça au supermarché entre les céréales et deux paquets de pâtes. Le fait qu’il puisse massacrer la musique qu’il aime avec autant de conscience mériterait une punition sévère. Mais le succès de Seal ou de Phil Collins est une réalité économique. Seal, vous avez deviné que je n’en suis pas malade, mais s‘il peut amener même quelque personnes à redécouvrir les chansons originales, s’il peut être un passeur, pourquoi pas.

Dans ce livre, vous parlez bien entendu des sommités de la soul (James Brown, Al Green, Marvin Gaye…)…Mais ce qui m’a passionné personnellement, c’était de découvrir des inconnus, qui s’avèrent parfois au niveau des légendes. Quelles sont disons les dix raretés (albums ou artistes) à découvrir en priorité ?

Celui que je citerais en premier, c’est Garnet Mimms, avec ou sans les Enchanters. Son premier album de 1963, « Cry Baby » : un sommet de la soul des années 60’s. Ecoutez "Baby, Don’t You Weep", une reprise du gospel "Mary, Don’t You Weep". On comprend aisément comment la soul est passée du gospel aux histoires de trahison amoureuse (les cheatin songs). Le chant de Garnet Mimms et la production de Jerry Ragovoy sont limpides. Il s’agit de l’une des voix les plus bouleversantes qu’il m’ait été donné d’entendre.

Lee Dorsey a lui inspiré le fameux « Yes We Can » d’Obama, avec cette voix élastique et nonchalante, typique du son de la de La Nouvelle-Orléans. Cet album de 1970 est produit de manière inévitable par Allen Toussaint. Son premier album, « Ya Ya » oaru en 1962 est aussi un formidable recueil de comptines très early soul, limite rhythmn and blues.

Dans la soul sudiste, il y a Geater Davis, un chanteur à la voix très rauque, qui œuvre dans la voie de ce que Bobby ‘Blue’ Band avait entrepris avant lui . Ensuite, deux de mes marottes, O.V. Wright et sa voix extraordinaire qui peut descendre très bas et monter très haut en une fraction de seconde, avec ce profond héritage du gospel. James Carr lui, était un des chantres de la country soul, pour le compte du label Goldwax, notamment avec ce classique absolu, "(At The) Dark End of the Street". Il faut parler aussi d’Eddie Hinton chanteur blanc qui a commencé en jouant de la guitare avec Bobby Womack ou Candi Staton…Il est l’auteur d’un album magnifique paru en 1978 : « Very Extremely Dangerous », il faut l’écouter, c’est l’un des meilleurs disques de soul blanche.

Sinon quoi d’autre ? L’album de 1966 de Jimmy Hughes, « Why Not Tonight », qui est l’épitomé du son Muscle Shoals première période, juste après Arthur Alexander, c'est-à-dire après que la country soul ait été définie. Il y a aussi Ollie & The Nightingales, qui témoigne bien de la puissance expressive des groupes qui ont fait leurs armes dans le gospel. Certaines choses qu’ils ont enregistré comme "I Got A Sure Thing" sont justes hallucinantes. C’est vraiment extrêmement poignant.

Je pense aussi à l’album de Lightnin’ Rod, «Hustler’s Convention ». Là on est vraiment dans les tout débuts du hip hop, avec une voix parlée sur des rythmes très funk, l’album est assez remarquable mais malheureusement pas très connu. Du côté des perles oubliés, il y a le « Jealous Kind of Fellow » de Garland Green, dans le registre soul de Chicago, c’est excellent.

Il y a aussi les Soul Children. Leurs quatre albums sont époustouflants. Les gens devraient les redécouvrir. Voilà quelques pistes, ça peut changer selon mon humeur du moment.

Et chez les femmes ?

Je pense naturellement à Helene Smith, une chanteuse qui a sorti un seul album méconnu en 1966 sur une petite marque de Floride. On peut dire que la soul au féminin atteint son apogée avec ce premier album, aujourd’hui malheureusement introuvable. Je ne suis même pas sûr d’en parler dans le livre…

Concernant le funk, l’album d’Yvonne Fair produit par Whitfield (« The Bitch Is Black ») est l’un des meilleurs albums de funk au féminin. On parlait d’Erykah Badu, regardez la pochette de l’unique album d’Ella Washington en 1969. On voit qu’elle lui a empruntés les mêmes postures de méditation. Je pense aussi à Doris Duke, notamment album « I’m A Loser ». On y trouve beaucoup de bonnes chansons produites par Swamp Dogg.

La soul est un genre qui se prête beaucoup aux compils. Certaines sont très reconnues (les « Shaolin Soul » du rappeur du Wu Tang, RZA), mais globalement il est difficile de s’y retrouver. Si vous deviez en conseiller deux, ou trois, quelles seraient elles ?

En France, les compilations « rhythm’n’blues remarquable », « rhythm’n’blues terrible »…Il doit exister une vingtaine de volumes sortis entre 1965 et 1972 de bonne facture. Les compilations Shaolin Soul étaient effectivement plutôt pas mal, avec beaucoup de sons de chez Hi Records.

Ensuite un que je conseillerais vivement, c’est un cd sorti il y a quelques années, reprenant toutes les productions féminines de James Brown : « Funky Divas » et c’était assez extra. On y retrouvait un de mes morceaux favoris, le déchirant "I Cried" de Tammi Montgomery, qui chantera plus tard avec Marvin Gaye sous le nom de Tammi Terell.

Voyons, à brûle-pourpoint, comme ça… Les compilations deep soul de chez Ace Records, « The Outskirts of Deep City » chez Numero Group, où l’on retrouve des titres de Helene Smith.

Sinon, Gilles Pétard et moi-même avons collaboré sur la collection « Absolute Funk », en cinq volumes. Je la pense assez représentative d’un funk rare, cru et authentique. Il existe aussi une série de trois volumes sur Hi Records. Elle donne une très bonne idée de la qualité du label.

Le premier coffret Stax noir et les intégrales Motown publiées année par année depuis le début des années 2000 sont également essentiels. Il y avait aussi une série de deep soul que j’aimais beaucoup, pas très officielle, « Lost Deep Soul Treasures ». Il faut dire que j’ai une prédilection pour la soul sudiste.

Solomon Burke, Willie Mitchell et Alex Chilton sont décédés cette année, le meilleur moyen de leur rendre hommage étant encore d’écouter leurs chansons, quels albums conseillerez-vous pour ceux qui ne les connaissaient pas ?

De Solomon Burke, vous pouvez écouter toutes ces premières faces pour Atlantic, l’album « Proud Mary » chez Bell, sa période MGM, jusqu’à ses derniers albums, « Don’t Give Up On Me », l’album du grand retour de 2002 et le dernier en collaboration avec Willie Mitchell, « Nothing’s Impossible », qui sera malheureusement leur dernier disque à tous les deux.

J’ai aussi eu la chance de rencontrer Willie Mitchell et je me souviendrais toujours de l’interview qu’il m’avait accordé. Là je vous renvoie à mon livre, « Memphis, aux racines du rock et de la soul », paru en 2006 au Castor Astral, dans lequel je parle pas mal de l’héritage du studio Hi. Je n’ai pas vraiment d’album de Willie à conseiller plus qu’un autre. Peut-être l’album blanc et bleu, « Touch of the Blues » produit pour Bobby ‘Blue’ Bland. Ou ce qu’il a produit pour Al Green, que des classiques, ou les Five Royales, au tout début de sa carrière de producteur.

Alex Chilton c’est différent, c’était un ami très cher. C’est grâce à lui que je suis rentré en pèlerinage soul, lui qui m’a fait découvrir beaucoup de choses en musique noire, notamment ce 45 tours de Marcell Strong, "Mumble In My Ear", peut-être l’un des plus beaux disques de toute l’histoire de la soul. Les trois albums de Big Star sont essentiels. « Like Flies On Sherbert » en 1979 et « Clichés » en 1994 sont aussi deux disques parfaits, quoique très différents. De quel plus bel héritage artistique peut on rêver ?

Alex Chilton m’a communiqué son amour de La Nouvelle-Orléans. Toutes ces ballades près du Mississipi que j’ai pu faire avec lui, ce fut extraordinaire et ce fut une source de révélations assez incroyable. Il m’a ouvert les yeux sur beaucoup de choses : le gospel, Slim Harpo…C’est dur d’en parler, j’ai plein de souvenirs qui reviennent. C’est l’une des figures marquantes du rock.

J’ai rencontré ces trois artistes, mais Alex était de loin la personne avec laquelle j’avais le plus d’affinités.

Vous êtes probablement le spécialiste français de musique africaine. Je viens de découvrir Fela Kuti avec « Zombie » et « Expensive Shit ». Quels autres albums me conseillez vous de lui ? Et quels albums vous paraissent des bonnes portes d’entrée à la musique africaine ?

Je ne sais pas si je suis le spécialiste, en tout cas c’est mon territoire d’exploration privilégié depuis quelques années. De Fela vous pouvez tout prendre, des toutes premières sessions jusqu’au début des 80’s, notamment « International Thief Thief »… Honnêtement tous ses albums sont remarquables. Peut-être aussi “Sorrow, Tears and Blood”, « Opposite People », « Shakara »… De toute façon c’est remarquable du début à la fin.

Sinon, comme bonnes portes d’entrée , il y a les compils Nigeria 70, Mali 70, Congo 70, Sénégal 70, Ghana Soundz (en deux volumes), la compilation « Free Africa » offre un bon panorama en quatre cds. Mais je suis surtout un grand fan de musique malienne, des grands orchestres régionaux des années 1970’s , il y a des choses absolument foudroyantes à redécouvrir. Tout ce que vous pouvez écouter du congolais Franco, écoutez le ! Franco, c’est l’artiste à mon sens le plus prolifique de l’histoire du 20ème siècle. Il a enregistré près de trois mille morceaux ! (Pour situer, James Brown en a enregistré moins de mille). Essayez aussi Manu Dibango, période « Africadelic », c’est très bon !

Il existe diverses compilations fascinantes, comme celle de l’orchestre marxiste Super Mama Djombo de Guinée Bissau ou encore les cinq volumes sur l’Angola parus chez Buda Music. Chez le même éditeur, procurez-vous aussi les vingt-sept volumes de la série éthiopiques, absolument indispensables ! Là encore je vous renvoie à mon livre, « L’épopée de la musique africaine » paru en 2008 chez Hors Collection.

C’est affreux je connais pas un seul de ces noms…

Vous savez, si vous êtes curieux, dans votre parcours, vous en arrivez à toutes ces musiques. Moi mon premier concert, c’était les Beastie Boys à l’âge de douze ans, et ça m’a marqué à vie. J’ai d’abord écouté du hip hop, de la soul, du rock. Puis, depuis quelques années beaucoup de musique africaines. Le tout c’est de rester éveillé et d’avoir envie. Il existe des disques fabuleux qu’on découvre tous les jours, c’est pour cela que je vais en Afrique entre autres, pour dénicher des perles rares. On soupçonne à peine ce qui peut encore exister. Mais si vous voulez vous y mettre, renseignez vous sur Amara Touré, c’est l’une des grandes voix du 20ème siècle. Un jour, si vous voulez, on fera une interview sur la musique africaine. Il faut fouiller, s’intéresser, c’est très intéressant. La musique africaine représente une certaine idée du futur de la musique, tout en proposant un regard saisissant sur le passé.

Vous avez déjà écrit un livre sur Motown, un sur James Brown, un sur Memphis, et là un livre que vous avez pensé comme un almanach sur la soul. J’ai l’impression que cette « Odyssée de la soul » clôture ce que vouliez dire sur ce genre…

Non, pas forcément, j’écoute encore beaucoup de soul. Même si aujourd’hui je suis très souvent en Afrique pour faire des recherches, des interviews...J’ai un projet de livre sur Stax. En ce moment, je termine un livre qui va s’appeler « Afro-pop, l’âge d’or des grands orchestres africains », mais je vais probablement revenir à la soul. Je suis passionné du son de Muscle Shoals, j’aimerais y consacrer un livre. Tout ça pour dire que j’ai plusieurs projets en cours autour de la soul music. Ne vous inquiétez pas, ce n’est pas encore fini ! D’autant qu’il y a énormément de correspondances entre soul et musique afro-pop. La matrice Atlantique me fascine, c’est une voie de transmission (parfois forcée malheureusement) extraordinaire, en ce qui concerne les échanges culturels. Je prépare aussi une compilation sur les morceaux afro latins et comment la musique cubaine a joué un rôle en Afrique tout au long des années 1960 et 1970. J’ai trois livres prévus pour l’an prochain dont notamment un sur l’histoire de la musique malienne. Si vous voulez découvrir cette grande musique malienne, je vous conseille la compilation « Mali 70 ».

Et quand repartez vous en Afrique ?

Dimanche, à Dakar, pour y donner des conférences dans le cadre du 3ème Festival Mondial des Arts Nègres (du 10 au 31 décembre au Sénégal).

Vianney G.

Coup de gueule audiovisuel...

2010-12-27T22:31:00.008+01:00

Il y a dans le vaste univers du paysage audiovisuel français (PAF pour les intimes) des lois aussi dures à comprendre qu’à accepter. La guerre à laquelle se livrent depuis toujours les grandes chaines hertziennes pour grappiller des parts de marché ne pouvait déroger à la règle, et c’est une émission chère à mes oreilles qui en fait les frais, j’ai nommé Taratata.

Une petite présentation s’impose : l’émission, entièrement créée par Nagui, est apparue pour la première fois à l’antenne en 1993, et malgré une interruption de 2000 à 2005, elle peut se vanter de faire désormais partie des rares programmes télévisuels qui bénéficient d’une agréable stabilité. Chaque semaine, Nagui reçoit entre 4 et 8 groupes qui viennent faire leur promotion en jouant quelques morceaux, ponctués d’une interview.

Première particularité (eh oui c’est malheureusement inhabituel aujourd’hui), les prestations scéniques dans Taratata sont 100% live, ce qui devraient d’ailleurs selon moi être systématique pour tout groupe qui se respecte. Mais cela n’est généralement pas de leur ressort : la production des émissions de variété exige en effet la plupart du temps que les groupes jouent en play-back, tellement celles-ci sont aseptisées par une sainte frousse du risque (certains groupes conservent néanmoins leurs principes, parfois à leur manière : ainsi lors d’une émission italienne, les trois membres du groupe Muse ont joué Uprising en play-back, mais en échangeant leurs instruments, donnant lieu ainsi à un moment cocasse lors de l’interview, durant laquelle la présentatrice, particulièrement bien renseignée, interrogea le batteur en pensant s’adresser au chanteur… ).

Je ne saurais dire si cela est directement lié à cette particularité ou à un travail en coulisse de l’équipe de tournage, mais les groupes invités apparaissent plus détendus qu’à l’accoutumée, enclin à se lâcher et à interagir avec le public, ce qui créé une ambiance presque familiale : comme si on se retrouvait entre potes pour un petit jam improvisé (ce qui arrive parfois réellement), mais devant les cameras.

Deuxième particularité : la programmation. Attention, c’est du lourd ! Deep Purple, les Red Hot Chili Peppers, Metallica, Muse, Scorpions, David Bowie, Ben Harper, Oasis, Arctic Monkeys… Tous sont déjà passés à Taratata. Mais là où l’émission se distingue, c’est avec le mélange prôné par la prod. Si chaque émission débute avec une tête d’affiche, elle se poursuit avec des groupes bien moins connus mais tout aussi intéressants. Beaucoup de formations passèrent à Taratata avant d’exploser en France (pour l’anecdote, une semaine avant de se produire au festival « Le Père Noël Est-Il Un Rocker ? », Absynthe Minded était à Taratata pour jouer « Envoi » et « My Heroics, Part One », ainsi que deux reprises, « Le Vent Nous Portera » en duo avec Cali, et le fameux « Amsterdam » de Jacques Brel). Il y a donc de quoi assouvir à la fois l’hystérie des fans en manque de leurs idoles, et la soif de découverte.

Troisième particularité et pas des moindres : pas question de jouer uniquement le dernier single ! Chaque invité est appelé à préparer une reprise, ainsi qu’un duo. Et là encore la prod fait preuve d’originalité, permettant la formation de duos plus qu’improbables. Où est-il possible d’assister à une reprise du « Requiem Pour Un Con » de Gainsbourg par un duo improbable Jacques Higelin/Julia Stone ailleurs qu’à Taratata ? Et le côté inédit de la chose renforce également la bonne humeur ambiante sur le plateau, tant les groupes sont heureux de casser la routine de tournées interminables.

Enfin, quatrième particularité, et c’est là le fond même du problème qui me taraude depuis longtemps et qui me pousse à écrire cet article : la place allouée à Taratata dans la grille des programmes de France Télévisions. A l’heure de l’avènement du poète Patrick Sébastien et où il ne passe pas un samedi soir sans une émission dans laquelle des pseudos stars (merci la Star Academy et autres comédies musicales nauséabondes) viennent reprendre des titres disco usés au possible et choisis parmi une liste inchangée depuis plus de 20 ans et longue de maximum 15 chansons (Emile et Image ça va 5 minutes), Taratata est diffusé sur France 2 le vendredi à 1h10 du matin, et sur France 4 le mercredi soir. Une visibilité selon moi indigne d’un programme de cette qualité, preuve du manque total de volonté des grandes chaines françaises, régies par la loi de l’audimat, pour cultiver un minimum ses téléspectateurs. Et le pire, c’est que cela constitue un véritable cercle vicieux, les français étant de moins en moins aptes à la découverte, ce qui rend de plus en plus improbable l’apparition d’un programme à la fois culturel et plébiscité.

Le paysage audiovisuel français s’enlise donc dans un culte du mauvais goût, du voyeurisme, ou autre perversité à la mode, qui fait le succès de la télé-poubelle omniprésente de nos jours, au détriment de la culture.

Pour les curieux qui auront saisi l’intérêt de ce programme, je vous invite à visiter le site de l’émission, www.mytaratata.com, sur lequel chaque numéro est mis en ligne en intégralité.

Vincent M.

Le top 2010 du Sham

2010-12-27T20:25:00.013+01:00

La fin de l’année approche, et avec elle, le moment de faire le point sur l’année musicale écoulée. Il est en effet devenu une tradition pour les sites de critiques musicales d’établir différents classements, notamment des meilleurs albums, des meilleurs morceaux…

Après Rolling Stones, Les Inrocks, Pitchfork, ainsi que de nombreux blogs, c’est au tour du Sham de vous faire part de ses coups de cœur pour l’année écoulée !

Franck :

- Arcade Fire – The Suburbs (→ “Suburban War”)
- Ariel Pink’s Haunted Graffiti – Before Today (→ “Round and Round”)
- CEO – White Magic (→ “Illuminata”)
- Deerhunter – Halcyon Digest (→ “Helicopter”)
- Dum Dum Girls - I Will Be (→ “Jail La La”)
- Fang Island – Fang Island (voir chronique) (→ “Daisy”)
- Hot Chip – One Life Stand (→ “I Feel Better”)
- Local Natives – Gorilla Manor (→ “Airplanes”)
- Male Bonding – Nothing Hurts (→ “Year’s Not Long”)
- Wavves – King of the Beach (→ “Linus Spacehead”)

Lucas :

- The Black Keys – Brothers (→ “Tighten Up”)
- Born Ruffians – Say It (→ “Sole Brother”)
- Carl Barât – Carl Barât (→ “She’s Something”)
- The Coral – Butterfly House (→ “Butterfly House”)
- Darwin Deez – Darwin Deez (→ “Constellation”)
- Foals – Total Life Forever (→ “Spanish Sahara”)
- Jamaica – Jamaica (→ “I Think I Like U 2”)
- Local Natives – Gorilla Manor (→ “Airplanes”)
- MGMT – Congratulations (→ “Flash Delirium”)
- Yeasayer – Odd Blood (→ “Ambling Alp”)

Vianney :

- Airbourne – No Guts No Glory : le meilleur tribute band d’ACDC au monde. Un peu honteux mais franchement rigolo (→ Born To Kill)
- Arcade Fire – The Suburbs : Moins habité que les deux premiers mais encore sacrément impressionnant (→ Suburban War)
- The Black Keys – Brothers : ne serait ce que pour « Tighten Up ».
- The Coral – Butterfly House (voir chronique) (→ “Butterfly House”)
- Gil Scott Heron – I’m New Here : un retour en grâce très digne pour l’ancienne icône de la musique contestataire noire-américaine. (→ “Me and the Devil”)
- Jim Jones Revue – Burning Your House Down : les gars à côté desquels Jerry Lee Lewis parait sain d’esprit. (→ “Princess and the Frog”)
- Local Natives – Gorilla Manor : Découvert en live, des harmonies à la Fleet Foxes, et un chanteur à moustache. Le nouveau son de la Californie ? (→ “Airplanes”)
- Magnetic Fields – Realism (voir chronique). (→ “You Must Be Out of Your Mind”)
- Mgmt – Congratulations : où l’écran de fumée de la hype s’évapore et laisse entrevoir la véritable nature psychédélique du duo de Brooklyn (→ “Flash Delirium”).
- Sharon jones – I Learned the Hard Way (article prochainement). (→ “I Learned the Hard Way”)

Et la déception de l’année, « The Lady Killer » de Cee-Lo, célébré par toute la presse, mais sans imagination et pompier. De la soul-la-croisière-s’amuse. Et dieu sait que j’aime Gnarls Barkley. Pour leur part, The Drums et Two Door Cinema Club assurent la relève de Vampire Weekend dans la catégorie Révélation indé fumeuse de l’année.

Diane :

- Cyndi Lauper – Memphis Blues (→ “Rollin’ And Tumblin’”)
- Depeche Mode – Tour of the Universe: Barcelona (→ “Personal Jesus”)
- Iron Maiden – The Final Frontier (→ “El Dorado”)
- Jamiroquai – Rock Dust Light Star (→ “White Knuckle Ride”)
- Seal – Seal VI Commitment (→ “If I’m Any Closer”)

Le Sham.

Tiens, j’ai déjà entendu ça quelque part…

2010-12-27T14:53:00.007+01:00

Entre inspiration et plagiat musical, la frontière est dans certains cas difficile à déterminer. Est-ce que l’artiste a délibérément copié une chanson, ou est-ce seulement le hasard créatif qui a fait que deux morceaux ont fini par se ressembler ?

Certains morceaux ont en revanche trop en commun pour laisser place au doute et nous faire croire à une simple coïncidence. Parfois, c’est volontaire et légal (sample, reprise, hommage) comme Supermode qui avec « Tell Me Why » emprunte à « Smalltown Boy » de Bronski Beat, ou Kid Rock qui avec « All Summer Long » se réapproprie « Sweet Home Alabama » de Lynyrd Skynyrd. Dans d’autres cas, ça l’est beaucoup moins, comme l’attestent les paires de morceaux suivantes.

Nirvana – “Come as You Are”. Sortie en 1992, c’est une des chansons les plus connues du groupe de Kurt Cobain, et pourtant, force est de constater que la ressemblance est frappante avec un titre de Killing Joke, groupe de rock britannique qui sort le single « Eighties » en… 1984 !

Mais l’histoire ne s’arrête pas là. Jaz Coleman, leader de Killing Joke, aurait justement porté plainte contre Nirvana pour plagiat de son morceau. Mais cette action n’a jamais eu de suite pour la simple et bonne raison que le rif de « Eighties » est lui aussi très proche d’une chanson antérieure de The Damned : « Life Goes on ». Ces derniers n’ayant jamais porté plainte, l’incident n’eut finalement pas de conséquences juridiques.

Babyshambles – « Delivery ». Les Babyshambles, c’est le groupe formé par Pete Doherty peu après son éviction des Libertines pour problèmes de drogue. En 2007, le 2^ème album de groupe sort, sur lequel on retrouve ce morceau qui sera un gros succès pour le groupe. C’est seulement suite au passage d’un candidat qui nous faisait écouter du Queen que nous avons été frappé par la ressemblance de « Back Chat » avec ce titre des Babyshambles. Le rythme est le même, et on pourrait presque changer les paroles entre « By or by the way of an explanation » et « Back chat back chat you burn all my energy ».

White Stripes – “Seven Nation Army”. Sortie en 2003 sur l’album “Elephant”, et ensuite souvent reprise et adapté, c’est sans conteste la chanson qui a le plus contribué à faire connaître le groupe. Ne soyons pas mauvaise langue, la ressemblance est moins frappante que pour les deux précédentes et on ne peut pas parler de plagiat. Mais quand même, quand on compare "Seven Nation Army" à une chanson des Gories paru en 1995, « You Little Nothing », on ne peut s’empêcher de remarquer des similitudes…

Jet – “Are You Gonna be My girl”. Aucun doute cette fois-ci, le morceau du groupe australien paru en 2003 doit beaucoup au « Lust For Life » de Iggy Pop. En fouinant un peu sur Wikipedia, il semble que la chanson ait aussi été remarqué pour des similarités avec « Screwdriver » (écoutez par exemple à 1 :52) des White Stripes, ou même des chansons paru sur Motown dans les années 60.

George Harrison – « My Sweet Lord ». Avec cette chanson de 1970, l’ex Beatles fut d’ailleurs condamné pour plagiat involontaire du morceau « He’s So Fine » des Chiffons, groupe des années 1960.

Franck A.

Christmas Shamrock

2010-12-24T14:48:00.000+01:00

L'évolution musicale, Deez-t-ils...

2010-12-21T15:51:00.006+01:00

Darwin Deez

Je suis tombé sur Darwin Deez plus ou moins par hasard (par un ami sur le dernier Nova Tunes avec le titre Constellation, dont l'ambiance planante, les accords de guitare improbables au son rappelant celui des Strokes et la voix atypique et très « saut du lit », du dénommé Darwin Smith (qui semble souvent à la limite du bâillement) m'ont plu dès la première écoute, et m'ont donc incité à aller me renseigner plus avant sur cet énergumène New-yorkais à la coiffure évoquant un Caniche affublé d'un chapeau de rabbin et, plus largement sur le reste de son oeuvre. La dessus j'apprends qu'il est passé par beaucoup de genres musicaux et de groupes avant de sortir cet album éponyme que je m'empresse de télécharger (« le salaud!!! ») légalement, sur Itunes Store, comme tout le monde... J'apprends ensuite qu'il souffre de problèmes d'hyperactivité, de troubles de l'attention, qu'il est également danseur de claquettes à ses heures perdues (rapport???) bref le type un peu excentrique, qu'il fait partie des « révélations » du festival des Inrocks de cet automne. Les soupçons quant à son excentricité et à sa débordante créativité se confirment vite après avoir vu le clip du titre Constellation (dont le passage avec notre chanteur se servant le thé ne sera pas sans rappeler une scène mythique d'Alice au pays des merveilles => « juste une demi tasse pour moi »), d'une bizarrerie assez amusante, il faut bien le reconnaître.

Parlons à présent du reste de l'album : une pop énergique, rythmée, sans fioritures, dans laquelle la voix blasée, presque résolue du chanteur contraste joliment avec l'énergie dégagée par l'accompagnement. Si le son et les effets utilisés par l'accompagnement restent globalement inchangés et assez récurrents sur l'ensemble de l'album, leur caractère novateur, à la fois doux et saturé, fait qu'on ne se lasse pas pour autant.

Agréable surprise, les cinq premiers morceaux sont extrêmement réussis et annoncent un disque prometteur. Constellation, chanson la plus connue et la plus diffusée de l'album, donne le ton de l'album avec un rythme enlevé, une rythmique de guitare électrique omniprésente à la fin de chaque phrase, et un refrain qui laisse pantois, à la fois inquiétant et béat... en fait je pense que le thème principal qu'évoque ce morceau, le seul qui peut à la fois rassembler tous ces contraires, pourrait être le rêve. Un premier titre percutant, novateur et assez représentatif du son et de l'ambiance de l'ensemble de l'album.

Deep Sea Divers, le deuxième morceau, se joue sur une ambiance cette fois nettement plus marquée par l'ennui (du chanteur, certainement pas le nôtre) et la nostalgie.

La chanson The Suicide Song résume elle aussi l'atmosphère sonore antithétique du disque, calquant des paroles pour le moins morbides sur un air pop pourtant résolument énergique, presque euphorique.

J'en arrive maintenant à ce qui est sans doute mon morceau favori de ce premier travail rendu par Darwin Deez : la chanson titre DNA. Elle commence sur un riff de guitare étouffé de notes hamoniques, puis la voix entame timidement le couplet, toujours avec le même air blasé et simplet, puis la batterie s'emballe, et c'est alors que pour le refrain on ne peut qu'apprécier la manière dont le rythme des guitares épouse à la perfection les temps et contretemps prononcés par la batterie (ou peut être la boîte à rythme, à vérifier...), tandis que Darwin Deez entame un air gai, chic et entraînant (formule malheureuse et lourde d'antécédents, j'en conviens...).

La chanson Up In The Clouds (on s'en doute, vu le titre) renoue explicitement avec l'aspect rêveur et insouciant de Constellation, tandis que nostalgie et tristesse sont très présents dans Bed Space, harmonieusement matérialisés par l'écho des choeurs...

J'ai eu beau chercher la bouse cachée dans cet album, celle qui colle et qui est souvent là parce qu'il fallait un dernier titre à l'album, mais rien à faire, pareille hérésie n'est pas à recenser dans ce premier album de Darwin Deez qui, sans avoir une voix exceptionnelle, parvient à produire un son pour le moins agréable et résolument novateur dans une nébuleuse pop toujours infestée ça et là des mêmes innombrables pollueurs sonores, véritables menaces à l'hygiène intellectuelle et au bon goût musical...

Lucas M.

Le Shamrock, novembre 2010. Numéro spécial festival le Père Noël est-il un Rocker?

2010-11-15T01:57:00.006+01:00

Open publication - Free publishing - More zenzile

Et ... Action !

2010-11-14T17:29:00.004+01:00

La légende raconte que lorsque les Action venaient jouer à Brighton, des légions de mods les attendaient en scooters Vespa à l'entrée de la ville et les escortaient à travers les rues jusqu'à la salle de concert, formant une sorte de procession conquérante.

Les Action étaient les favoris avec les Who (première période) et les Creation des mods originels, c'est à dire les plus snobs, les plus puristes, ceux qui écoutaient exclusivement des productions Motown et s'habillaient comme Miles Davis. Les Action avaient leurs quartiers au Marquee, club mythique du Swinging London, où ils ouvraient régulièrement pour les Who. Ceci pour l'anecdote.

Ces adeptes de blue-eye-soul (i.e. de la soul jouée par des blancs), avaient en leur sein une arme fatale, un chanteur blanc brillant, Reggie King, dont la voix onctueuse comme du Nutella (bave) seyait idéalement au genre. Paul weller, chanteur des Jam , dans les notes de pochette de la première réédition vinyle du groupe lui rendait hommage de belle manière: "Si Steve Marriot (ndlr: chanteur des Small faces) est exceptionnel, selon moi reggie King lui est encore supérieur dans la mesure où son chant est toujours naturel. C'est un vrai chanteur de soul." Ajoutons à cela qu'il y a chez lui une limpidité, une douceur presque, absente du registre plus viril d'un James Royal ou d'un Chris Farlowe. C'est d'ailleurs pour ça que pour mon compte, Reggie King est mon favori dans le genre.

Le répertoire des Action était exclusivement noir et témoignait d'un goût très sûr. Tamla Motown, Stax, Atlantic et basta. Mais si on se souvient d'eux, si je prends la peine d'en parler, c'est plus spécifiquement pour deux moments d'éternité, deux morceaux qu'ils n'ont pas écrit; "wasn't it you" d'abord, classique repris par tout le monde de billie davis à petula clarke, dont ils offrent la version ultime. Ensuite et surtout, une relecture de "since i lost my baby", un fleuron des Temptations, qui surpassent l'original, pourtant déjà assez tuant. Cette intro de Rickenbacker, ces coeurs célestes...Le tout produit par George Martin, producteur des Beatles. Le rêve quoi.

Mais nous sommes en 1966, le psychédélisme émerge, ce genre devient obsolète et les Action se disloquent. Quant à Reggie King, il est mort en Octobre dernier, quelque jours avant Solomon Burke ... quelle misère. Et David Guetta lui est toujours vivant.

Vianney G.

Gonna take you for a ride on a big jet plane

2010-11-10T19:01:00.006+01:00

Un peu de douceur dans ce monde de brutes. Depuis plusieurs mois déjà, le vaste monde des médias spécialisés pop/rock (stations de radio en tête) est touché par une vague de bonne humeur et de zénitude. Cette vague, ce sont deux australiens qui nous l'apportent, deux frère et sœur, j'ai nommé Angus & Julia Stone. C'est d'ailleurs sous ce simple nom qu'ils produisent leurs albums, dont le dernier en date, Down The Way, est sorti en Mars dernier dans la plupart des pays anglophones (Avril en France). Et on peut dire que pour un 2e opus, c'est un franc succès : numéro 1 en Australie, tandis que leur single « Big Jet Plane » est actuellement largement diffusé par les radios françaises. Et autant le dire tout de suite, c'est amplement mérité, tant cet album respire l'authenticité, chose rare en ces temps de mégaconcerts, superproductions et autres groupes à but exclusivement lucratif.

Down The Way s'ouvre sur un crescendo de guitare électrique suivi d'un mélange de piano, de batterie et de violons : « Hold On » donne le ton, l'émotion est là et la voix de Julia est poignante. Une maitrise infaillible des différents instruments, dont un ensemble de cordes, qui révèle un professionnalisme surprenant pour un 2e album. Ce morceau est un paradoxe à lui tout seul : le duo semble tout contrôler à la perfection, alors que la simple vision hors concerts de ces deux phénomènes nous offre inévitablement un spectacle à part entière, tant ils paraissent totalement ailleurs et dépassés par leur succès (mention spéciale pour Angus, dont je vous invite à voir l'interview diffusé dans Taratata, ça vaut le détour !).

Suit ensuite « Black Crow », dans laquelle Angus et sa voix font leur entrée. On peut pour la première fois (et non la dernière) de l'album apprécier l'incroyable complicité des deux frangins, dont les voix se marient parfaitement. C'est incroyable comme ces deux là se complètent (pas étonnant pour des frère et sœur me direz vous). On voit d'ailleurs dans l'interview ci-dessus à quel point un simple regard leur suffit pour communiquer.

Le troisième titre, « For You », est un morceau écrit par Julia pour son ex : dans ce groupe familial, chacun a sa place pour raconter ses propres histoires, renforçant ainsi un peu plus l'authenticité ambiante de l'album. Et vu le résultat, pourquoi s'en priver ? Une intro très minimaliste, le duo ne s'embarrasse pas d'effets superflus : chaque note est à sa place. Ca sent l'enregistrement maison, installé douillettement au milieu du salon. L'album est d'ailleurs auto-produit, tout s'explique.

Après ce passage sentimental, voici LE single qui est l'actuel porte parole d'Angus et Julia en France : « Big Jet Plane ». Une fois de plus, c'est l'équilibre parfait entre les différents éléments, voix et instruments, qui ressort. Les paroles semblent nous prévenir du voyage à part entière que constitue l'album (« Gonna take you away from home »).

Les deux titres suivants, « Santa Monica Dream » et « Yellow Brick Road », mettent en avant la capacité du duo à faire beaucoup avec pas grand chose : une unique guitare accompagnant leurs deux voix et un résultat toujours aussi attachant. Dans la deuxième partie du long « Yellow Brick Road », on constate que quand la guitare devient électrique, c'est une autre ambiance qui se dégage mais qui reste tout aussi plaisante.

Le septième morceau est encore un tube. « And The Boys » est beaucoup moins acoustique que le reste de l'album, et présente même pour la première fois quelques passages de synthétiseur. La preuve que malgré leur goût pour l'acoustique, les Stone sont tout à fait capables de se produire au sein d'un groupe complet. Et cette idée est fortement renforcée par le titre suivant, « On The Road », intro au banjo avant l'entrée de la batterie et de la guitare, qui nous emmène dans une direction relativement différente de celle de la première partie de l'album : le morceau est plus entrainant, et le duo s'éloigne de son style habituel pour s'aventurer vers une Country plus joyeuse.

« Walk It Off » signe le retour des violons, toujours aussi bien gérés, qui donnent de l'ampleur et de l'énergie à cette balade, même si la fin montre à quel point la voix de Julia peut seule prendre l'auditeur aux tripes. Un groupe résolument pop/folk, parfois légèrement country : il ne manquait plus que l'harmonica. L'affront est lavé avec « Hush », et si cet instrument peut à mon sens rapidement devenir agaçant, les deux frangins savent en faire usage avec parcimonie, ce qui est tout à leur honneur.

L'album se poursuit sans surprises avec « Draw Your Swords » et « I'm Not Yours » : pas de folies, Angus et Julia font ce qu'ils savent faire mais le font bien. On sent qu'ils se sont construit un style, certes pas vraiment nouveau, mais qui leur correspond parfaitement. Il est vrai qu'un duo pop/folk essentiellement acoustique, qui compose des ballades sentimentales souvent autobiographiques, ce n'est pas vraiment une invention. Mais c'est exactement ce qu'il leur fallait, et la sincérité que mettent les Stone dans leur musique est l'élément clé qui les place aujourd'hui en tête des ventes.

Notons que la fin de « Draw Your Swords » présente un moment rare : Angus s'énerve ! Mais là encore, ça lui va bien.

L'album s'achève sur le touchant « The Devil's Tears », qui nous laisse sur une impression qui résume parfaitement l'album : de l'émotion, du romantisme, parfois la sensation d'être coupé du monde, mais avant tout un sentiment d'apaisement, de plénitude. Cette album est finalement une véritable thérapie pour le duo et pour l'auditeur. Une façon d'extérioriser toutes leurs émotions profondes, et de décrire des moments de leur vie qui leurs tiennent à cœur. Pour l'auditeur, c'est un moment particulièrement agréable à passer, un moyen de s'évader sans quitter son chez-soi.

Pour ceux qui seraient tentés par le voyage, Angus & Julia Stone seront le 2 Décembre prochain à l'Aeronef pour un concert qui s'annonce des plus envoûtants !

Vincent M.

Fang Island, Fang Island (2010 )

2010-11-10T00:10:00.006+01:00

Le 11 mars dernier, le procès opposant Pink Floyd à EMI touchait à sa fin. La formation britannique reprochait à la major de permettre le téléchargement de ses titres à l’unité, alors qu’elle envisageait ses albums comme des ensembles cohérents dont la profondeur ne pouvait être appréhendée par ce mode de distribution.

Cette leçon, le groupe américain Fang Island semble l'avoir bien assimilée. A travers leur premier opus, la formation indépendante fait en effet preuve d’une maturité musicale déroutante malgré leur jeune âge (débuts en 2005). Les mélodies se complètent et dansent éperdument jusqu’à trouver un écho l’une dans l’autre. Des rires moqueurs résonnent tandis qu’on cherche à en percer le mystère. Et alors qu’on pense les avoir apprivoisées, elles nous dévoilent malicieusement un nouveau secret, un nouveau souvenir, un nouveau rêve.

Tout commence avec « Dream of dreams », qui sonne paradoxalement comme la fin d’une époque. Les feux d’artifices allègres laissent bientôt place à des harmonies de guitare qui se combinent en un chuchotement désenchanté. Et c’est seulement quand leur complainte atteint son paroxysme que le chœur formé par les 5 membres du groupe daigne faire une brève apparition. Guitares et batterie font alors leur retour et, sans s’en apercevoir, on est passé au morceau suivant, « Carefull Crossers », fête d’adieu instrumentale qui se veut plus rassurante.

La chute n’en est que plus dure quand retentit à nouveau le chœur pour la poignante « Daisy ». L’excitation à l’idée d’une nouvelle ère est teintée d’amertume et d’une nostalgie déchirante pour les joies d’un passé révolu. Dans « Life Coach », voix et instruments se joignent pour une ode à la vie et à la renaissance proche. Un rythme plus rapide engage « Sideswiper » comme si on nous pressait de tout oublier pour ne pas souffrir, et puis, subitement, tout se ralentit comme pour nous autoriser un dernier regard en arrière. Avec « The Illinois », des guitares obsédantes et des brusques changements de rythmes nous offrent un nouveau départ.

Et subitement, tout s’éclaircit. On perçoit de la joie dans le chant à présent décomplexé de « Treeton » et les paroles sont porteuses de plus d’espoir : « Let our dreams grow out together ». Là-dessus arrive « Davey Crockett », long morceau qui renoue avec cette mélancolie qu’on croyait éteinte et qui nous laisse confus. « Dorian », final de l’album, tente d’apporter une réponse à ces doutes avec un air qui évoque un mariage, le début d’une aventure. On a peut-être fait le bon choix. C’est en tout cas ce dont on se convainc quand des feux d’artifice viennent conclure le morceau.

Seul défaut de l’album, il est un peu lassant sur la durée, et on regrettera par exemple qu’il n’y ait pas un deuxième « Daisy » pour lui insuffler une nouvelle vie. Mais c’est un détail dont on ne saurait leur tenir rigueur après seulement 5 ans d’existence. Avec ses mélodies aériennes façon Wild Nothing et ses atmosphères à la Animal Collective, Fang Island signe en effet une première réalisation ambitieuse qui laisse augurer du meilleur pour l’avenir.

Franck A.

Supergrass tire le rideau

2010-11-07T00:23:00.026+01:00

Écoutez ça et lisez le reste du post. Je sais qu'il est long, je vais faire un effort pour les prochaines fois.

C'est drôle la manière dont certaines nouvelles passent comme une lettre à la poste ; pourtant avec la dissolution impromptue de Supergrass, on perd là l'un des 4 ou 5 groupes les plus brillants des années 90 et 2000. Supergrass, c'étaient un peu les Kinks des années Blair, le groupe parfait qui n'a pas eu autant que ce qu'il méritait. Lâchés par leur maison de disques récemment, devant depuis pas mal de temps se contenter des premières parties des boy-scouts puants de Coldplay, l'affaire sentait le sapin. Mais l'annonce de leur séparation, après 18 ans d'une carrière ponctuée de 6 albums tous irréprochables, a pris tout le monde de court ; on annonçait en effet un album, Release the drones, et Gaz Combes (le chanteur) et Danny Goffey (le batteur) venait de publier en juin un recueil de reprises sous le nom de the Hot Rats (patronyme hommage à Zappa on imagine), bien fait d'ailleurs mais un peu vain comme souvent avec ce genre d'exercice (si ce n'est peut être le Kicking against the pricks de Nick Cave).

Évoquant cette rupture impromptue, beaucoup ont souligné qu'il valait mieux qu'ils se séparent avant de commettre l'album de trop. Ben moi, personnellement, j'aurais aimé le voir, bon ou mauvais. Un ou deux albums faibles avant de se séparer, comme les Clash ou Roxy (ou 15 comme les Kinks), ça rassure, ça officialise, ça prépare à une rupture sereine, en souplesse, sans fausse espérance et sans regrets. Alors que là les trois pieds nickelés (qui étaient 4 depuis que Robert, le frère de Gaz, les avait rejoints en 1997) se séparent un peu comme des malpropres. Retraçons leur parcours.

Supergrass est issu d'Oxford comme les pleureuses de Radiohead, c'est heureusement là leur seul point commun. C'est en 1995 qu'ils débarquent avec fracas dans le poulailler britpop avec I should coco (déjà le titre...), bourré de singles supersoniques géniaux: "Caught by the fuzz", "Lose it", "Mansize rooster", et le suprêmement couillon "Alright", mettant alors tout le monde à genoux. Sur la foi de ce tube (leur seul véritable) se fondera malheureusement un malentendu essentiel, celui qui consiste à voir en Supergrass une bande de sympathiques trublions inoffensifs alors que, on le répète, ils ont enregistré certains des plus durables moments de rock de ces trentes dernières années. C'est triste de constater qu'il faille se mortifier pour pouvoir être crédible.

Supergrass avait pourtant sans même sûrement le savoir tout compris à ce que devait être la pop : une musique référencée sans être cuistre et (et c'est là la difficulté) moderne. Ce trio de gentlemen avait tout ce qu'il fallait pour cela : l'énergie, de la fraicheur, une insolente facilité. En un mot : du talent. Auquel il faut ajouter une bonne dose de charisme canaille ; il faut voir Gaz Combes en live, le regard madré de celui qui sait qu'il plait, le sourire carnassier, beau comme un Mick Jagger de 1966, malgré une gueule pas possible, quelque part entre le reptile et le rongeur. Mi-campagnol mi-crocodile. Le batteur est pas mal non plus dans son genre, l'œil invariablement hagard, la lippe pendante, l'air ahuri, frappant sur ses fûts avec de grands moulinets outranciers. A cette époque, ils sont les nouveaux héros de l'Angleterre.

Pourtant après ce premier album éminemment buzzcockien (i.e. on joue vite et on tape fort), une scission s'opère avec le public lors de la sortie d'In it for the money, qui y voit le signe d'un essoufflement de l'ardeur juvénile des gaillards (alors qu'il est juste moins speedy gonzales que le premier) et est également désarçonné par la noirceur (un bien grand mot tout de même) inédite de certains titres ("Richard 3", "In it for the money"), même si les ventes sont encore tout à fait respectables.

J'ai des réserves face au mythe de "l'injustement méconnu" ou de "il'nsuffisamment reconnu", même si bon an, mal an, j'y souscris ; Supergrass entre dans la deuxième catégorie. Ne falsifions pas, Supergrass a eu son heure de gloire. Un million de singles vendus pour "Alright" tout de même. Mais la désaffection (d'une grosse partie de son audience, de la critique qui ne s'y intéressait plus qu'avec l'indifférence polie qu'on réserve aux anciens) dès "In it for the money" a été tout aussi rapide et inexplicable. Car les quatre albums qui suivront seront tout aussi réussis. Du plus contemplatif Road to rouen au psyché Life on other planets et jusqu'au retour au rock brindezingue de leurs débuts que constitue Diamond hoo ha, jamais Supergrass n'aura connu la moindre baisse de régime, avançant avec une constance exemplaire. Il faut écouter "Moving" et sa partie disco rebondissante pour se rendre compte que ces gens là assuraient à mort. Il faut écouter "Mary", morceau faramineux plein de méchant larsen, morceau de train fantôme. Il faut la perfection pop de "St petersburg", qui a du laisser sur le cul ceux qui en étaient restés à "Mansize rooster" . "Seen the light" du T-rex meilleur que du T-rex. Et "Sad girl" ? Et "Diamond hoo ha men" ? Et "Can't get up" ? Et "Bad blood" ? Et "What went wrong with your head" ? Que de l'excellent, on vous dit !

Les trois de Supergrass n'auront pas la présence d'esprit de se droguer, ce qui leur aurait conféré une vague aura subversive (façon Peter Doherty, que je ne vénère pas mais qui m'amuse et qui a des coups de génie épisodiques comme ici) et qui aurait peut être endigué leur déclin commercial. Juste une réflexion qui m'est venue récemment : je comprends très bien que les rock stars soient moins inconséquentes qu'il y a trente ou quarante ans (ne pas s'étonner si j'affirme le contraire dans un post prochain). Je comprends très bien qu'on refuse de jouer dans le cirque rock'n'roll un rôle qui fût joué par d'autres, et qui avait du sens à l'époque mais qui est devenu aussi codifié que ce à quoi il s'opposait au départ (ça se passe malheureusement souvent comme ça).

Il fût un temps où moi même je me bourrais scrupuleusement la gueule dans une frénésie d'hédonisme rageur, non pas par goût (ou pas que par goût), mais pour correspondre à je ne sais quelle éthique de vie. J'ai dû finir cinq fois chez les flics, à peu près autant de fois dans la rue (ça fait des histoires pour les petits enfants) et maintenant, il y a des jours où me miner me parait une véritable corvée (ce qui est sûrement le signe d'une certaine santé mentale, mais ça me déprime un peu, pour tout dire). Maintenant je me bourre la gueule parce que je ne sais pas boire (n'ais jamais trop su), sans faire exprès. Notez que quand vous vous retrouvez dans un appartement de 30m² rempli à craquer, où vous ne connaissez pas la moitié des personnes présentes, et eussiez vous envie de leur parler, vous ne pourriez pas car Wax Taylor ou je ne sais quelle autre boue électro mise à plein volume vous en empêcherait, la seule chose sensée à faire est de s'anesthésier un bon coup.

Mais les Supergrass ne sont pas comme ça. Il y avait chez eux une intégrité et une méfiance épidermique pour tout ce qui relevait de la promotion qui forçait le respect. Dans une interview (exercice qu'il détestait) de 2005, Gaz Combes déclare, aux anges : " Je n'ai jamais parlé de moi, personne ne sait ce qu'est ma vie". T'as eu bien raison gros père.

Voilà, j'ai fini, allez donc télécharger leurs albums (je vais pas vous dire de les acheter, j'aurai l'air idiot). Je n'en ai pas un à recommander plus que les autres même si j'ai un petit faible pour le troisième.
Ah et j'ai loupé leur dernier concert à la Cigale, voilà c'est sûr, je ne verrai jamais Supergrass en vrai, ils ne m'ont pas attendu. Avec ce concert parait-il génial pour tous ceux qui ont eu la chance d'y assister, le groupe achève en tous cas sa carrière comme il l'a menée ; avec classe.

Vianney G.

The Fall, This Nation's Saving Grace (1985)

2010-11-06T13:34:00.019+01:00

Vous ne connaissez probablement pas The Fall, groupe formé en 1976. Rien de surprenant puisque Mark Edward Smith, chanteur et seul membre constant du groupe, n’a rien d’un leader charismatique. Cinquantenaire misanthrope et alcoolique notoire, il est connu pour son franc-parler et des altercations récurrentes avec ses musiciens. Doté d’un humour noir corrosif, moqueur et antipathique, c’est le genre de personnage qu’on ne peut pourtant pas s’empêcher d’apprécier.

Est-ce que cela tient à sa longévité (35 ans de carrière dans une formation toujours changeante), à son envie intacte (une trentaine d’albums studio) ou à ce ton rageur qui vous fait tressaillir quand il chante ? Sans soute un peu des trois. Toujours est-il que le bonhomme a produit quelques merveilles sans âge, qui ont inspiré des pointures telles que Sonic Youth, Pavement ou Nirvana.

On pourrait continuer à parler de l’individu pendant des heures, évoquer son aversion pour le foot ou pour l’orgueil français, mais concentrons-nous plutôt sur This Nation’s Saving Grace, bijou intemporel encensé par la critique comme par le public à sa sortie en 1985.

Les festivités commencent avec « Mansion », morceau instrumental hanté par une mélodie inquiétante et lugubre qui vous fait frémir d’une excitation contenue. Arrive alors « Bombast » qui, s’il nous laisse un peu sur notre faim, n’en témoigne pas moins de la hargne du chanteur tandis qu’il s’écrie « Bastard! Idiot! Feel the wrath of my bombast! ». La machine est lancée, et tout le génie du groupe se révèle à travers l’excellent « Barmy », sa fougue irrésistible et son riff d’une prodigieuse simplicité. Sur « What You Need », les guitares entêtantes voire répétitives (sans que cela soit jamais un défaut) résonnent comme si elles voulaient ancrer le morceau à jamais dans notre esprit.
C’est d’ailleurs ce qui se passe avec « Spoilt Victorian Child », au rythme tantôt calme tantôt explosif, et aux paroles martelées sans répit. « L.A »., autre pépite de cet album, nous replonge dans l’atmosphère inquiétante de « Mansion », tandis que les cris lancinants du chanteur n’en finissent pas de nous transpercer. Une voix féminine introduit alors doucement « Vixen », et se mêle ensuite à celle du chanteur pour un morceau terriblement bon.

A ce stade de l’album, l’alchimie a déjà parfaitement opéré et les refrains se bousculent dans notre tête. Mais le groupe n’en a pas fini et les réjouissances reprennent avec « Couldn’t Get Ahead », morceau puissant aux paroles crachées avec violence, bientôt suivi par le plus faible, « Gut of the quantifier ». Un air plus tranquille mais teinté d’un certain malaise introduit « My New House », avant que très vite, tout s’emballe et qu’on soit pris d’une envie irrésistible de chanter en rythme les paroles. « Paint Work » prouve la capacité de la formation à explorer un autre registre : une sérénité empreinte de nostalgie, une quiétude languissante et reposante. « I am Damo Suzuki » est un hommage réussi au groupe de rock expérimental Can, dont Damo Suzuki était membre.

L’album se termine en apothéose avec « To Nkroachment: Yarbles », un « Mansion » avec une tension encore accrue par la voix de Mark E Smith. Bien qu’absents dans la première édition de l’album, n’omettons pas trois autres excellents morceaux qui furent ajoutés par la suite : l’hypnotisant « Pretty (Thief) Lout », le très dansant et un peu rétro « Rollin’ Dany » et enfin l’explosif et très connu « Cruiser’s Creek ».

This Nation’s Saving Grace donne un aperçu du talent immense de The Fall. Mais le génie de son leader ne saurait s’y résumer, des morceaux comme « Janet, Johnny and James » ou « Mr. Pharmacist » en attestent. Tout au long de sa carrière, Mark E Smith n’a cessé d’explorer de nouveaux horizons musicaux pour faire évoluer son style. Seul l’homme n’a pas changé : il est toujours ce râleur invétéré doté d’une langue incisive.

La preuve en fut faite pas plus tard que le 21 octobre dernier, quand il entendit chanter les Mumford & Sons et les qualifia de chanteurs de folk retardés, avant de leur balancer des bouteilles pour les faire taire…

Franck A.

Foals : they won't get fooled again

2010-10-28T22:41:00.009+02:00

Foals, Total Life Forever

Nombreux sont les groupes qui, après un premier album encensé par la critique et apprécié par le public, tombent dans la facilité, versent dans le commercial et nous délivrent une sombre daube, un purulent étron en guise de second album (ou pire, se prostituent littéralement et détruisent une de leurs chansons en la donnant à une publicité du Crédit Agricole, je ne vise personne...). On pourrait citer par exemple Kings of Leon, qui après un premier album absolument génial, nous ont livré trois autres albums en demi-teinte et un dernier carrément fade auquel j'ai personnellement bien du mal à trouver un intérêt (Come Around Sundown). Il conviendrait de dénoncer également la mauvaise pente prise par les Kooks sur quelques chansons de leur second album, alors que l'on avait pu ressentir sur le précédent une recherche et une inspiration plus approfondie (la suite en février pour la sortie de leur prochain album). Trêve de digressions, recentrons nous sur le groupe sur lequel il était initialement prévu que je parle.

Inquiétudes écartées, donc, pour Foals, qui après l'excellent Antidotes signe avec Total Life Forever un album encore plus abouti, réussissant ainsi à innover, à explorer des horizons musicaux sans cesse élargis sans pour autant trahir leurs racines musicales.

Principal changement : l'agressivité du premier opus y apparaît plus contrôlée, non pas bridée mais plutôt plus maîtrisée. Les mélodies sont encore plus aériennes que sur Antidotes, les ambiances sonores, encore plus riches (si c'est possible). La rigueur et la précision avec laquelle chaque phrase est ciselée et chaque effet est créé laissent deviner un travail colossal et harassant accompli en amont. Nos quatre Londoniens ont en effet repoussé les limites du masochisme et choisi de s'enfermer pendant plusieurs mois dans un studio improbable au fin fond le la Suède (autant dire aucun risque d'être emmerdés) pour mettre au monde leur projet. Ils ont ainsi repris et repris encore chacune de leurs compositions avec un perfectionnisme les ayant poussés, selon leurs propres dires, au bord de la démence. Le résultat est époustouflant : une claque monumentale, on serait même tentés de les encourager à se torturer (oui encooore!) si c'est pour nous pondre de pareilles merveilles.

L'album commence sur le morceau intitulé Blue Blood, avec une note harmonique de guitare répétée avec un fort écho, comme pour apporter à l'ouvrage une première signature du groupe britannique. Le chanteur entonne les premiers mots de la chanson, puis c'est au tour de la basse de marteler le riff principal, bien aidée en cela par les percussions. On ne peut qu'être sidérés par le fait que les ruptures entre couplets calmes et planants et refrains plus rock, pourtant fortement marquées tant au niveau du rythme que de l'atmosphère, paraissent naturelles, presque évidentes. Un pont mêlant miraculeusement ces deux ambiances a priori opposées nous accompagnera même par la suite jusqu'à la fin du morceau. On pourrait ainsi encenser la plupart des morceaux de l'album et crier au miracle toutes les trente secondes, mais je me contenterais, par souci de concision et au prix d'un déchirement insoutenable, de ne vous décrire que les titres les plus représentatifs du disque.

J'ai alors naturellement le devoir d'évoquer la chanson éponyme, Total Life Forerver. Sans doute un des titres les plus rock de l'album, au moins au niveau de l'instrumental, il est également un de ceux qui nous évoqueront le plus Antidotes. Spanish Sahara constitue un autre exemple de morceau de haut vol aux débuts envoûtants annonçant peu à peu une montée un puissance et en volume pour finir en authentique orgasme sonore. Alabaster s'inscrit également dans la même veine (mais on ne s'en lasse pas), et pousse plus loin encore la recherche mélodique et harmonique, sans réelle explosion ou démonstration de force cependant. Je finirai sur 2 Trees, un titre d'une mélancolie poignante, traversé d'un chant à plusieurs voix, de guitares lointaines et plaintives sur un fond de percussions légères...

Total Life Forever est sorti il y a déjà six mois, et on ne peut que s'étonner du (trop) peu de succès qu'il rencontre pour le moment, tant les critiques se sont montrées unanimes à son égard. Pourquoi diable en parler s'il a déjà six mois? Pour la simple et bonne raison que Foals est actuellement en tournée pour cet album et que la formation de Yannis Philippakis passera à Lille le 16 novembre. Ayant moi-même eu du mal à garder mon flegme et mon sens critique devant pareille merveille seul avec un casque sur les oreilles, on ne peut qu'imaginer ce que cet album pourrait donner en live... concert à ne manquer sous aucun prétexte!!!

Lucas M.

Trêve de Barâtin

2010-10-28T21:42:00.008+02:00

CARL BARÂT

Incompréhension et réticence furent les deux mots que m'inspirèrent au premier abord la sortie de cet album solo du moins connu des deux leaders emblématiques des - jusqu'à récemment - feu Libertines. En effet, il est de notoriété publique que ces derniers se sont reformés cet été pour quelques concerts rageurs Outre-Manche. Drôle de moment choisi par notre ami Carl pour sortir un album solo, et singulière manière de promouvoir cette reformation du groupe, se dira-t-on. Réticence également : car pendant que son frère ennemi Peter Doherty nous gratifiait ça et là de quelques pépites depuis 2004 et la dissolution des Libertines, que cela soit avec les Babyshambles (on pense notamment a l'incontournable Delivery et dans une moindre mesure Fuck Forever et autres...) ou en solo (Last of the English Roses, un album très réussi que je ne peux que conseiller, avec notamment le titre Salome), Carl Barât pataugeait avec les laborieux Dirty Pretty Things qui semblaient plus à l'aise dans la transpiration que dans l'inspiration. Réticence accentuée par une pochette absolument infecte.

Une fois n'est pas coutume, le contenu de l'album va s'évertuer à me contredire. À l'image de son compère Doherty (bien que plus tardivement), Carl Barât semble s'être enfin décidé à cesser de se planquer derrière sa guitare électrique pour s'ouvrir à des horizons plus larges au sein desquels violons, pianos et parfois cuivres (sur Run with the Boys notamment) se font une place. Sa voix ne braille plus mais raconte une histoire, et ce dès le premier morceau, the Magus, à la mélodie douceâtre et envoûtante. Vient ensuite Je Regrette, Je Regrette, dont l'intro pourra nous rappeler celle de don't look back into the sun, l'intro seulement car par la suite des claviers et quelques touches bien senties de piano, de xylophone (si si!) viendront agrémenter une mélodie inspirée, et dont on peut sans doute prédire sans trop s'avancer qu'elle sera la chanson la plus « connue » de l'album, ce qui n'est assurément pas à prendre comme un défaut ici. Avec She's something, Barât nous offre un morceau acoustique pour le moins réussi, aux rythmes variés et à la mélodie réellement plaisante. Dans The Fall (un de mes morceaux préférés dans cet album), Carl créé une atmosphère dérangeante, voire inquiétante, mais séduisante au possible, chantant d'un ton grave, parlant presque par moment. So long, my lover est sans doute (avec je regrette, je regrette) le morceau plus pop et le plus accessible (moins révolutionnaires mais pas moins agréables) de l'album qui donc risque également de bien marcher auprès du grand public. Même lorsqu'il n'utilise que les ingrédients rock classiques (guitares, basse et batterie), Carl Barât cherche ici à innover, à se créer un style propre, par exemple grâce à quelques accords de pianos comme sur le très réussi What have I done. Je finirais sur Ode to a Girl, balade magnifique composée sur un fond de piano lointain sur lequel se greffent le murmure de Carl, quelques arpèges de guitare cristallines puis de légers roulements de caisse claire, à peine audibles...

Il convient donc de saluer cette première expérience de Songwriter/storyteller pour le moins concluante de celui qui était resté trop longtemps dans l'ombre de son ex-acolyte, Pete Doherty. Comme ce dernier sur son album solo, Carl ne se sera pas contenté de recycler la recette rocks-libertines en une dizaine de nouveaux morceaux, mais aura su créer un univers autour de son projet, lui insuffler une âme. Cet album nous présente donc un Carl Barât plus mature, décomplexé musicalement et à qui il est à l'évidence arrivé au moins une fois dans sa vie d'écouter quelques CD d'un certain David Bowie...

Carl Barât sera en concert le 4 novembre (avec The Drums en première partie) à l'Aeronef dans le cadre du festival « Les Inrocks Black XS ».

Lucas M.

Bon son ne saurait mentir

2010-10-15T22:01:00.021+02:00

De ce groupe dont le chanteur a tout de l'orang-outan, j'avais ouï dire des choses intrigantes; qu'ils faisaient des concerts en jogging (j'ai moi même déjà donné un concert dans un collant de course en lycra rose), qu'ils étaient les protégés de Noel Gallagher (de loin le moins con des deux frères), qu'ils vénéraient Love et les Kinks, qu'ils seraient LE groupe le plus sous-estimé des années 2000. Autant dire que ma curiosité fut excitée comme rarement.

Autant tuer le suspense dans l'œuf : je fus déçu. A l'écoute des précédents albums surnageait l'impression d'entendre un solide CV de références sixties plutôt qu'une inspiration en propre. Je les trouvais un peu trop roués, un peu trop experts pour tout dire. Personne n'aime qu'on lui fasse des appels de pied trop insistants, ce qui était la mauvaise habitude des Coral et est encore le cas avec la pochette furieusement rétro de ce nouvel album.

On ne sait si cela provient de leur extraction (ils sont de Liverpool, comme les Beatles mais aussi comme les La's, groupe formidable d'un seul album dont on aimerait qu'il soit moins culte et que plus de gens l'écoutent) mais les Coral, à défaut d'avoir du génie, ont malgré tout un savoir-faire. Ils savent écrire une chanson, ils savent quel accord doit aller derrière tel accord pour que ça sonne bien. Ce modeste (dans le bon sens du terme) artisanat (toujours dans le bon sens du terme) pop donne occasionnellement lieu à de petites merveilles sans âge: "Jacqueline" (adorable cette chanson) , "Don't think you're the first" , "Fireflies", "Pass it on", "Put the sun black"... Mais les albums, jamais il ne me serait venu à l'idée d'en acheter un. Jusqu'à aujourd'hui.

"C'est notre meilleur album", assure le chanteur James Skelly. On sait ce que vaut ce genre de déclaration bravache auquel un groupe recourt le plus souvent lorsqu'il est en fait sur le déclin, croyant sans doute en une miraculeuse valeur performatrice de leur parole,supposée conjurer un état de fait cruel qu'il refuse de voir et d'accepter avec grâce; c'est triste mais c'est humain. Sauf que là en l'occurrence c'est exact; ce Butterfly house est bien leur meilleur album. Il suffit pour s'en convaincre d'écouter "Roving jewel", "Butterfly house" et ce break superbe à 1:58, "Green is the colour", "Another way", "North parade" ... Rien de fondamental dans l'idée, on retrouve toujours cette obsession pour un psychédélisme léger et la scène folk-rock des sixties (Byrds, CSN&Y, Lovin Spoonful...), toujours ce même chant accablé très beau à ses meilleurs moments, toujours ses guitares cristallines. Oh ce n'est pas groundbrêkingeu mais c'est damn well fait, et mine de rien l'un des meilleurs nouveaux trucs que j'ai entendus en 2010, même si l'album n'est pas exempt de certains défauts (une certaine indolence, une certaine joliesse un peu déplacée parfois comme sur "Falling all around you"...).

Et preuve supplémentaire s'il en fallait une, les incapables de Pitchfork n'ont pas aimé, déplorant " a déjà vu sens of pastiche". Ce qui est idiot évidemment. Je suspecte personnellement ceux qui trouvent la pop des Coral passéiste d'être les mêmes qui s'extasient de la pâtée imbitable que nous ressort régulièrement Radiohead. C'est au contraire la marque des bons que de savoir se confronter à la tradition sans que ça sente le faisandé. Et c'est la première fois que les Coral relèvent le pari sur la distance d'un album. (fort heureusement il est probable qu'avec cet album, l'audience des Coral suivra une pente plus favorable que celle du lectorat dudit magazine).

A l'aéronef le 5 novembre.

Vianney G.

Sea of Cowards

2010-10-03T11:40:00.019+02:00

Je ne dirais jamais du mal de Jack White, j'aime trop le personnage pour cela. Grand chanteur, guitariste inspiré, homme de scène électrisant. Rien à dire. Mais reste que depuis (qui date de 2001 tout de même; un bail), Jack, dont on se demande si on peut encore dire de lui qu'il est le leader des White Stripes, n'a sorti que des albums moyens, traversés ça et là de chansons géniales ("White blood cells", "Prickly thorn", "Sweetly worn", "A martyr for my love for you", "The denial twist"). Si vous me demandez, la mode des projets récréatifs pue en général: allez parler de side project à Keith Richards, il est probable qu'il vous rira au nez. Si le polygamisme musical réussit à certains, pour Jack, j'ai un doute. Il a certes écrit des trucs affolants avec les Raconteurs: "Steady as she goes", certes pompé plus qu'a moitié sur un morceau de Terry Reid (pour le coup, Jack n'est pas fan de Led Zep pour rien , eux qui ont également largement "emprunté" à Bert Jansch ou Jake Holmes, entre autres. Pas que ce soit très grave d'ailleurs), "Broken boy soldier", ou surtout le faramineux "Carolina drama". L'an dernier, on avait eu droit à la première tentative de Dead Weather, le nouveau jouet de Jack White. Soit 43 minutes de blues-rock hommage à ses prédecesseurs seventies. L'album était, parait-il, "brut", "jouissif", "sensuel". C'était surtout informe, tonitruant, vaguement gothique et très balourd. Rien d'impérissable en somme. Certes Alisson Mosshart est une appétissante potiche, elle miaule même joliment et dans son perfecto et son slim, elle est à crever. Mais ça ne fait pas tout.

A l'écoute de Horehound, on restait déjà sur notre faim en fait de stupre et surtout de mélodie, si ce n'était sur un très beau "Will there be enough water", long blues anesthésié qui clôturait le premier album. Pas plus de mélodies ou de moments aussi fort pour ce deuxième essai, mais il serait injuste de ne pas saluer les deux, trois bizarreries présentes ici, mélanges de méchants petits riffs, de clavier entêtant, de chant morgueur et sexy qui font que cet album est très supérieur au premier, notamment le premier single "Die by the drop", un "I can't hear you" lorgnant vers le blues funky d'un Hendrix en fin de vie, et surtout "The difference between us", morceau étrange que je me suis surpris à écouter en boucle.

Tout cela est quelquefois pénible ("Loooking at the invisible man", "I'm mad", "Blue blood blues"...), on voit à peu près ce qu'ils ont voulu faire mais ça ne marche vraiment que par intermittence comme dans l'album des Them Crooked Vultures.

L'explication de la relative faiblesse de ces albums (même si encore une fois Sea of cowards est nettement meilleur que le premier) va de soi ; les chansons sont composées collégialement. Or Jack White n'a jamais été aussi bon que seul avec sa sœur ( je sais "seul avec quelqu'un c'est idiot mais vous m'avez compris). Un groupe, quoi qu'on en dise, c'est souvent la vision d'un seul. Deux exemples qui me viennent; à partir du moment où Fogerty et Townshend ont laissé les autres membres participer au processus d'écriture, ça a été la chienlit pour Creedence et les Who. Et pour cause; ça traduisait moins une volonté généreuse de faire participer le reste du groupe qu'une panne d'inspiration de leur part. (Comme toutes les règles trop générales, celle qui précède s'avère souvent fausse)

D'où la question, Jack White va t-il rentrer au bercail et réengistrer sous l'appellation White Stripes ? Un documentaire sur leur dernière tournée, parait-il très bon, Under great white northern lights, semble plutôt entériner l'idée d'un fin du duo bicolore. Affaire à suivre donc.

Vianney G.

Présentation

2010-09-03T00:21:00.005+02:00

Ad'Lib est tout simplement The asso musicale de l'EDHEC.

Son projet phare n'est autre que le festival Le Pere Noel Est-il Un Rocker? (80 000€ de Budget, 4000 Spectateurs) dont le concept 1 Jouet Neuf = 1 Place de Concert = 1 Enfant Heureux a permis, en 15 ans de collecter 50 000 jouets redistribués à près de 12 000 enfants des centres sociaux de la métropole Lilloise.

Au delà de cet évènement, Ad'Lib c'est aussi l'organisation de nombreux petits concerts, les "scènes ouvertes";
les Zikos Edhec comme les exté révèlent leurs talents dans des bars pour tous nous réunir autour de la musique;
On Air sonorise les événements associatifs et organise les soirées à thème pour découvrir ou redécouvrir des ziks;
Le Foodzik égaiera votre long hiver lillois : apéro dinatoire musical avec nos chers Zikos de l'Edhec;
et l'été, pour se mettre avant la fête de la musique et les départs en vacances, on finit en musique avec le village musical: concert en plein air et stands de goodies !!!

La revanche de la beach

2010-06-21T12:59:00.003+02:00

Gorillaz a choisi une orchestre pour donner le ton dés l’intro du nouvel album Plastic Beach. Etonnant mais non déplaisant, il faut se laisser porter par la mélodie qui débouche sur un featuring avec Snoop Dog ! Snoop Dog compatible avec Gorillaz ? Certes Welcome to the world of the plastic beach ne sonne pas Gorillaz avec un fond électro et un rappeur notoire (Snoop Doggy Dog, alors qu'est ce qu'on attend ?), mais ne jouons pas les sceptiques.
En voyant un artiste comme Damon Albarn, je ne vois pas comment on peut s’attendre à n’avoir aucun changement. Gorillaz impose tout de suite un style différent, mais le meilleur nous attend avec des featurings tels que Lou Reed, Bobby Womack, Mos def, Mick Jones et Paul Simonon (survivants de « The Clash »).
White Flag s’offre un décor oriental, avec un orchestre arabisant, des percus dynamiques, des violons. Enfin le monde oriental s’efface quelque peu dés que Kano et Bashy déboulent avec leur flow efficace et une ligne de basse soutenue. Cette piste plaira aux amateurs de hip-hop, elle s’achève à nouveau sur des paysages orientaux, ce qui donne un côté folklorique au son rap.

C’est à ce moment de l’album que l’on s’inquiète, où est passé Damon Albarn ? Il faudra attendre la 4ème piste "Rhinestone Eyes" pour enfin l’entendre !
Et là on se demande s’il a manifesté pour la libéralisation de la marie jeanne… Le rythme leeeeent et la voix à la traîne peuvent surprendre mais on se laisse vite prendre par le jeu lorsque les premières partitions électro arrivent. Voilà quand même la première musique de Gorillaz sur leur album et elle nous rassure !
"Stylo" est la suivante et nous livre un son rythmé qui donne envie de bouger son corps, néanmoins on retrouve cette atmosphère voilée, un peu mystérieuse qui fait tout le charme de cet album. Elle reste un exemple de featuring parfait avec Mos Def et Bobby Womack, et nous montre que Gorillaz n’a pas perdu l’esprit. S’ils ont changé leur style, ils savaient où cela les menait, faisons leur confiance pour le reste de l’album.
Vient ensuite "Superfast" qui ne se laisse pas apprivoiser dés la première écoute. Très spéciale avec un début Hip hop étonnant, elle nous achève en débouchant sur un refrain sorti tout droit d’un esprit torturé comme celui de Damon Albarn, mélangeant les styles à sa guise.

Si cette dernière ne vous a pas convaincu, n’hésitez pas à écouter "Empire Ants", qui dévoile un featuring génial avec Little Dragon. Cette piste va crescendo et nous tire les traits d’un monde léger, nous donne l’impression d’être en lévitation. Mais très vite nous découvrons une nouvelle facette plus puissante et électro, partie où la voix féminine de Little Dragon vient nous charmer.
La suite de l’album ne nous laisse pas sur notre faim, "Glitter Freeze" est beaucoup plus électro, Lou Reed intervient sur "Some kind of Nature" au ton jazzy, "On melancholy hill" nous dévoile une ballade bien menée par Gorillaz.
Le groupe pourrait bien s’attirer les foudres de certains de ses fans pour ce changement de direction, mais d’autres reconnaîtront en Plastic Beach une découverte de nouveaux horizons.
Pour ce que j’en pense, cet album ne plaît pas nécessairement au premier abord, mais bon je pense que l’on peut prendre un peu de temps pour découvrir le nouvel opus d’un groupe tel que Gorillaz.
La fin de l’album est aussi ponctuée par Plastic Beach , en featuring avec les survivants de The Clash, qu’il ne faut manquer sous aucun prétexte…

Julien L.

Metric Fantasies

2010-06-21T12:52:00.004+02:00

« Fantasies » est le nouvel album de Metric sorti en 2009.
Metric ? Jamais entendu parler moi ! Ce groupe n’est pas super connu, et pourtant il gagne à l’être ! Cette formation est composée de 2 canadiens et 2 américains, à eux 4 ils jouent de la batterie, de la guitare, de la basse, du synthé et du piano. Rien de très original tout ça, mais ce qui est intéressant c’est de voir une fille qui chante dans un groupe tantôt rock tantôt plus sulfureux pop/rock.

Cet album est fait pour les fans de pop/rock qui ont la pêche mais qui aiment aussi écouter des sons parfois mélancoliques et qui laissent rêveur. En choisissant ce registre le groupe marque une frontière avec leurs débuts. Le son est beaucoup plus aérien comme dans « Twilight galaxy ». C’est justement la douceur et la légèreté de quelques musiques qui marquent l’album, avec un piano posé et des doubles voix envoûtantes. Tout n’est pas bon à prendre mais quand c’est bon, oh mon dieu, oui c’est bon. "Blindness" est entêtante, elle démarre tranquillement, la voix de Emily est calme, posée, douce, puis le rythme s’accélèrent les guitares font leur apparition, le clavier finit de nous convaincre au bout d’une minute 27 seulement, le reste de la musique c’est du bonus et ça fait plaisir. Mais bon, ne vous trompez pas, on retrouve quand même les influences rock du groupe, à un tel point que le chanteur de Linkin Park s’y intéresse de près !

Cet album est donc pas mal pop, mais pour ceux que cela dérange, n’hésitez surtout pas à écouter l’album « Old World Underground » qui dénote un très bon esprit rock et qui devient glamour avec la voix de Emily Haines !

Julien L.

je veux du CASH !

2010-06-03T22:57:00.016+02:00

Il arrive que l'on vous dissuade d'acheter un album non pas en l'enfonçant mais en le défendant. Ça a presque été le cas avec cet "Ain't no grave", ultime enregistrement de Johnny Cash, le sixième et en principe ultime volume des American recordings, toutes les critiques ne pouvant s'empêcher d'évoquer l'encombrant contexte accompagnant cette sortie (ah ben merde moi aussi), qu'on aurait certes du mal à évacuer ; les sessions qui ont donné lieu à l'album datent en effet des 4 mois d'intervalle séparant la mort de Cash de celle de sa femme, pendant lesquels Cash, armé de sa foi obstiné, a continué d'enregistrer (En même temps quoi faire d'autre ? Attendre la mort en faisant des mots croisés ?). D'où un album à propos duquel on parle de tombeau, de mausolée...Et pourquoi pas de vers aussi ? Il ne s'agit pourtant pas d'Égypte ancienne ou de la rubrique nécro, ce me semble. Laissons donc les morts là ou ils sont et parlons musique. Loin d'être plombant, ce disque est en fait étonnamment serein, moins tourmenté que "The man comes around" (le quatrième volet des American recordings), excepté pour le douloureusement de circonstance titre éponyme, décalque réussi du "God's gonna cut you down" (qui figurait sur le précédent album). Sur "Can't help but wonder where i'm bound" ou "For the good times" (reprise de Kris Kristofferson) en revanche, Cash a l'air presque guilleret, comme si ce qui l'attendait alors ne l'effrayait guère (on est croyant ou on ne l'est pas). Cet album, en somme, c'est presque un happy end.

La prise de son, comme toujours avec Rubin est parfaite, encore plus dépouillée que sur les précédents, même si quelques marques distinctives demeurent, en particulier ces autoritaires et parcimonieuses interventions de piano qui ponctuent le sommet de l'album, "Redemption song", une scie de Sheryl Crow (Sheryl Crow oui...) que Cash transfigure complètement. Léger bémol: la seule composition signée par Cash lui même, "I corinthian 15:55", inspiré d'un verset biblique, est un peu faiblarde. En définitive, ce qu'il ressort de cet album, c'est que Cash sonne plus vivant à 71 ans que Thom Yorke à 41 (Saviez vous que les camarades de classe de Thom Yorke le surnommaient "la salamandre" quand il était gamin ? J'ai bien ri quand j'ai appris ça).

"Ain't no grave" est probablement la dernière livrée posthume de Cash. C'est sans doute mieux comme ça. On se contentera désormais d'imaginer avec un peu de regret les morceaux qu'on aurait voulus le voir reprendre ("Blind willie mc tell" de Dylan, par exemple, ça aurait été quelque chose).

Donc pour résumer, cet album c'est pain béni pour les aficionados, les autres procurez vous d'abord les indispensables (et quand je dis indispensables, je veux dire vraiment indispensables) volumes 3 et 4 (intitulés respectivement "Solitary man" et "The man comes around").

Vianney G.

Klaxons, Myths of the Near Future (2007)

2010-05-31T18:32:00.005+02:00

Peu de groupes peuvent se vanter d’être à l’origine de la création d’un nouveau terme pour désigner leur musique. Pourtant, à la sortie de Myths of The Near Future en 2007, premier album des Klaxons, un journaliste du magazine britannique NME ne trouvera pas d’autres moyens pour définir le style de ces londoniens, qu’il qualifiera de « new rave ». Combinaison de rock, d’électro et de sonorités démentes, il est vrai que faire rentrer les Klaxons dans une case est particulièrement ardu…

Dès le début de l’album, le ton est donné avec « Two Receivers », qui s’ouvre sur un son saturé, lourd et orageux laissant penser à l’auditeur que le morceau va s’emballer et exploser. Et pourtant, ce sont des sonorités très claires, même cristallines qui vont prendre le relais et offrir un contraste plaisant à l’oreille. Puis une ambiance électronique vient entourer le morceau, avec la voix caractéristique de Jamie Reynolds et de ses compères. Le second titre, « Atlantis To Interzone », fait référence à la mythique cité perdue Atlantis, ainsi qu’à une nouvelle de William S. Burroughs parlant d’une micro-nation imaginaire d’Afrique. Encore plus que dans « Two Receivers », l’auditeur est pris dans une avalanche de sons, avec des sirènes de détresse, une voix de fond qui vient parfois hanter le morceau tandis que la guitare fait régulièrement son apparition pour rythmer la chanson et lui apporter un semblant de normalité.

Après cette entrée en matière assez explosive et originale, c’est le retour de sonorités un peu plus légères avec le tube « Golden Skans », son refrain captivant et les voix des membres du groupe se combinant en un chœur agréable, dans lequel on se laisse rapidement embarquer. Poursuivons avec le trop peu connu mais pourtant très entraînant « Totem on the Timeline », directement suivi par « As Above So Below » et ses guitares archi-saturées. « Isle of Her » n’apporte pas grand-chose à l’album, au contraire de "Gravity’s Rainbow", qui renoue avec des sonorités plus libérées et se laisse écouter avec plaisir. Après un morceau plus calme « Forgotten Works » vient le plus gros tube de l’album, « Magick », et son intro très réussie qui amorce une suite terriblement entraînante. Et effectivement, on n’est pas déçu, les alternances subites entre des parties instrumentales rapides et des passages plus posés et plus axés sur les voix rythment parfaitement le morceau et lui donnent toute sa vigueur.

Voici la fin de l’album avec une reprise très prenante de Grace, « It’s Not Over Yet », suivi par un des plus bizarres morceaux de cet album, « Four Horsemen of 2012 ».
C’est donc un ensemble aux sonorités assez expérimentales et osées que les 4 membres du groupe nous proposent, et sa qualité indéniable sera entre autres récompensée par le Mercury Music Prize, qui consacre le meilleur album britannique ou irlandais de l’année.

Après 3 ans sans album, un nouvel opus est enfin sur le point de voir le jour. Sa date et son nom sont encore incertains, mais les Klaxons ont d’ores et déjà mis en ligne un premier single intitulé « Flashover ». Le groupe semble s’orienter vers des sonorités plus rock avec davantage d’importance accordé à la guitare, ce qui n’est pas surprenant quand on sait que c’est Ross Robinson, un producteur américain de groupe de métal qui a supervisé cet album. Pas d’inquiétude cependant, le style bien caractéristique des Klaxons reste très présent, et ce premier morceau est vraiment bon, très rythmé et ne lasse pas, écoute après écoute. L’attente sera longue…

Franck A.

I am Kind of Blue

2010-05-30T22:47:00.007+02:00

Il y a quelques semaines je suis allée avec deux amis d’Ad’Lib au Caveau de la Huchette, lieu mythique du jazz, 5 rue de la Huchette à Paris. Sarah Morrow s’y produisait. Première femme à intégrer l’orchestre de Ray Charles, tromboniste de talent, c’était son avant dernier soir dans la capitale. J’étais ravie de voir autant de jeunes et moins jeunes prendre leur pied à écouter du jazz, une bouteille de vin sur la table, et à danser sur les compositions de l’artiste et sur leurs reprises jazzy. I Don’t Mean a Thing, My Funny Valentine,… j’étais aux anges !

D’habitude, les albums de jazz que l’on écoute sont des œuvres d’artistes plus que soixantenaires. On a du mal à s'imaginer qu’il existe encore des jeunes artistes de jazz aujourd’hui, puisqu’on en entend rarement à la radio ou lors de nos sorties étudiantes nocturnes. C’est sûr que si l’on veut faire de la tune, il vaut mieux faire un tube bien commercial comme il faut. Alors, forcément, le jazz passe à la trappe. Eh bien, c’est bien dommage, et je trouve ça énervant, triste, con, que l’on nous bassine les oreilles avec des chansons purement alimentaires de fashionistas que l’on ose appeler artistes aux dépens de musiques qui valent tellement plus la peine d’être écoutées ! Tout n’est pas à jeter dans ce qu’on peut entendre à la radio, mais… pas loin !

Décrottez un peu vos oreilles, prêtez votre cerveau à une expérience moins conventionnelle, et laissez-vous aller sur quelques derniers albums de jazz. Certains artistes de moins de 40 ans valent vraiment la peine d’être écouté.

Le trompettiste Alex Tassel par exemple. Fin avril, il sort un double CD, Heads and Tails (2010). Alex Tassel est de cette génération ballottée entre le jazz acoustique et le jazz fusion et électrique, moins accessible. L’acoustique, c’est le jazz que l’on peut vous faire écouter dans les classes de musique du collège, dont le plus grand album est sans doute Kind of Blue de Miles Davis ; l’électrique se réfère au jazz à la Herbie Hancock, des années 70. Avec le même groupe, Alex Tassel nous offre donc une première partie acoustique, et une seconde électrique. Attention, cependant, si vous écoutez bien son dernier album, Alex Tassel prend un malin plaisir à brouiller les pistes : il fait sauter les a priori sur le jazz acoustique, que l’on dit souvent plus profond ou intellectuel et donc moins entrainant que le jazz électrique, mais il donne aussi de la profondeur à ce jazz électrique très dansant.

Parmi les nouveaux, je vais vous donner un nom qui risque de vous surprendre : Hiromi. Oui, il s’agit bien d'une Japonaise !!! Le Japon est devenu une terre de prédilection pour les jazzmen en quête de reconnaissance, mais c’est aussi une terre connue pour porter des musiciens virtuoses. Ainsi Hiromi, pianiste japonaise de 30 ans, a commencé le piano à 6 ans et intégré la « Yamaha School of Music » à 12 ans ! Elle en est déjà à son 6^e album de jazz, Place to be (2009). Lors de ses études dans la prestigieuse école de musique Berklee aux Etats-Unis, elle a eu la chance de rencontrer le pianiste de jazz Ahmad Jamal, qui la prend sous son aile et lui permet de faire la connaissance d’autres pointures du jazz. Ahmad Jamal a connu les grands succès commerciaux de Ella Fitzgerald, Louis Armstrong, Nat King Cole, etc., et a collaboré entre autre avec Herbie Hancock. Hiromi voit sa carrière dans le milieu du jazz décoller et elle enregistre avec Chick Corea, Stanley Clarke (un des plus grands bassistes du jazz, selon moi), Lenny White. En avril dernier elle a même donné un concert à l’Olympia, Paris, avec Ahmad Jamal en première partie ! Pour le plaisir, une vidéo d'un concert de Hiromi avec Chick Corea, http://www.youtube.com/watch?v=ZoGtLq9Qx24&feature=related et les liens de deux titres de jazz de Hiromi pour illustrer toute la diversité que le jazz moderne peut avoir, tantôt doux et nostalgique comme Desert on the Moon, http://www.youtube.com/watch?v=TVNAdwFFWjI&feature=related , tantôt swingant et surprenant à l'instar de Time Out http://www.youtube.com/watch?v=F4PlwgTNMDQ&feature=related.

Ensuite, pour les plus curieux, sachez qu’il existe toute sorte de jazz : jazz fusion, jazz électrique, afro-jazz acoustique, acid jazz, etc. Je vous encourage à vous initier au jazz, genre de musique auquel nous ne sommes pas formés. Les syncopes, les impros, l’accentuation des temps faibles, la recherche d’un phrasé personnel pour les chanteurs, l’abondance d’emprunts de tons que l’on peut y trouver, le swing et son fameux « chabada »,… Je m’arrête, je m’emballe. Bref, tout cela pour dire que je suis persuadée que vous prendrez très vite beaucoup de plaisir à écouter du jazz!

Pour ceux qui voudraient écouter du bon jazz en live à Paris, une seule adresse : http://www.caveaudelahuchette.fr/index2.html 5 rue de la Huchette, M° Saint Michel. Et n’oubliez pas de demander le tarif étudiant !

Diane H.

Leçon de musique avec David Elfman et Tim Burton

2010-05-14T04:50:00.009+02:00

Il fait partie de ces hommes qui œuvrent dans l’ombre : on ne le voit pas, et pourtant, sans lui, certains classiques du cinéma ne seraient pas ce qu’ils sont aujourd’hui. On ne le voit pas, mais on l’entend. Danny Elfman est un compositeur de talent, compositeur quasi attitré de Tim Burton; il a également composé des livrets pour bons nombres de grands succès d’Hollywood. Le générique de la série Les Simpsons, on le doit à Elfman. La BO de Mission Impossible en 1996, c’était lui. Celle de Men in Black I et II, c’était lui à nouveau. Spiderman, encore lui. Chicago, toujours lui. Hulk, Desperate Housewives, Hellboy II, Harvey Milk,…

On ne peut nier l’influence de la musique classique chez Elfman, comme chez bien des compositeurs modernes ou contemporains. Si la Symphonie Alpestre de Strauss a inspiré James Horner pour Star trek 3, si Maurice Jarre se laisse influencer par Sanson et Dalila de Camille Saint Saëns pour Lawrence d’Arabie, ou si John Williams pastiche Le Sacre du Printemps d’Igor Stravinski pour Star Wars,

Danny Elfman fait appel aux valses de Strauss pour des moments romantiques ( Rachmaninov vient aussi régulièrement mettre son grain de sel) et les transforme à peine lorsqu’elles appuient les moments où le méchant semble pouvoir gagner : http://www.deezer.com/listen-723018 (Batman)

Très proche de Jerry Goldsmith, compositeur de la génération précédente et compositeur pour Alien, Star Trek films et série TV, Rambo et Basic Instinct entre autres, Elfman subit donc, au travers de Goldsmith, les influences de Smetana, Bartok,… Goldsmith était en effet formé à la composition classique au départ ! Tout se tient !

Mais ce qui m’intéresse particulièrement, c’est son travail avec et pour Tim Burton. Leur première collaboration remonte à 1985 pour Pee-Wee Big Adventure. Ce qui est assez drôle, c’est que le scénario de ce film décrit un monde typiquement « Tim Burtonien », … et pourtant Tim Burton n’avait fait que le réaliser, engagé par Reubens, l’auteur du scénario, qu’après le visionnage de Vincent, court métrage de Tim Burton, narré en vers et qui vous rappellera sans doute l’Etrange Noël de Mr.Jack esthétiquement parlant (je vous encourage à le visionner en Anglais ou même en Français ; la traductions des vers est étonnamment réussie !).

C’est en fait avec Beetlejuice que le compositeur et le réalisateur collaboreront véritablement sur la création d’un monde un peu fou. L’année d’après, en 1989, ils récidivent avec Batman, et l’on retrouve, en plus d’un Joker (Jack Nicholson) aux airs de Beetlejuice, quelques cellules musicales sautillantes au clavier typiques d’Elfman. Ecoutez plutôt le thème de Beetlejuice: http://www.deezer.com/listen-2177146

Et voici Clown Attack, de Batman : http://www.deezer.com/listen-722956

L’utilistation du triangle, du piano, des cordes et des voix (dont la partie pourrait être reprise aisément par des violons) est très spécifique dans toute l’œuvre de Danny Elfman : http://www.deezer.com/listen-1097352 , vous aurez reconnu le thème d’Edward aux mains d’argent. Voici l’autre musique ultra connue, reprise par bien des marques pour des publicités de parfums et cosmétiques (Chanel, pour n’en citer qu’une) http://www.deezer.com/listen-1097358 (Bon pour le plaisir, la vidéo^^ http://www.youtube.com/watch?v=F608ouen5C8 )

Dans The Corpse Bride, on retrouve ces voix en appui http://www.deezer.com/listen-788968 , semblables à des instruments http://www.deezer.com/listen-788996 .

Bien que l’instrumentation diffère, reconnaissez sa patte dans l’Etrange Noël de Mr.Jack http://www.deezer.com/listen-3113215

Pour le fun et pour la fin : voici 3 morceaux, de 3 films différents, portant tous le même titre : The Final Confrontation :

http://www.deezer.com/listen-1097364

http://www.deezer.com/listen-723026

http://www.deezer.com/listen-5522857

Alice, Edward, Batman,… mais dans quel ordre ? C’est en fait assez évident à trouver, parce que ces musiques, ces harmonies sont très différentes, même si des instruments, des cellules musicales trahissent la patte d’Elfman. Un véritable style apparaît sans s’imposer, sans paraître répétitif d’un film à l’autre. Alors, oui, certes, on souligne le talent de Tim Burton. On ne manque pas de souligner celui de Johnny Depp, son acteur fétiche. Mais on ne devrait pas oublier celui d’Elfman, qui sait valoriser ces films aux tonalités si variées et si différents les uns des autres bien que toujours servis par le même duo d’esprits géniaux. Il leur a donné ce petit quelque chose qui fait ce qu’on appelle « la marque Tim Burton ».

Diane H.

PS : Merci à la musique classique d’inspirer encore notre époque. Je suis intimement convaincue qu’il n’y aurait pas de créations musicales aussi variées dans tous les styles de musique confondus sans ces oeuvres que l’on regroupe hâtivement sous l’expression « musique classique ». Alors pour la route, Rachmaninov : http://www.deezer.com/listen-798954 pour les thèmes d’amour et Debussy: http://www.deezer.com/listen-552637 pour le subtil mélange des voix aériennes de ces sirènes.

Anecdotes du rock

2010-05-10T16:24:00.007+02:00

Lucy, l’ancêtre de l’homme

Vous avez sans doute déjà entendu en cours de SVT le nom de « Lucy ». Pour rappel, il s’agit du nom qui a été donnée au fossile ancêtre de l’homme, qu’on a longtemps considéré comme le plus ancien et le plus complet jamais trouvé.
Ce que vous ne savez peut-être pas, c’est pourquoi ce nom particulier a été choisi. En fait, le scientifique qui a découvert le fossile en 1974 était fan des Beatles, et il a donc décidé de le surnommer Lucy en référence à la chanson « Lucy in the Sky with Diamonds ». A noter que les initiales « LSD » ne sont pas une allusion à la drogue. C’est Julian Lennon, le fils de John, qui revenant de l’école, montra à son père un dessin représentant une de ses camarades de classe, Lucy, dessin intitulé par Jullian « Lucy in the sky with diamonds ».

Le pogo

Le pogo est un style de danse qui consiste, notamment lors d’un concert, à sauter de façon chaotique en bousculant les autres, et en suivant plus ou moins le rythme de la musique.
La légende raconte que c’est Sid Vicious, bassiste éphémère mais marquant du groupe punk des Sex Pistols, qui l’aurait inventé.
Lors de concerts auxquels il assistait, il aurait pris l’habitude de sauter sur place, afin de mieux voir le groupe sur scène. La foule l’aurait suivi spontanément, donnant naissance à cette danse particulière. Selon d’autres sources, il cherchait les autres membres du groupe perdus dans une salle de concert, et aurait sauté pour essayer de les apercevoir.

Decca, ou le label qui a refusé les Beatles

Même si cela semble incroyable aujourd’hui, l’histoire est authentique. A leurs débuts, alors qu’ils cherchaient une maison de disque, les Fab Four ont auditionné pour Decca. La maison de disque, peu convaincue par leur performance, a refusé de les engager.
Une décision dont le label aura tout le temps de se mordre les doigts, quand on sait le succès qu’ont ensuite eu les Beatles. Ils demeurent à ce jour les artistes ayant vendu le plus de disques au monde. Fort heureusement, Decca ne laissa en revanche pas filer les Stones qui restèrent chez Decca de 1963 à 1970.

Keith Moon, le batteur déjanté des Who

Keith Moon était bien connu pour sa consommation régulière de drogue et d’alcool.

Un soir, avant un concert, un type propose à Keith Moon d’essayer un tranquillisant, normalement utilisé pour… les chevaux. La moitié, lui dit-il, et il va planer comme jamais. Prenant cette remarque comme un défi personnel à son encontre, lui le grand Keith Moon, il n’hésite pas, et prend le tranquillisant…en entier !
Il s’écroulera pendant le concert, évanoui, et un batteur choisi au hasard dans la foule finira le concert à sa place.
Ce n’est qu’une des innombrables histoires qui tournent autour de lui, l’anecdote apparemment vraie selon laquelle il aurait envoyé une limousine dans une piscine en est un exemple.

London Calling, des Clash

Lors d’un concert des Clash en 1979, Paul Simonon, le bassiste détruisit sa basse en la fracassant contre le sol. Il imitait en cela Pete Townshend, guitariste des Who (encore eux !), qui était coutumier du fait au milieu des années 60, soit près de 15 ans plus tôt !
Pennie Smith, photographe de rock, a le temps de prendre un cliché du geste. L’image sera utilisée sur la pochette de l’album London Calling et deviendra une des photos les plus célèbres dans le rock. Aujourd’hui, la basse fracassée est exposée au Rock and Roll Hall of Fame, à New York.

Kinks : copiés ou copieurs ?

Les Kinks, groupe britannique formé dans les années 60, avait dans son répertoire de l’époque une chanson intitulée « stop your sobbing », qui fut reprise et réarrangée fin des 70’s par les Pretenders dans leur premier album. Les Pretenders obtinrent un grand succès avec cette chanson, et leur version devint plus connue que celle des Kinks ! A tel point que lorsque Ray Davies, toujours leader des Kinks demanda, peu après la sortie de l’album des Pretenders, aux autres membres du groupe de retravailler la chanson pour la jouer en concert, ils la jouèrent selon les arrangements des Pretenders … Comme si les Kinks faisaient une reprise des Pretenders.

Dans le même ordre d’idée, le premier album du groupe Van Halen contenait une reprise de « You really got me » des Kinks. Les jeunes de l’époque qui avaient l’occasion de voir les Kinks en concert dans les 80’s disaient : « ils font une reprise de Van Halen » !

Muddy Waters : le bluesman artisan

Il fut un des plus grands bluesmen de tous les temps, repris par nombre de groupes dans les 60’s, au premier rang duquel on trouve les Rolling Stones, dont le nom est d’ailleurs emprunté à un titre de Muddy Waters. Après leur premiers succès en Angleterre, les Stones décidèrent d’enregistrer un album dans les studios Chess de Chicago, label du grand Muddy. A leur arrivée dans les studios, ils tombèrent sur un type en train de refaire la peinture : le peintre, c’était Muddy Waters ! A cette époque, même s’il avait déjà composé la plupart de ses grands standards, il n’était pas encore célèbre et encore moins riche (de toutes façons, on ne devient pas milliardaire avec le blues …) et il arrondissait les fins de mois comme il pouvait ...

Chuck Berry : une orientation professionnelle réussie

La transition est toute trouvée avec Muddy Waters : à ses débuts, Chuck Berry hésitait entre deux carrières : celle de chanteur et celle de … coiffeur ! C’est Muddy Waters qui l’a convaincu de choisir la première alternative. Quand on consulte la liste interminable des standards du rock composés par le génial Chuck, et l’influence qu’il a eu sur les groupes rock des années 60 à nos jours (Les Stones en tête), ça fait frémir de penser que peut-être sans lui certains de ces groupes n’auraient pas vu le jour.

Jerry Lee Lewis : allumer le feu

Dans les années 50, le « killer », surnom d’un des pionniers du rock’n’roll, pianiste de son état, participait à des tournées avec ses contemporains rockers de l’époque : Little Richard, Chuck Berry entre autres. Un soir, très en colère de ne pas passer en vedette, c’est-à-dire en dernier et de précéder Chuck Berry qui avait cet honneur, il décida de produire un concert exceptionnel, alignant tous ses succès avec une énergie jamais vue, et finissant son show en incendiant son piano sur scène ! Du jamais vu à l’époque. A la sortie de son concert, il aurait fait une remarque du genre : on va voir ce qu’il va faire maintenant cet enc…, en parlant de Chuck.

Franck A.

blédina psyché.

2010-04-25T18:46:00.007+02:00

Eux je les avais immédiatement haîs. Présentés comme deux adonis fluo-hippie chic pratiquant une électro-pop gentiment saccharinée pour jubilés de grandes écoles, comment aurais-je pu faire autrement ? Or, il se trouve que les deux compères de MGMT ne sont au fond que deux geeks de musique, raisonnablement tête de lard, deux timides violettes aux connaissances encyclopédiques qui ont globalement le goût des bonnes choses. J'ai donc écouté le premier album sans a priori; au moins 3 chansons sont assez géniales : "weekend wars" sonne comme le meilleur de Bowie (Bowie qu'ils évitent d'ailleurs soigneusement de citer comme une de leurs influences, sujet sur lequel en authentiques fans, ils sont pourtant plus que prolixes), "the youth", et ma préférée, l'imprévisible "of moons, birds and monsters" http://www.deezer.com/fr/#music/mgmt/oracular-spectacular-71318 . On trouve même des accents kinksiens à "time to pretend" (i'll miss the playground and the animals and digging up worms/i'll miss the comfort of my mother and the weight of the world) et surtout une lucidité très effrayante très "dernière danse" (rappelons que Van Wyngarden avait 19 ans lorsqu'il a écrit ce machin). Ca ne justifie pas toute l'effervescence à leur sujet mais globalement, par les temps qui courent, on est bien obligés de se ruer sur ces groupes, qui auraient finalement été des seconds couteaux en 1967 (non là je suis injuste).

Après le succès monstre de cet album, eux qui épinglaient tout ce cirque rock'n'roll sont tombés en plein dedans. Ils se sont laissés bouffer, s'en sont rendus compte après un temps et ont réagi comme les paumés qu'ils étaient : Andrew est parti tout seul en Roumanie (pour se ressourcer ?!!), Ben s'est reclus à New-York. Après quelques mois de n'importe quoi, le duo décide de raconter son désarroi dans un album. Ergo ce "congratulations".

Catalogués comme un groupe à singles et auréolés du quelque peu encombrant succès de "Kids" et de "time to pretend", ils ont annoncé la couleur; "congratulations" est censé fonctionner comme un tout, orientation qu'ils ont choisi moins par esprit de contradiction ou par peur que parce que c'est sûrement comme ça qu'ils se sentaient de faire cet album. Reconnaissons que c'est là un geste courageux (suicidaire ?) d'intégrité d'artistique. Il est probable que cet album soit plus représentatif de ce qu'est la musique que veut faire MGMT. Il est probable aussi que, ce faisant, ils vont s'aliéner un paquet d'anciens fans qui n'ont que faire de psychédélisme. Et il est encore plus probable qu'ils s'en foutent.

Ils le disent eux même: "je crois que d'une certaine manière nous faisons la musique qui nous manque, celle qu'on n'entend pas assez dans tout ce qui sort en ce moment". Sauf qu'on ne peut pas tout caler en 9 titres. A vouloir trop bien faire, ils ont livré un album pot-pourri (et encore leur producteur les a retenus apparemment). Récemment en interview, ils affirmaient avoir voulu montrer toutes les directions dans lesquelles ils étaient capables d'aller. Mais ça mes petits tout le monde s'en fout. La question est: "est ce que les chansons sont bonnes ?" Tout ça est certainement très balèze, personne ne dira le contraire, mais manque un peu de l'évidence du premier album et s'égare parfois totalement (sur le très très laid "lady dada's nightmare"). On trouve de même six (!) parties distinctes dans "siberian breaks" qui fluctue entre le bon et l'affreux. Certains morceaux (pratiquement tous en fait) auraient gagnés à être saucissonnés. Finalement, après plusieurs écoutes je suis porté vers les mêmes, sans surprise celles qui s'éparpillent moins que les autres, à savoir, "it's working", "song for dean tracy", "i found a whistle", "someone's missing" féérie inquiétante façon "hurdy gurdy man", et "congratulations" , qui rappelle le T-Rex de "cosmic dancer". Cet album est moins bon que le premier mais il renforce mon intérêt pour MGMT car même si cet album est finalement un peu frustrant, on sent que les MGMT en ont encore sous le pied. Il n'est pas impossible que la prochaine soit vraiment la bonne.

Ah, au fait ils passent au Bataclan, à 100 euros la place. Donc à ce prix là, à moins qu'il y ait des tigres du Bengale ou une grande roue, faut pas rigoler. En plus, d'après ce que j'ai pu lire et entendre, ils sont parfois lamentables en live. On l'a dit, les deux personnages sont malins, cultivés, lunaires. Des rats de studio. C'est malheureusement pas ce qui est requis pour être une bête de scène.Etre un gros demeuré arrogant façon Liam Gallagher est pour le coup plus recommandé.

Vianney G.

hawleylujah brothers !!

2010-04-04T20:24:00.016+02:00

J'ai entendu la voix de Dieu le 11 février 2010. Ou du moins s'il y a quelqu'un la haut, il doit avoir la voix de Richard Hawley. Le cadre est idéal pour le concert: L'Alhambra, une salle modeste de 500 personnes, circulaire. Si j'écrivais dans Version Femina, je dirais que l'endroit est intimiste. En première partie, un sosie de Romain Duris nommé Gaspard Royant, seulement accompagné d'un pianiste réalise ma foi une performance plutôt convaincante, enchainant des ballades pop bien construites, particulièrement une (dont j'ai oublié le titre) qui pompait la mélodie du "mother's little helper" des Stones , et une autre avec une fille approximativement âgée de 12 ans pour un duo façon "anyone else but you". Après ce plaisant amuse-bouche, le plat de résistance...Il débarque d'un pas trainant, l'air impassible; il est plus épais que je ne l'aurais cru. Le genre de gars à coté duquel n'importe qui semble un petit garçon. Arrivent les premiers mots de "as the dawn breaks"...Mais p*** de p***, à qui a t-il vendu son âme pour avoir une telle voix ? Même ses ronflements ou ses raclements de gorge doivent être merveilleux à entendre. Les premières chansons sont délivrées avec une ferveur impressionnante. Le public, exemplaire, écoute religieusement. Le son est irréprochable.Le premier choc arrive avec "ashes on the fire": j'ai l'impression que je vais m'effondrer tellement c'est beau . Je ne sais plus trop pourquoi mais Hawley, impassible jusqu'ici se fend d'un sourire. Immédiatement la foule rugit et part dans une longue ovation en plein milieu du show (comme lorsqu'il était passé à Taratata d'ailleurs) .Enfin déridé et à l'aise, Hawley livre laconiquement une anecdote sur la gestation d'une chanson de son dernier album, "for your lover give some time": "basically, i wrote this song for my wife because i wanted to have a shag with her". On est gâtés, en plus de l'intégralité du dernier album, Hawley n'a pas choisi ses chansons les plus dégeus de son répertoire, toutes impeccablement interprétées: "coles corner" (ce morceau mes aieuls ce morceau) "run for me" et son crescendo hallucinant (j'aurais presque envie de me marier juste pour avoir cette chanson à la cérémonie), "oh my love" et son final dément, "lady solitude"...

Entre deux ballades, Hawley s'autorise quelques incursions vers un rock débridé façon Neil Young période "rust never sleeps". Sur "soldier on", comme possédé, il martyrise impitoyablement son vibrato: saisissant spectacle, croyez moi.

Hawley chante avec la modestie et l'assurance tranquille de celui qui sait que sa musique parle pour lui. Pour situer jusqu'où va son absence d'arrogance, disons quand même qu'il a invité sa mère à le rejoindre sur scène à un concert au Royal Albert Hall, une des salles les plus connues d'Angleterre. Putain mais qui d'autre ferait ça aujourd'hui ? (regardez cette vidéo, surement une des choses les plus adorables que j'ai vues dernièrement.

Après une reprise du "crawfish" d'Elvis, Hawley prévient qu'il est temps de se quitter. Il conclue avec une interprétation de "the ocean" qui relègue la version studio aux oubliettes et s'éclipse sous les vivats. Je braille comme une groupie "come back richard!!" en vain, on s'en doute. Ni "baby you're my light", ni "roll river roll", ni "i sleep alone" n'étaient au programme ; c'est pas très grave, je viens d'assister au meilleur concert de ma vie. ET DE LOIN !!! DE TRES TRES TRES TRES LOIN !!!

Alors si vous aimez Hawley, parlez en ! Portez la bonne parole à ceux que vous croisez ! Chantez partout sa gloire ! FAITES CONNAITRE AU MONDE LA GRANDEUR DE RICHARD HAWLEY !!

nb: Session de rattrapage au Bataclan ce 25 Mai.

Vianney G.

Led Zeppelin, la groupie et le requin

2010-04-03T21:31:00.002+02:00

Ames sensibles s’abstenir. Car l’histoire qui suit est une des plus hard que vous pourrez trouver dans l’histoire des groupes de rock.

D’abord les protagonistes. Selon les versions, il y aurait eu un ou plusieurs membres de Led Zeppelin, une groupie d’environ 17 ans et un requin. Evidemment, sans le troisième, l’histoire n’aurait eu aucun intérêt et je n’aurais pas pris la peine d’aller plus loin.

En 1969, Led Zeppelin fait escale à Edgewater Inn à Seattle, un hôtel dont la caractéristique principale est que vous pouvez pêcher depuis votre chambre.
Le groupe aurait réussi à ramener des requins à l’intérieur ainsi qu’à faire venir une de leur groupie, une jeune fille aux cheveux rouges nommée Jackie qui les harcelait. Apparemment, celle-ci aimait beaucoup être attachée, et les membres de Led Zeppelin, serviables, n’hésitèrent pas demander de la corde au room service pour satisfaire sa demande, non sans l’avoir dénudé au préalable. Ils auraient ensuite introduit des morceaux de ce requin dans ses parties intimes.
Comme toutes les légendes, il existe beaucoup de variations dans l’histoire, mais elle possède sans doute un noyau de vérité. D’après Richard Cole, leur road manager, le requin était en fait une sarde rouge, et c’est seulement son museau qui fut « utilisé », pour faire jouir 20 fois la jeune fille. Aujourd’hui, en dehors du témoignage de Cole que voici ci-dessous, on ne retrouve pas de preuve de cet incident.

« Ca n’était pas Bonzo, c’était moi. Ce n’étaient pas des morceaux de requins de toute façon : c’était juste le museau qui fut inséré. On avait attrapé pas mal de gros requins, au moins deux douzaines, on les a fixés sur des cintres par les branchies, et on les a laissés dans les toilettes... Mais la véritable histoire du requin, c’est que ça n’était même pas un requin. C’était une Sarde Rouge et la nana s’est avérée être une putain de gonzesse aux cheveux rouges avec le feu au cul. Et ça c’est la vérité. Bonzo était dans la chambre, mais il ne l’a pas fait. Mark Stein de Vanilla Fudge a tout filmé. Et elle a aimé ça. C’était style « tu veux un peu de baise, hein ? Voyons comment TA Sarde Rouge aime CETTE Sarde Rouge ». C’est tout. C’était le museau du poisson, et cette fille a du jouir 20 fois. Mais il n’y avait rien de malveillant ou de blessant, jamais ! Personne n’a été blessé. »

En 1973, Led Zeppelin est définitivement banni de l’hôtel. Ils avaient cette fois-ci attrapé des requins et les avaient dispersé un peu partout dans l’appartement, les couloirs et dans l’ascenseur. Lits, télévisions, lampes et draps avaient quant à eux été balancés dans le cours d’eau d’Eliott Bay…

Franck A.

Donovan,la victime du Swinging London: première partie

2010-04-03T15:54:00.015+02:00

Les gens mal renseignés voient Donovan comme un Dylan du pauvre. Il faut dire que l'interessé l'a fait un peu exprès notamment avec ses tentatives (pas déshonorantes au demeurant mais un peu niaiseuses quand même) de faire du Dylan ("josie","catch the wind"). Sur "don't look back", documentaire qui suit Dylan pendant sa tournée 1966, la scène où Donovan essaie fébrilement de quémander un peu de l'attention d'un Dyaln goguenard qui s'en contrefout fait peine à voir. Mais à vrai dire, dès le premier album, on voit que Donovan a assez de talent pour être autre chose qu'un clone, fut-il de luxe, notamment au niveau de certaines compositions remplis d'un mystère vaguement slave ("cuttin out", "donna donna" , "tangerine puppets", le "goldwatch blues" de Mick Softley) qui n'appartient qu'à lui. Certes au niveau de l'écriture, Donovan est à des années-lumières de Dylan. Lui est un des représentants les plus emblématiques du flower power, d'où des paroles un peu couillonnes sur les bords, voire qui frôlent le génie dans le débile ("car car", "i love my shirt") et des interventions un peu embarassantes en interview du genre: "la pop est le véhicule parfait pour la religion, comme si Dieu était descendu sur terre, vu toutes les choses hideuses qui y sont crées et choisi la pop pour être la grande force d'amour et de beauté...Oui Oui c'est très bien mais tais toi maintenant. Donovan dans ces moments là est un peu l'idiot du village du Swinging London. Rien à voir donc avec la morgue légendaire de Dylan. Mais malgré ses airs trompeurs de premier communiant , Donovan est surtout un instrumentiste hors-pair et plus qu'occasionellement un grand compositeur.

Avec "sunshine superman", il se débarasse définitivement de l'asphyxiante tutelle du vilain Bob et devient une sorte de ménestrel pop. Oscillant entre rock ludique perfusé d'arrangements acidulés gentiments psyché ("sunshine superman", "season of the witch" ) et petites merveilles troubadouresques ("three kingfishers", "guinevere", "celeste" ), "sunshine superman" est probablement son sommet.

Vianney G.

Gotan Project, Tango 3.0

2010-04-01T18:37:00.007+02:00

Il fallait oser relever ce pari: allier des sons electro au tango. C'est ce qu'a réussi le trio franco-helvètico-argentin de Gotan Project. Gotan, verlan coloré de tango, et Project, mot un peu froid qui nous rappelle l'expérimentation et l'électro.

Depuis 2001 et leur premier album "La Revancha del Tango" (vendu à plus d'1 millions d'exemplaires!), Gotan Project a prouvé que le sens du rythme pouvait permettait de rapprocher ces deux styles musicaux. Le trio est devenu un incontournable des platines. Suit "Lunatico" en 2006, tout aussi encensé par le public et les critiques que le précédent album. Là encore, ils arrivent à humaniser l'électro avec les sons latins, à moderniser le tango avec ce qu'on pourrait appeler une "ambient-chill-house base".

Leurs titres sont repris dans Nip/tuck, Sex and the City ou encore Chuck,

comme Vuelvo al Sur http://www.youtube.com/watch?v=TsgYPpFoASQ,

Diferente http://www.youtube.com/watch?v=wZk-LJ_KCMg&feature=related,

ou encore Last Tango in Paris http://www.youtube.com/watch?v=Sb-qLaEUCek.

Et nous voici en 2010, Tango 3.0 sort dans 18 jours (le 19 avril), et on a déjà tous entendu leur single electro-tango "La Gloria" lancé en mars. Si, si je vous assure, écoutez et regardez un peu: http://www.youtube.com/watch?v=MBeaGuq-QEM

Philippe Cohen Solal, Christophe H. Müller et Edouardo Makaroff ne dérogent pas à leur postulat initial: infuser une bonne dose d'électro dans le tango traditionnel de l'Argentine du XIXe siècle qui ne semble pas nous avoir dévoilé toutes ses richesses.

A l'Olympia (Paris) le 17 mai

Diane H.

crazy heart

2010-04-01T11:02:00.012+02:00

Une fois n'est pas coutume; on va chroniquer un film. Bon d'abord le synopsis: vieille gloire de la country, "Bad Blake", est sur la route la plupart du temps, dans une voiture qui a tout du corbillard, allant de villages paumés en villages paumés, jouant ses chansons dans les bowlings ou les bars d'une amérique anonyme où la moyenne d'âge avoisine la cinquantaine. Ce qui lui reste de célébrité s'évanouit peu à peu. Le mieux qu'il puisse espérer aujourd'hui, est de faire la première partie de Tommy Sweet, qui fut son protégé et à qui il a tout appris. S'éteignant à petit feu au McClure, ne composant plus, ringard, dépassé, Blake semble pourtant se contenter de cette vie ; il lui arrive même de dégoter une groupie pour ne pas finir la nuit seul. Jusqu'au jour où le vieil ours est interviewé par Jean, une jeune journaliste dont il va s'éprendre : un film sur la rédemption donc (rédemption, un bien grand mot qui veut juste dire: arrêter de faire les conneries qui font qu'on se fait l'effet d'une merde et commencer à faire des choses qui nous rendent un peu plus fiers de nous). Du déjà vu sans doute, mais, hé, quand c'est bien fait, c'est toujours la première fois.

Malgré le thème ultra-hollywoodien, ce film humble ne tombe jamais dans les pièges du genre. La course aux oscars semble être le cadet des soucis du réalisateur Scott Cooper, dont la mise en scène sert avant tout à faire briller ses acteurs, bien servis par un scénario remarquablement écrit qui va au plus simple et évite l'esbrouffe (certains critiques imbéciles ont taxé le film de convenu; comprenez dépourvu de rebondissements factices et arbitraires ce qui, il me semble, est plutôt une qualité). Cooper, qui sait que le sujet du film, pourrait s'avérer plombant, tempère intelligement les situations un peu trash (du genre dégeulis dans les chiottes) par un humour bienvenu.

Le désormais oscarisé Jeff Bridges endosse le rôle titre avec un naturel confondant (notamment pendant les scènes de concert), jamais dans la performance ou le cabotinage; il confère aux changements qui s'opèrent chez Blake une précision, une véracité et une grâce désarmante. Pour lui donner la réplique, Colin Farrel, qui depuis 2-3 ans fait des bons films ("bons baisers de Bruges", "le rêve de Cassandre"), l'immense Robert Duvall dans un petit second rôle, comme toujours épatant, et bien sûr l'adorable Maggie Gyllenhaal, irréprochable elle aussi.

Puisse ce film réhabiliter un style de musique (la country donc) au sujet duquelle quelques malentendus, pas toujours injustifiés cela étant, perdurent: en gros, la country serait une musique de cul-terreux rougeauds bas-du-front. Première fausse croyance rétablie: l'auto-destruction et l'hédonisme coupable n'étaient pas l'apanage des rockers: Johnny Cash fut très longtemps camé jusqu'au yeux, Georges Jones allait chercher de l'alcool en moissoneuse lorsque sa femme avait caché les clefs de la voiture...Le film retranscrit aussi très justement l'atmosphère des états du sud américain (on aurait presque envie de prendre son billet pour le texas). Ces paysages filmés en grand angle contribuent à la beauté virginale d'un film incroyablement attachant qui fait mouche sur tout les tableaux. .

Vianney G.

hcaeB citsalP

2010-03-31T18:07:00.005+02:00

"Oh! Mais quel dur jugement de la part de Vian'!", ai-je pensé à la lecture de son article sur Plastic Beach, le dernier album de Gorillaz. "Je vais voir moi-même de quoi il en retourne!"
Mais Vian' avait semé le doute dans mon esprit: si c'est si atroce pour mes oreilles, arriverai-je au bout de l'album? Ce n'est pas grave, je vais commencer par la fin!

Le dernier titre s'intitule Pirate Jet. Tiens, les pirates et l'espace restent décidément très en vogue. Ecoutons donc un peu...

Aouch, 02:32 minutes c'est déjà trop! Et encore, heureusement que le decrescendo final soulage nos oreilles au bout de 02:25!!! Mais qu'est-ce que ces sonorités viennent faire là? En fait, je n'ai pas dû avoir beaucoup de chance. Mais quand même, on a connu mieux pour clôturer un album! Je vais essayer l'avant dernière.

Cloud of Unknowing. Dans ce genre de chanson, ballade d'amoureux au coeur brisé, soit ça nous prend à la gorge, soit ça casse. Je m'attendais à une explosion après la pause marquée à la 1e minute, mais non... ça continue à se lamenter. L'entrée des violons au bout de 01:40 sauvera-t-elle la mise? Manqué! Pathétique, pas touchant pour un sou. Du coup, le bruit ridicule des mouettes à la toute fin de la chanson ne me surprend même pas,... loupé.

Ensuite vient To Binge. Et pour faire simple, je vous dirai: cf l'article de Vianney!^^

Plastic Beach. Je crois toujours en un sursaut. Après tout, c'est cette chanson qui a donné son nom à l'album! Gentillet. Amateur. Jamais j'aurais cru que je dirai ça de ceux qui m'ont fait triper sur 5/4, People, Feel Good, Clint Eastwood ou New Genius.
En bref, ne perdez pas votre temps à checker si ce que Vian' ou moi avons dit est vrai.

Le resucé, le convenu, le médiocre, ça ne me convient décidément pas.

Diane H.

Gorillaz: Plastic Crap

2010-03-21T00:37:00.021+01:00

Il fallait bien que ça arrive: Damon Albarn a fait un mauvais album. Déjà, sortir "stylo" comme premier single, ça annonce rien de bon pour le reste de l'album (surtout quand on pense que les singles des deux précedents, c'étaient "clint eastwood" et "feel good inc"...). Les deux premiers albums de gorillaz avaient réussi ce tour de force de livrer une musique batarde, ludique et un peu bordélique mais avec malgré tout une certaine cohérence et surtout l'envie de faire de la musique pour le fun. Là c'est l'inverse: cet album péte plus haut que son cul et c'est du grand n'importe quoi. En outre le son est écoeurant et surtout, il n'y a presque aucune chanson décente à l'horizon, juste des brouillons inconsistants. Ou sont les "tomorrow comes today", les "latin simone", les "november has come", les "last living soul", les "every planet we reach is dead" ? Ou est le groove ? Ca a été une plaie d'arriver au bout, croyez moi. Détaillons titre par titre le calvaire. Après une intro inutile, arrive "Welcome to the world of the plastic beach" et déjà une très mauvaise surprise: Albarn chante avec un Vocoder! Pourquoi toi Damon ?! Laisse ça à Kanye West ! "White flag" s'ouvre par une intro jouée par l'orchestre nationale de musique orientale libanais: c'est exotique, c'est surement rafraichissant mais bon si on n'écoute pas de musique libanaise ailleurs qu'au Liban il y a probablement une raison... Suit "rhinestone eyes", sur lequel il n'y a pas grand chose à dire sinon que ce n'est pas la pire de l'album (ça reste de la merde néanmoins). Après toute cette crotte indigeste, on comprend finalement pourquoi "stylo" est le premier single extrait de l'album: ce titre est effectivement moins mauvais que ce qui précède. Reste qu'on se demande ce que Bobby Womack est venu faire dans ce guêpier. Suit "superfast jellyfish" et son refrain inepte voire franchement débile; là, on a carrément mal pour le pauvre Damon. On atteint des sommets d'abomination avec "empire ants": pour situer, on croirait entendre du Jean -Michel Jarre. Vient ensuite un passage pénible (i.e. plus pénible que le reste) avec un"glitter freeze" dont les effets sonores grotesques évoquent la musique de Ross dans je sais plus quel épisode de Friends. C'est seulement à la neuvième plage qu'arrive le seul titre qui ressemble à quelque chose, à savoir "some kind of nature", comptine euphorisante chanté par Lou Reed. Ensuite, c'est "on melancholy hill" (toujours de la merde). Autant dire que là, j'y crois plus beaucoup...Finalement après "to binge", je me suis arrêté (qui pourrait m'en blamer ?). J'imagine que le reste de l'album est aussi crispant. Vous pouvez essayer de finir si le coeur vous en dit...Bon au départ, je ne suis pas accro à Gorillaz (même si j'écoute souvent "clint eastwood" lorsque je suis saoul) ; Que "plastic beach" soit une bonne grosse bouse m'est en fait assez indifférent. Espérons juste que Albarn ne va pas faire la même chose avec the Good the Bad the Queen. Là pour le coup, ce serait vraiment du gâchis.

Vianney G.

Fleet Foxes "Fleet Foxes", 2008 !!*

2010-03-20T00:23:00.015+01:00

*: ces deux points d'exclamations en réaction à Dingo, l'idiot fraichement embauché chargé de recopier et mettre en forme nos articles, qui a cru que je m'étais trompé en écrivant 2008 et l'a remplacé par 1968. Bon ok, on n'est pas toujours très net, mais quand même !

Devons-nous virer Dingo ? Votre avis nous intéresse : n'hésitez donc pas à nous faire part de votre avis sur le blog dans cette décision difficile. Certes il a dépassé les limites, mais quand même son erreur est compréhensible, puisque les Fleet Foxes ont un quelque chose qui évoque certaines légendes des années 60.

Originaire de Seattle, ce groupe composé de 5 membres (dont Robin Peckhold, le chanteur principal) semble avoir vu le jour 40 ans trop tard. Le son qu'il nous propose dans ce premier album n'est effectivement pas sans rappeler celui de Crosby, Stills, Nash and Young, Simon and Garfunkel, ou les Beach Boys. Mêlant Rock et Folk, le groupe se distingue en effet par la place qu'ils accordent aux harmonies des voix et aux mélodies, qui avaient contribué au succès de tous ces grands prédécesseurs.

L'écoute de cet album nous entraine dans un monde imaginaire qui varie au gré des chansons tantôt mélancoliques comme "mykonos"http://www.youtube.com/watch?v=7bJC330fBPM , tantôt plus entrainantes comme "ragged wood"http://www.youtube.com/watch?v=0-CEfY9CDLw . N'oublions pas trois des bijoux de cet album, "he doesn't know why"http://www.youtube.com/watch?v=brZTvGIzeGg , " white winter hymnal"http://www.youtube.com/watch?v=DrQRS40OKNE , qui nous fait plonger dans un océan de sons magiques et enchanteurs et "english house" qui nous emmène dans une épopée en lisière de forêt.

Déjà crédité de 4 étoiles par le magazine américain Rolling Stone et de 5 par the Guardian, qui ont été impressionés par les paroles des chansons et la maturité musicale du groupe, il ne fait guère de doutes que les Fleet Foxes ont encore de beaux jours. Des artistes de premier plan l'évoquent comme un de leurs coups de coeur, Jack White des White Stripes notamment.

D'ailleurs, les membres le disent eux-mêmes: leurs réalisations actuelles ne sont qu'un début, et leurs ambitions sont beaucoup plus grandes. Le groupe a en effet annoncé que leur prochain album serait composé de 7 chansons de 25 minutes, un format plutôt original. On attend donc avec impatience de voir ce que cela va donner.

Frank A.

James Carr

2010-03-17T19:38:00.012+01:00

Lorsqu'on parle de soul, généralement l'ombre de quelques mastodontes écrasent tout le reste. Bien sur ces géants imposés méritent ce statut; Otis Redding et Marvin Gaye c'est très bon point barre. Mais cependant d'innombrables labels obscurs ont également produit des choses fantastiques mais mal distribuées. Ca vaut d'autant plus le coup de redécouvrir ces pépites oubliés qu'aujourd'hui, dans le domaine on n'a plus grand chose à se mettre sous la dent, Gnarls Barkley et Amy la droguée mis à part. Dans le rayon "artistes cultes de la soul", James Carr c'est le graal absolu, la pierre de rosette, le nec plus ultra. J'entends les sceptiques: "ben pourquoi qu'il est pas connu alors ?".Hé bien le pauvre homme était fou (il avait plus exactement un "désordre bipolaire", veillons à ne stigmatiser personne). Une plaie qui lui coûtera sa carrière et transformait, dans ses mauvais jours, les sessions d'enregistrement en un véritable calvaire.

Malgré la maladie, son premier album, "you got my mind messed up", réussit à s'installer confortablement dans les charts R&B de 1967 grâce notamment à "the dark end of the street", récit douloureux d'un amour adultérin: un des plus grands morceaux soul jamais entendus . Ecoutez ça, ça donnera tout de suite un peu de cachet à une déprime passagère. Carr ne retrouvera pas les sommets himalayens de ce morceau (ni lui ni personne d'autre d'ailleurs) mais livrera pour le modeste label Goldwax de plus que délectables moments de soul. Ses deux albums (parfaitement réédités chez Kent) constituent un répertoire restreint (50 titres à tout péter) mais invariablement génial, que Carr se transforme en soul pleureur (très douteux ce jeu de mots) sur "life turned her that way", "these ain't raindrops", "search your heart" et son final en apothéose, qu'il rayonne dans son désespoir ("pouring water on a drowning man", " i sowed love and reaped a heartache", "lucky loser") ou qu'il se remémore sa jeunesse sur des titres gospel ("to love somebody" des Bee Gees, "let it happen"). Sans rival dans le registre "ballade soul qui fait chialer", Carr est aussi un expert des up-tempo qui bottent le cul (le génial "losing game" , "sock it to me baby", le langoureux et bluesy "you don't want me"), lorgnant même parfois vers le funk ("stronger than love", "love is a beautiful thing", "who's been warming my oven"). Sa voix caverneuse et implorante transforme tout en or, et même une reprise étonnante, tendre et belle à pleurer du "ring of fire" de Johnny Cash.

Certains esprits chagrins déploreront une proximité vocale trop grande avec le bon Otis. James s'approprie bien certains de ses tics ("you got to...you got to got to got to", ce genre de choses) mais après avoir écouté ça, le doute n'est plus permis: James enterre Otis. Mais l'histoire est à peine commencé que c'est déjà la fin. Carr présente des signes de plus en plus préoccupants de déséquilibre mental (aggravés par une consommation immodérée de joints ). Après une tentative de come-back désastreuse (lors d'une date au japon, Carr, apparement bourré d'anti-dépresseurs se fige devant l'audience, incapable de sortir le moindre son) et deux albums anecdotiques sortis en 1991 et 1994, Carr s'éteint dans l'indifférence générale en 2003 alors que des "greatest hits" de Lionel Richie (beuh) ou Seal (re-beuh) se vendent par camions entiers. Va comprendre...

A écouter également : "a man needs a woman" (idéale pour sortir du métro), le féministe "you gotta have soul", "row row your boat", "you got my mind messed up" , "dixie belle"...Vous avez tout écouté? Bien. C'est le moment d'un petit tour sur Amazon .

Vianney G.

"forever changes" de Love

2010-03-07T22:06:00.012+01:00

Cet album justifie à lui tout seul l'existence de toutes ces anthologies merdiques types les 1001 cds bla bla bla qui contiennent souvent des étrons imbuvables genre "tommy","appetite for destruction" voire les Smashing Pumpkins, Placebo ou que sais-je...(preuve supplémentaires que ces classements sont bidons, on n'y retrouve jamais "cuitas las bananas", ce chef-d'oeuvre immortel de Philippe Risoli. De qui se moque-t-on?). "forever changes" de Love par contre, ça c'est autre chose. Flashback: Pschiouuu (ça, ce sont les effets spéciaux). Nuage de fumée. Delorean. Nous voilà revenus en 1967: Love a réussi avec ses deux premiers efforts (pas déshonorants mais pas indispensables non plus) à se tailler une place enviable sur la scène musicale californienne. Pourtant lors de l'enregistrement de "forever changes", Arthur Lee, principal chanteur et compositeur du groupe, déjà pas très équilibré, s' effondre; il prévoit même sa mort prochaine (il n'avait d'ailleurs pas à s'en faire car il mourra d'une leucémie mais seulement en 2006). Neil Young, sentant l'affaire foireuse, déclinera le poste de producteur qu'on lui proposait. Cette ambiance mortifère transparait dans les paroles paranoiaques et claustro de Lee, qui à cette époque, entretient méticuleusement sa folie, reclus dans sa villa. "sitting in the hillside/watching all the people die/i feel much better on the other side": c'est exactement ça. Cette noirceur (complètement anachronique à l'heure du flower power triomphant) fait de Love, à bien des égards, le Velvet de la côte Ouest ("forever changes" et l'album à la banane sortent d'ailleurs tous deux cette même année bénie qu' a été 1967). Les arrangements, souvent à tendance hispanisante, sont parfaits (le L.A. philarmonique est mis à contribution pour l'occasion). Les morceaux ("a house is not a motel", "the red telephone", "alone again or", "andmoreagain" ...), qu'on pourrait faute de mieux définir comme de la pop psyché de chambre, exsudent une beauté vénéneuse fascinante mais l'album, qui ne correspond en rien au goût ou à l'esprit de l'époque sera un fiasco (154ème au billboard), tombera dans l'oubli avant d'être sauvé des limbes par de valeureux Indiana Jones de la pop sixties. Mais ou est donc le temps où les camés avaient du talent?

Vianney G.

the XX

2010-03-06T16:15:00.010+01:00

Toute l'excitation autour de ce groupe pue le buzz et il n'y a à vrai dire rien de plus agaçant que la sanctification prématurée d'un groupe. C'est entre autres choses ce qui m'a fait me braquer contre MGMT avant que je ne me rendes compte qu'il y avait quand même quelques chansons assez fantastiques comme "of birds, moons and monsters" ou "the youth" par exemple (notez que ça m'arrache la gueule de devoir le reconnaitre); j'achèterais surement le cd quand leur deuxième album aura fait un bide. J'en ai conclu de mauvaise grâce que la hype, les buzz, peuvent parfois être justifiés. Mais là, je me méfie. Déjà leurs têtes: On dirait les trois emos grotesques (pléonasme) de South Park (j'avais trouvé ça tout seul et j'ai découvert qu'un journaliste du Times avait fait texto la même remarque dans sa chronique de leur disque: disons que la paternité me revient). Ils déclarent aussi être influencés par the Kills (qui comme chacun sait est un groupe de merde): très mauvais signe. A l'écoute, le pressentiment se confirme. Le minimalisme en musique, ça peut être bien: là, ça confine au néant. Tout semble ici pensé pour que l'auditeur se fasse chier un maximum; le chant monocorde (parce qu'on est mal dans notre peau tu vois) n'arrange rien. Les trois croque-morts parviennent à extraire du rock tout son pouvoir d'agression pour livrer une sorte de parodie de Joy Division sous narcoleptiques pour adolescents mal finis. Ben dans le genre, j'préfère encore Nirvana: eux ont au moins le mérite d'avoir l'énergie du désespoir (tiens, énergie; voilà un mot que les trois loques de the XX ne doivent pas connaitre). Encore un effort et the XX risque de devenir the Cure des années 2010 (ce qui n'est évidemment pas un compliment).

Idéal en revanche si vous planifiez votre suicide prochain.

Vianney G.